Kiedy nadchodzi czas, aby fabuła filmu zmieniła lokalizację, wielu redaktorów wyciąga swój zaufany przełącznik. Przełącznik wykonuje zanikanie, wycieranie i rozpuszczanie, które są używane do sugerowania widzom, że zmieniła się lokalizacja historii. Efekty wykonane w przełączniku lub urządzeniu DVE (Digital Video Effects) są nazywane efektami „optycznymi”. Jednak mając przełącznik, możesz uzależnić się od efektów optycznych. Twoje filmy mogą zacząć wyglądać jak foremka do ciastek, a każda zmiana będzie polegać na Twoim sprzęcie, a nie na wyobraźni.
Wśród redaktorów krąży stare powiedzenie:„Jeśli nie możesz tego rozwiązać, rozwiąż to”. Oznacza to, że jeśli reżyser nie uzyskał odpowiedniego pokrycia, redaktor może znaleźć się w kącie i musi uciekać się do efektu optycznego, aby się wydostać. Niemniej jednak nieoptyczne wskazanie zmian czasu lub miejsca jest lepszym rozwiązaniem – a przynajmniej bardziej sprytnym.
W tym artykule będę mówił o podejściu redaktora do tworzenia przejść. Musisz jednak pamiętać, że na etapie edycji nie możesz nic zrobić, jeśli nie masz odpowiedniego materiału do pracy. Zaplanuj przejścia przed rozpoczęciem nagrywania lub przynajmniej pamiętaj o tych informacjach podczas nagrywania, aby odpowiedni rodzaj materiału był gotowy, gdy nadejdzie czas na edycję.
Pasujące strzały
Podstawowa technika przejścia tylko do cięć polega na tworzeniu dopasowań w dwóch kolejnych ujęciach (nazywanych „scenami”). Edytory zwykle dopasowują się do pozycji na ekranie. Jeśli umieścisz centrum zainteresowania w tym samym miejscu na ekranie w dwóch kolejnych scenach, wszystko inne na obrazie może się zmienić, a widzowie odbiorą przejście jako płynne. W ten sposób przenosisz postać z samochodu do kuchni bez pokazywania jej, jak wchodzi po schodach, przez drzwi i do salonu.
Najłatwiejszym sposobem zapewnienia sobie wielu możliwości dopasowania pozycji na ekranie jest zrobienie wszystkich ujęć z głównym obiektem lub interesującym punktem w środku kadru. Ułatwi to cały proces edycji, nawet te cięcia, które nie powinny być przejściami. Jeśli ze względów estetycznych lub kompozycyjnych chcesz umieścić obiekt poza środkiem, skomponuj następne ujęcie w przejściu z obiektem w tej samej pozycji na ekranie.
Rozmiar elementu kontynuacyjnego w kadrze jest mniej ważny. Chociaż może to być płynniejsza edycja, jeśli rozmiary pasują, większość członków publiczności nie będzie zszokowana, jeśli nastąpi umiarkowana zmiana. Byłoby w porządku, na przykład, mieć długie ujęcie obiektu zbliżającego się do budynku, a następnie przeciąć go do średniego ujęcia, jak wchodzi do biura na 38. piętrze. Tylko upewnij się, że znajduje się w tym samym obszarze kadru i porusza się w tym samym kierunku.
Pozycja ekranu jest najbardziej podstawowym rodzajem dopasowania, ale można również dopasować kształt lub kolor. Wszystko, co może być postrzegane jako to samo w dwóch różnych scenach, a co znajduje się w centrum uwagi widza, ułatwi przejście między nimi. Na przykład twój bohater może spieszyć się, aby dostać się do swojego laboratorium, aby spróbować zatrzymać eksperyment, zanim się rozpocznie. Podjeżdża do migającego czerwonego światła stopu. Widzimy, jak migające światło oświetla jego twarz, gdy na nią patrzy. Następne ujęcie to zbliżenie innego migającego czerwonego światła. Kamera cofa się, aby ujawnić, że to światło jest w laboratorium, co oznacza, że eksperyment już się rozpoczął. Ten przykład łączy dopasowanie kształtu, koloru i błysku, aby stworzyć połączenie między tymi dwoma miejscami.
W ten sposób również możesz wykorzystać ruch. Redaktorzy nazywają to „cięciem na działanie”. Załóżmy, że masz kilka ujęć boksera pracującego z workiem treningowym. Robisz zdjęcia jego ramienia, rytmicznie poruszając się tam iz powrotem. Następnie przechodzisz do podobnego ujęcia boksera uderzającego w tym samym kierunku, ale tym razem jest on na ringu ze swoim przeciwnikiem. Dopasowanie ruchu między dwiema scenami wygładza przejście. Dopasowanie ruchu oraz pozycji ekranu, kształtu i koloru czyni go jeszcze lepszym.
Specjalnym rodzajem meczu akcji jest wycieranie ciała. Wiąże się to z użyciem dużego obiektu w scenie, który pełni funkcję wycieraczki. Klasycznym przykładem jest scena, w której pojawia się osoba poruszająca się po kadrze i chwilowo całkowicie blokująca widok. Gdy osoba przechodzi przez inną scenę, zostaje ujawniona.
Na przykład możesz nakręcić kilka scen, w których ktoś jeździ sportowym samochodem po mieście. W jednym ujęciu samochód podjeżdża pod kamerę, całkowicie wypełniając kadr. Kolejny krój zaczyna się od wypełnienia tylnej części auta. Samochód odjeżdża, ujawniając, że jest teraz na wsi. Kontynuujesz sceny z jazdy po kraju.
Wycięte jako przejścia
W dopasowanych ujęciach niektóre elementy sceny są takie same w obu ujęciach. Cutaway to ujęcie, które nie zawiera żadnego elementu z poprzedniego ujęcia. Prostym przykładem może być zbliżenie czegoś, co ktoś robi, na przykład robienie na drutach swetra. Następnie wykonaj zbliżenie twarzy osoby, patrząc w dół na dzianinę. To drugie ujęcie jest wycięte, ponieważ pokazuje tylko twarz, a nie samą robótkę ani wszystko, co było w poprzednim ujęciu.
Możesz użyć tego jako techniki przejściowej, jeśli jest to wycięcie, które może być częścią jednej z dwóch scen. Na przykład możesz chcieć pokazać turystę odwiedzającego różne miejsca. Pokazujesz scenę uliczną w jakimś dużym mieście. Następnie widzisz turystę przykładającą aparat do twarzy. Przechodzisz do zbliżenia, gdy klika migawkę, a ujęcie przesuwa się, by pokazać, że jest teraz w zupełnie innym mieście.
Takie przejście jest chwytem pisarskim lub redakcyjnym, ale jest też dopasowaniem intelektualnym. Widz akceptuje to, ponieważ pasuje do sensu tego, co się dzieje. Zapałki czysto intelektualne działają; ale nie są tak powszechne jak inne rodzaje.
Użyj dopasowanych cięć, aby wykonać przejścia, gdy chcesz, aby widz połączył dwie sceny, które następują jedna po drugiej. Możesz użyć wycięć, aby utworzyć przejście między scenami, które chcesz zachować osobno. Możesz wstawić scenę, która nie zawiera elementów poprzedniej sceny (ale może to być możliwe, jeśli kręcisz ją pod innym kątem). Następnie wykonaj to z zupełnie innym ujęciem.
Prosty przykład może zacząć się od zbliżenia czegoś, co robi dana osoba. Podążaj za tym zbliżeniem osoby patrzącej w dół (na swoją pracę), a następnie patrząc w górę i w dal. Następnie możesz przejść do zupełnie innej sceny, być może czegoś, na co dana osoba patrzy lub o czym myśli. Przeniosłeś teraz przeglądarkę do następnej sekwencji.
Inne techniki
Inną techniką kamery, którą można wykorzystać jako przejście, jest swish pan, powszechnie stosowany w starych kronikach filmowych. To po prostu patelnia, która porusza się tak szybko, że obraz staje się rozmytym poziomymi liniami. Aby powiedzieć, że teraz „przeskakujemy” z tego tematu na tamten, dzielimy się na dwie zupełnie różne sekwencje. Możesz dokończyć krótki koniec taśmy, po prostu umieszczając aparat na statywie i obracając nim szybko przez kilka sekund. W ten sposób powstaje swish pan, który można przeciąć między dwiema sekwencjami jako przejście, które łączy je i rozdziela w tym samym czasie.
Możesz także użyć ścieżki dźwiękowej do utworzenia przejścia. Skuteczną techniką jest użycie tak zwanego „mostu dźwiękowego”. Robisz to, uruchamiając dźwięk nowej sceny w ciągu ostatniej sekundy wideo z bieżącej sceny. Publiczność słyszy dźwięk, który wydaje się nie pasować do obecnego obrazu, co wzbudza jego ciekawość. Ta ciekawość zostaje zaspokojona, gdy pojawia się nowy obraz, rozwiązujący nieoczekiwany dźwięk. W ten sposób dźwięk pokonuje odległość między dwiema scenami.
Nie musisz wydawać dużo pieniędzy, aby tworzyć skuteczne przejścia w swoich filmach. Korzystając z technik, które tutaj przedstawiliśmy, możesz płynnie przenosić swoją historię w czasie i przestrzeni, nawet jeśli nie masz dostępu do przełącznika. A jeśli masz dostęp? Cóż, zwrócenie uwagi na te wskazówki sprawi, że efekty optyczne będą jeszcze lepsze.