Kontrolowanie perspektywy odbiorców może być trudne podczas pracy z ograniczonym budżetem. Kiedy kręcisz scenariusz lub projekt w stylu dokumentalnym, nie zawsze możesz mieć taką kontrolę nad rzeczami, które wpływają na ton twoich ujęć, takimi jak oświetlenie, lokalizacje i projekt produkcji. Możesz mieć niewiele pieniędzy na kostiumy i rekwizyty lub nie masz ich wcale, możesz być ograniczony do miejsca, w którym znajdują się tematy Twojego filmu dokumentalnego, lub możesz po prostu mieć ledwie wystarczającą ilość sprzętu oświetleniowego, aby uzyskać odpowiednio naświetlone ujęcie. Kontrolując perspektywę aparatu, możesz stymulować reakcję widzów na obrazy wykorzystujące techniki, które można osiągnąć przy prawie każdym budżecie.
Subtelne tradycje języka wizualnego
Podobnie jak malarze często wolą określony rodzaj kompozycji, aby przekazać określone emocje, operatorzy przez lata wypracowali złożony język wizualny do opowiadania historii. Język ten opowiedziany jest za pomocą koloru, kontrastu, punktu widzenia, skupienia i ruchu. Choć na pierwszy rzut oka może się wydawać, że filmy fabularne mają jednolity wygląd, po dokładnym przyjrzeniu się zauważysz, że współczesne horrory kinowe bardzo różnią się od komedii romantycznych (chyba że oglądasz film taki jak „Ciepłe ciała ”, który krzyżuje oba gatunki.)
Style, które składają się na ten wizualny system opowiadania historii, nie zostały uformowane w arbitralny sposób. Są wynikiem uczenia się, jak ludzie reagują na obrazy. Wielu wybitnych autorów zdjęć przestudiowało dzieła mistrzów malarstwa i artystów z wielowiekowych tradycji i włączyło te techniki do swoich zdjęć. Nie oznacza to, że język wizualnego opowiadania historii nie ewoluował. Jeśli obejrzysz sceny z kilku thrillerów z lat 40. i kilku z ostatnich kilku lat, zobaczysz, że mają pewne podobieństwa; jednak wiele rzeczy zmieniło się w sposobie, w jaki gatunek jest obecnie powszechnie kręcony.
Widzowie zaznajomili się z powszechnymi technikami stosowanymi przez operatorów filmowych podczas kręcenia niektórych rodzajów historii. Jeśli potrafisz wprowadzić niektóre z tych technik do swoich produkcji, możesz łatwiej i skuteczniej przyciągnąć publiczność do swojej historii.
Znajdowanie swojej historii
Rodzaj historii, którą zamierzasz opowiedzieć, wpływa na sposób, w jaki ją nakręcisz. Na początek musisz dowiedzieć się, jaki rodzaj historii opowiadasz. Powszechny styl kręcenia filmu akcji o sztukach walki znacznie różni się od stylu dramatu historycznego. Nawet jeśli kręcisz dokument, musisz pomyśleć o tym, o czym będzie ta historia. Zarówno „Enron:najmądrzejsi goście w pokoju ” i „Szalona gorąca sala balowa ” zostały nakręcone bardzo skutecznie, ale bardzo inaczej.
Pomyśl i oglądaj historie podobne do twoich. Nawet jeśli masz historię, która nie pasuje do jednego gatunku, oglądaj historie, które mają elementy podobne do twoich. Jeśli więc masz film z mieczem, sandałem i zombie, którego akcja toczy się w Imperium Rzymskim, obejrzyj takie rzeczy jak „Spartakus ” i „Świt umarłych ”, a następnie znajdź części swojej historii, które czynią ją wyjątkową. Zaznacz je za pomocą aparatu.
Nauka manipulowania i kontrolowania perspektywy kamery w celu ulepszenia opowiadania sprawi, że publiczność będzie zaangażowana.
Dąż do konsekwentnego wykonywania techniki nad oryginalnością. Westerny wciąż znajdują publiczność i nie oglądają ich, aby zobaczyć coś nowego. Przekonasz się, że gdy nauczysz się i opanujesz techniczne umiejętności kontrolowania ujęć, Twój własny punkt widzenia i poczucie historii sprawią, że od czasu do czasu zrobisz małą przerwę od tradycji wizualnej. Często te subtelne różnice mogą mieć największy wpływ na własny styl wizualny.
Elementy perspektywy kamery
To, co widzi Twoja kamera, widzi Twoja publiczność. Aby wykorzystać perspektywę kamery do wspierania swojej historii, musisz nauczyć się manipulować różnymi elementami perspektywy kamery. Te elementy to:liczba klatek na sekundę, proporcje, pole widzenia, ostrość, głębia ostrości, punkt widzenia, kąty, kadrowanie, ruch i prędkość.
Szybkość klatek i proporcje
Niestety, w wielu produkcjach decyzje o wyborze proporcji lub liczby klatek na sekundę nie są kreatywne, ale opierają się na ostatecznej dystrybucji projektu lub ograniczeniach technicznych używanego sprzętu. Nawet w Internecie maksymalna liczba klatek na sekundę obsługiwana przez wiele hostów wideo wynosi 30 klatek na sekundę. 
Najbardziej przystępne cenowo aparaty rejestrują tylko 24, 25 lub 30 kl./s.
Współczynnik proporcji dla większości nowoczesnych urządzeń wideo wynosi 1,78:1 (16X9), chociaż niektóre aparaty obsługują standard filmowy 1,85:1 (Akademia), ale szersze formaty, takie jak 2,35:1 (zakres), które są popularne w przypadku dużych filmów epickich, nie są obsługiwane poza wysokiej klasy kamerami kinowymi bez utraty rozdzielczości z powodu przycinania lub rozciągania węższego obrazu.
Pole widzenia
Wszystko, co mieści się w kadrze obrazu rejestrowanego przez kamerę, jest jego polem widzenia. Pole widzenia kamery zależy od dwóch czynników:odległości kamery od obiektu i ogniskowej obiektywu. Korzystanie z obiektywu o krótkiej ogniskowej zapewnia szerokie pole widzenia, co pozwala uchwycić wiele tła obiektu. Obiektywy z szerokimi polami widzenia zmniejszają również postrzeganie drgań aparatu, co czyni je popularnym wyborem do ujęć akcji z ręki. Obiektyw o długiej ogniskowej zapewnia wąskie pole widzenia, co pozwala na wykonywanie zbliżeń, gdy aparat znajduje się dalej od obiektu. Soczewki z wąskimi polami widzenia służą również do zmniejszenia głębi ostrości i wyróżnienia obiektu z tła.
W produkcji są różne rodzaje popularnych ujęć, których nazwy opisują ich pole widzenia w odniesieniu do tematu. Te ujęcia obejmują:bardzo szerokie, szerokie, średnie, zbliżenia i dodatkowe zbliżenia. Niektóre szerokie ujęcia są określane jako ujęcia ustalające, ponieważ obejmują obszar wokół obiektu (obiektów) i dają poczucie umiejscowienia w otoczeniu. Bez tworzenia ujęć publiczność może poczuć się tak, jakby nie wiedziała, gdzie dzieje się historia. Często zdarza się, że przechodzi się w tę i z powrotem ze średniego ujęcia, w którym obiekt jest kadrowany mniej więcej od talii do czubka głowy, do zbliżenia, w którym obiekt jest kadrowany z grubsza od górnej części klatki piersiowej do czubka głowy , ale pole widzenia na tych różnych ujęciach powinno pozostać takie samo.
Spójność pola widzenia w różnych typach ujęć, które robisz, może być bardzo ważna dla utrzymania nastroju i tonu Twojej historii. Jeśli kadrujesz swoje obiekty ze wszystkimi zbliżeniami i wszystkimi średnimi ujęciami z tym samym polem widzenia, pomaga to wprowadzić poczucie stabilności nastroju sceny; następnie, jeśli nastąpi dramatyczna zmiana w historii, możesz odejść od tego schematu strzelania, aby wzmocnić dramatyczną zmianę. I odwrotnie, jeśli ton opowieści jest wyrównany, a pole widzenia tego samego typu ujęć stale się zmienia, może to odciągnąć widzów od historii. Ten rodzaj niespójności pola widzenia jest często wskazywany jako przejaw niskiej jakości lub „B grade” produkcji.
Skupienie i głębia ostrości
Najczęściej chcesz, aby obiekt ujęcia był wyostrzony, ale możesz chcieć, aby były nieostre lub nieostre, aby pomóc w ich dezorientacji, kontuzji lub innym typie traumy. Korzystanie z ostrości na zdjęciach w celu podkreślenia określonych obszarów kadru można kontrolować, zmieniając głębię ostrości. Ujęcie z dużą głębią ostrości ma ostre obiekty na pierwszym planie, w środku i w tle. Ujęcie z małą głębią ostrości skupia się tylko na środku tła; jeśli twój obiekt jest jedyną rzeczą w środku tego typu ujęć, naprawdę będą się wyróżniać. Ludzkie oko jest naturalnie przyciągane do rzeczy, które są wyostrzone, więc ujęcia z postaciami w małej głębi ostrości stały się bardzo popularne we współczesnych dramatach i komediach romantycznych. Płytka głębia ostrości może być również wykorzystana do ukrycia obiektów w tle, które nie będą wyglądały atrakcyjnie w ostrości. W filmach akcji bohater jest prawie zawsze przedstawiany wizualnie jako panujący nad swoim otoczeniem, więc zazwyczaj używa się tylko ujęć o średniej i dużej głębi ostrości.
Punkt widzenia
Punkt widzenia ma miejsce wtedy, gdy aparat rejestruje scenę (lub pojedyncze ujęcie), tak jakbyśmy widzieli ją z perspektywy obiektu. Tym tematem może być osoba, zwierzę, a nawet spinacz do papieru. Często punkt widzenia kamery może wpływać na to, jak ludzie interpretują scenę. Ujęcia z głównych POV istnieją od czasów kina niemego. 
Te ujęcia przenoszą Cię w perspektywę lub oczy głównego bohatera. Od czasu filmu Projekt Blair Witch , filmowcy wykorzystali nawet ujęcia Lead POV jako jedyny punkt widzenia kamery. Kamery bezpieczeństwa są drugim najczęściej używanym punktem widzenia w filmach fabularnych; jednak najfajniejszy i najmniej używany jest punkt widzenia maski lub zderzaka samochodu. Używany szeroko w latach 70., od tego czasu stał się podstawą scen pościgów samochodowych.
Kąty
Kąty mogą podświadomie przekazywać informacje o postaciach. Na przykład, gdy triumfujący bohater podchodzi, aby uratować sytuację, jeśli użyje się niskiego kąta, sugeruje to, że postać jest szlachetna, odważna i potężna. Niskie kąty często dają obiektom przytłaczające wrażenie, czyniąc je większymi niż życie lub groźnymi. Wysokie kąty często sprawiają, że ludzie wydają się mali, słabi lub nieistotni, więc jeśli nasz bohater został postrzelony z góry, moglibyśmy pomyśleć, że się boi, spanikuje lub jest niezdolny.
Kąty na poziomie oczu lub kąty standardowe zapewniają bardziej neutralne interpretacje i często wydają się bardziej osobiste. Większość komedii romantycznych jest kręconych pod tym kątem. Niskie kąty, które nie są równe, są znane jako kąty holenderskie. Holenderskie ujęcia są powszechnie używane w thrillerach i horrorach, aby ukazać niebezpieczeństwo, ponieważ mają tendencję do wzbudzania w widzach uczucia niepokoju.
Kadrowanie
Coś tak pozornie prostego, jak położenie obiektu w kadrze i miejsce, w którym patrzy, może mieć duży wpływ na twoją produkcję. W wiadomościach telewizyjnych i reklamach obiekt często znajduje się w centrum kadru i patrzy bezpośrednio w obiektyw aparatu. Na filmie obiekty są zwykle poza centrum i rzadko, jeśli w ogóle, patrzą prosto w kamerę. Ten rodzaj kadrowania opiera się na zasadzie trójpodziału, która dzieli ekran na dziewięć części z trzema poziomymi płaszczyznami i trzema pionowymi. W filmie postacie przesuwane są albo na prawą, albo na lewą stronę ekranu, czyli na pionowe płaszczyzny jeden i trzy. Kiedy ludzie są ujęci w kadrze pośrodku, w drugiej płaszczyźnie pionowej, służy to do rozbicia czwartej ściany lub sprawienia, by widzowie poczuli się nieswojo w zależności od kontekstu. Czasami w filmie można nawet zobaczyć sytuacje, w których aktorzy są prawie poza kadrem lub tylko ich cienie są w kadrze, aby zasugerować ukryte działania lub wycofanie się ze sceny lub sytuacji.
Ruch
Sposób, w jaki poruszasz kamerą, musi również pasować do Twojej historii. Jeśli kręcisz film, którego akcja toczy się na francuskim dworze królewskim w XVIII wieku, wiele skomplikowanych ruchów wózków i dźwigów może działać dobrze. Podobnie, jeśli opowiadasz ostry dramat w śródmieściu, lekko drżący materiał z ręki może zostać dobrze przyjęty przez publiczność. Jeśli zamienisz te dwa style, publiczność może nie akceptować historii opowiadanych w wizualnie, nieznany sposób.
Istnieje wiele różnych terminów określających ruch kamery i często są one związane z różnymi rodzajami obsługi kamery.
Ruch dla statywów to pan (przekręć głowicę statywu w lewo lub w prawo) i tilt (przechylaj głowicę statywu w górę lub w dół). Ponieważ osoba trzymająca aparat z ręki może naśladować ruchy statywu, te same terminy są używane w przypadku ujęć z ręki.
Ruch wózka lub suwaka to dolly (zbliża się do obiektu), dolly out (oddala się od obiektu), ciężarówka (przesuwa aparat w lewo lub w prawo), ujęcie śledzące (aparat porusza się wraz z ruchem obiektu, zachowując jednocześnie tego samego rozmiaru pola widzenia. Można to również zrobić z ręki.)
Ruch żurawia lub wysięgnika to wysięgnik w górę lub w dół (przechyla ramię w górę lub w dół). Żurawie i wysięgniki są czasami nazywane wysięgnikami.
Ruch obiektywu zmiennoogniskowego to przybliżenie (wydłużenie ogniskowej) lub oddalenie (skrócenie ogniskowej). Podczas gdy powiększanie lub pomniejszanie ma podobny efekt jak dolly lub pomniejszenie, głębia ostrości ujęcia zmienia się wraz z powiększeniem; dodatkowo większość obiektywów zmiennoogniskowych zniekształca obraz podczas powiększania, co również zmienia wygląd ujęcia. Powiększenie lub najazd na twarz osoby może sprawić, że jej wyraz twarzy będzie bardziej zauważalny.
Szybkość
Efekty takie jak zwolnione tempo lub upływ czasu wpływają na sposób postrzegania wydarzeń przez publiczność. Zwolnione tempo powstałe w wyniku filmowania z dużą liczbą klatek na sekundę i odtwarzania z normalną szybkością można wykorzystać do uzyskania wielu różnych reakcji i jest obecnie najczęściej widywane w filmach akcji, aby podkreślić spektakularną akcję bohatera, na przykład spartańczyka, który dramatycznie skacze powietrze, gdy ma zamiar powalić wroga. Upływ czasu jest tworzony przez robienie zdjęć lub nagrań wideo przez długi czas i kompresowanie ich do krótkiego okresu czasu. Może to sprawić, że ludzie poczują się tak, jakby czas płynął lub może sygnalizować dramatyczne przejście. Typowym przykładem jest obserwowanie, jak szybko mijają fazy księżyca, co sugeruje, że w historii minął miesiąc.
Wniosek
Jednym z najlepszych sposobów na nauczenie się kontrolowania perspektywy widzów za pomocą kamery jest przestudiowanie innych wizualizacji wspaniałych historii, które są podobne do Twojej i zobaczenie, jak operator to osiągnął. Większość gatunków filmowych ma filmy, które zrewolucjonizowały sposób kręcenia tego typu filmów, takie jak „Trener sceniczny ” dla westernów, „Blade Runner ” dla science fiction i „Szklana pułapka ” dla filmów akcji. Studiowanie tego typu filmów, aby pomóc ci zrozumieć, jakie wybory ujęć zostały wykorzystane do stworzenia tych historii, pomoże ci podjąć podobne decyzje w twoich projektach. Oczywiście nic nie zastąpi praktycznego doświadczenia, więc upewnij się, że przećwiczysz to, co obejrzałeś.
Pasek boczny
Wymuszona perspektywa i efekty wizualne głębi ostrości
Wymuszona perspektywa to iluzja, że dwa obiekty mają tę samą skalę i istnieją na tej samej płaszczyźnie głębi. Przed CGI modelarze tworzyli skomplikowane zestawy z otworami lub „okienkami”. Ustawiając ten zestaw bardzo blisko kamery, wystawiali aktorów daleko w tle. Dało to złudzenie, że aktorzy rzeczywiście byli w tym modelu, a model był prawdziwy. Innym zastosowaniem wymuszonej perspektywy było powiększanie lub zmniejszanie obiektów. Podstawa filmów sci-fi sprzed CGI, efekt ten został osiągnięty przez umieszczenie aktora (lub obiektu) blisko kamery, aby wyglądały na większe niż życie i umieszczenie obiektu (lub aktora) daleko w tle, aby wyglądały mały w porównaniu do obiektu na pierwszym planie.
Wymuszona perspektywa z głębią ostrości może być również używana do efektów wizualnych w aparacie. W najpopularniejszej aplikacji kamera całkowicie przybliża i skraca głębię ostrości. Następnie aktorzy, którzy biegają, prowadzą lub stoją nieruchomo, reagują na szereg wskazówek, takich jak pirotechnika. W kamerze aktorzy pojawiają się w samym środku eksplozji lub katastrofy, podczas gdy w rzeczywistości mogą znajdować się w odległości kilkuset metrów. Ze względu na perspektywę kamery i skróconą głębię ostrości widzowie doświadczają złudzenia, że to wszystko dzieje się na tej samej płaszczyźnie istnienia.
Wraz z postępem w CGI i ciągłą obecnością 3D, wymuszona perspektywa i techniki głębi ostrości są obecnie praktycznymi efektami używanymi głównie przez niskobudżetowych filmowców; jednak dyrektorzy o dużych budżetach, tacy jak Peter Jackson i Christopher Nolan, nadal ich używają.
Odin Lindblom to wielokrotnie nagradzany montażysta i operator, którego praca obejmuje filmy, reklamy i filmy korporacyjne.