Krok 1:Burza mózgów i rozwój koncepcji (fundament)
* Zdefiniuj swoją wizję: Zanim jeszcze odbierzesz aparat, zadaj sobie pytanie:
* Jaką historię chcę opowiedzieć? Jakie emocje chcę wywołać? Czy chcę przedstawić siłę, podatność, radość, tajemnicę itp.?
* Kto jest moim przedmiotem? Rozważ ich osobowość, zainteresowania i to, co czyni je wyjątkowymi. Użyj tego jako inspiracji.
* Jaki jest ogólny nastrój? Czy jest mroczny i dramatyczny, jasny i przestronny, zabawny i energiczny, czy coś innego?
* jakie jest ustawienie? Czy portret zostanie zabrany w określonym miejscu o znaczeniu, czy jest to miejsce, które zwiększa ogólną estetykę?
* Zbierz inspirację:
* Spójrz na pracę innych fotografów. Nie kopiuj, ale analizuj, jakie elementy rezonują z tobą. Zwróć uwagę na oświetlenie, kompozycję, pozowanie i przetwarzanie.
* Przeglądaj inne formy sztuki: Obrazy, filmy, muzyka i literatura mogą pobrać pomysły.
* Utwórz tablicę nastroju: Zbierz obrazy (zdjęcia, tekstury, kolory, obiekty), które reprezentują nastrój i styl, do którego dążisz. Pomaga to wizualizować twoją koncepcję. Pinterest jest do tego świetny.
* konceptualizuj swój pomysł:
* Opracuj konkretną koncepcję. Na przykład:„Portret muzyka otoczony instrumentami, wykorzystując dramatyczne oświetlenie, aby podkreślić swoją pasję”. Lub „Portret tancerza w polu, używając naturalnego światła, aby przekazać poczucie wolności i ruchu”.
* szkic pomysły: Narysuj szorstkie szkice pozę, kompozycji i oświetlenia, które przewidujesz. Nawet proste szkice mogą pomóc Ci zaplanować.
* Zaplanuj swoją garderobę, rekwizyty i lokalizację. Wszystkie te elementy powinny przyczynić się do ogólnej koncepcji.
Krok 2:Planowanie i przygotowanie (ustawienie etapu)
* Scouting Lokalizacja:
* Odwiedź potencjalne lokalizacje. Rozważ światło o różnych porach dnia. Poszukaj interesujących tła, tekstur i kolorów.
* W razie potrzeby uzyskaj zezwolenia. Zwłaszcza w przypadku pędów komercyjnych lub na własności prywatnej.
* Wardrobe &Styling:
* Wybierz odzież, która uzupełnia temat i koncepcję. Rozważ kolory, tekstury i wzory. Unikaj zajętych wzorów, które odwracają uwagę od twarzy.
* Pomyśl o włosach i makijażu. Naturalne czy dramatyczne? Proste czy skomplikowane? W razie potrzeby rozważ zatrudnienie stylisty. Nawet minimalny makijaż może pomóc w wyrównaniu odcienia skóry na zdjęciach.
* rekwizyty:
* Wybierz rekwizyty, które są znaczące i dodają do historii. Unikaj rekwizytów rozpraszających lub nieistotnych.
* Rozważ rozmiar i umieszczenie rekwizytów. Powinny ulepszyć kompozycję, a nie zaśmiecać go.
* Model Communication:
* wyraźnie przekazuj swoją wizję z modelem. Podziel się swoją planszą i szkicami.
* Omów pozy, ekspresję i ogólny nastrój, którego szukasz.
* Ustanowić wygodne i ufne relacje z modelem. Pomoże im to zrelaksować się i czuć się pewnie przed kamerą.
* Sprawdź bieg:
* Upewnij się, że aparat, soczewki i wyposażenie oświetleniowe są w dobrym stanie.
* ładuj akumulatory i formatowe karty pamięci.
* Przynieś dodatkowe baterie i karty pamięci. Nie chcesz wybiegać w środku sesji.
* Lista strzałów:
* Utwórz listę strzałów, aby pomóc Ci zachować zorganizowanie podczas sesji. Może to obejmować określone pozycje, kompozycje i konfiguracje oświetleniowe, które chcesz uchwycić.
Krok 3:Sesja (uchwycenie wizji)
* Ustawienia aparatu (dostosuj scenę):
* apertura: Kontroluje głębokość pola.
* szeroka apertura (np. f/1.8, f/2.8): Tworzy płytką głębokość pola, rozmywając tło i izolując podmiot. Idealne do portretów z miękkim, marzycielskim wyglądem.
* wąska apertura (np. f/8, f/11): Tworzy głęboką głębokość pola, utrzymując zarówno podmiot, jak i tło. Dobry do portretów środowiskowych, w których chcesz pokazać ten temat w kontekście.
* Sprawa migawki: Kontroluje rozmycie ruchu i ile światła wchodzi do aparatu.
* Szybka czas otwarcia migawki (np. 1/200 lub szybciej): Zamraża ruch. Niezbędne do przechwytywania ujęć akcji lub podczas strzelania w jasnym świetle.
* Powolny czas otwarcia migawki (np. 1/60 lub wolniej): Może stworzyć rozmycie ruchu. Użyj statywu, aby uniknąć wstrząsu.
* ISO: Kontroluje wrażliwość kamery na światło.
* Low ISO (np. 100, 200): Produkuje najczystsze obrazy o najmniejszej ilości szumu. Idealny do strzelania w jasnym świetle.
* wysokie ISO (np. 800, 1600 lub wyżej): Pozwala strzelać w słabym świetle, ale możesz wprowadzać hałas lub ziarno. Używaj ostrożnie.
* Tryb fotografowania:
* priorytet apertury (av lub a): Ustawiasz przysłanę, a aparat automatycznie wybiera czas otwarcia migawki. Idealny do kontrolowania głębokości pola.
* Manual (M): Kontrolujesz zarówno przysłonę, jak i czas otwarcia migawki. Daje najwięcej kontroli nad obrazem.
* Priorytet migawki (TV lub S): Ustawiasz czas otwarcia migawki, a aparat automatycznie wybiera otwór. Świetne do zamarzania ruchu.
* Kompozycja:
* Zasada trzeciego: Podziel ramkę na dziewięć równych części z dwoma poziomymi i dwoma pionowymi liniami. Umieść kluczowe elementy obrazu wzdłuż tych linii lub na ich skrzyżowaniach.
* wiodące linie: Użyj linii na scenie, aby przyciągnąć oko widza w stronę tematu.
* kadrowanie: Użyj elementów na pierwszym planie (np. Drzewa, łuki), aby oprawić temat.
* przestrzeń ujemna: Pozostaw pustą przestrzeń wokół tematu, aby stworzyć poczucie równowagi i zwrócić na nie uwagę.
* Symetria i wzory: Może tworzyć atrakcyjne wizualnie i zrównoważone kompozycje.
* pozowanie:
* Zacznij od podstawowych pozycji i stopniowo je dostosowuj.
* Zwróć uwagę na postawę podmiotu. Zachęć ich do stania wysokiego i zrelaksowanego.
* Rozważ kąt ciała i kończyn. Unikaj sztywnych, prostych linii.
* Eksperymentuj z różnymi pozycjami dłoni. Unikaj sztywnego utrzymywania ramion po bokach.
* skup się na oczach. Powinny być ostre i wyraziste.
* Podaj jasne i zwięzłe instrukcje. Bądź cierpliwy i zachęcający.
* oświetlenie:
* naturalne światło:
* złota godzina: Godzina po wschodzie słońca i godzinę przed zachodem słońca zapewnia ciepłe, miękkie światło.
* Otwórz odcień: Zapewnia równe, rozproszone światło. Unikaj bezpośredniego światła słonecznego, które może tworzyć ostre cienie.
* sztuczne światło (w razie potrzeby):
* strobe/flash: Zapewnia potężny wybuch światła. Użyj dyfuzorów, aby zmiękczyć światło.
* ciągłe światło: Zapewnia ciągłe oświetlenie. Może być łatwiejsza w pracy niż oświetlenie stroboskopowe.
* Techniki oświetlenia:
* światło kluczowe: Główne źródło światła, które oświetla temat.
* wypełnij światło: Służy do zmiękczenia cieni stworzonych przez światło kluczowe.
* podświetlenie: Służy do oddzielenia obiektu od tła.
* Kierowanie modelu:
* Zapewnij stałe informacje zwrotne. Powiedz im, co lubisz i co chcesz, aby się zmienili.
* Zachęcaj ich do relaksu i zabawy.
* Bądź cierpliwy i wyrozumiały.
* Uchwyć różnorodne wyrażenia i pozy.
* eksperyment!
* Nie bój się wypróbować nowych rzeczy i przełamać zasady.
* Zmień swoją perspektywę.
* Użyj różnych soczewek.
* Graj różnymi technikami oświetlenia.
Krok 4:Processing (Rafining the Vision)
* oprogramowanie:
* Adobe Lightroom: Doskonały do organizowania, edycji i zarządzania zdjęciami.
* Adobe Photoshop: Potężny dla bardziej zaawansowanej edycji i retuszu.
* przechwytywaj jeden: Kolejne popularne profesjonalne oprogramowanie do edycji.
* Podstawowe korekty:
* Ekspozycja: Dostosuj ogólną jasność obrazu.
* kontrast: Dostosuj różnicę między wyświetleniami i cieniami.
* Podprawy: Dostosuj jasność najjaśniejszych obszarów obrazu.
* Shadows: Dostosuj jasność najciemniejszych obszarów obrazu.
* białe: Dostosuj biały punkt obrazu.
* czarne: Dostosuj czarny punkt obrazu.
* Clarity: Dodaje definicję i ostrość obrazu. Używaj oszczędnie.
* vibrance: Dostosowuje nasycenie mniej nasyconych kolorów.
* Nasycenie: Dostosowuje ogólną intensywność kolorów.
* Korekta kolorów:
* Bilans biały: Popraw temperaturę kolorów obrazu.
* odcień, nasycenie, luminancja (HSL): Dostosuj poszczególne kolory na obrazie.
* Gradowanie kolorów: Dodaj do obrazu określony kolor kolorów lub nastrój.
* retuszowanie (w razie potrzeby):
* Wygładzanie skóry: Zmniejsz skazy i niedoskonałości. Używaj oszczędnie, aby uniknąć, aby skóra wyglądała nienaturalnie.
* Dodge and Burn: Rozjaśnij lub ciemnienie określone obszary obrazu w celu zwiększenia kontrastu i kształtu.
* Ulepszenie oka: Wyostrz oczy i dodaj odrobinę jasności.
* wyostrzenie:
* wyostrz obraz, aby ulepszyć szczegóły. Unikaj nadmiernego wybuchu, co może tworzyć niechciane artefakty.
* Cropping:
* Przygotuj obraz, aby poprawić skład.
* Kreatywne efekty:
* Filtry i ustawienia wstępne: Może być używany do szybkiego dodawania określonego stylu do obrazu. Używaj oszczędnie.
* ziarno: Dodaj odrobinę tekstury podobnej do obrazu.
* Vignetting: Zaciemnij krawędzie obrazu, aby zwrócić uwagę na centrum.
* Zapis:
* Zapisz wersję obrazu o wysokiej rozdzielczości do drukowania. (np. TIFF lub wysokiej jakości JPEG).
* Zapisz wersję obrazu o niskiej rozdzielczości do użytku internetowego. (np. JPEG z kompresją).
Kluczowe wskazówki dotyczące kreatywnych portretów:
* Rozwijaj swój styl: Eksperymentuj, aby znaleźć to, co działa dla Ciebie i rozwinąć spójną estetykę.
* Opowiedz historię: Każdy kreatywny portret powinien mieć cel lub przesłanie.
* Master Lighting: Dobre oświetlenie jest niezbędne do tworzenia wpływowych portretów. Ćwicz światło naturalne i sztuczne.
* Bądź cierpliwy: Kreatywna fotografia portretowa wymaga czasu i wysiłku. Nie zniechęcaj się, jeśli twoje pierwsze próby nie są idealne.
* Ćwicz regularnie: Im więcej ćwiczysz, tym lepiej się staniesz.
* Uzyskaj informacje zwrotne: Podziel się swoją pracą z innymi fotografami i poproś o konstruktywną krytykę.
* Nie bój się porażki: Eksperymenty są kluczem do kreatywności i nie każdy eksperyment odniesie sukces. Ucz się na swoich błędach i naciskaj się.
* baw się dobrze! Ciesz się procesem tworzenia pięknych i znaczących portretów.
Przykłady twórczych technik portretowych:
* Podwójna ekspozycja: Połączenie dwóch obrazów w jeden.
* Długa ekspozycja: Używając powolnego czasu otwarcia migawki, aby uchwycić rozmycie ruchu.
* Lekkie malarstwo: Używanie źródła światła do malowania wzorów lub kształtów na scenie.
* abstrakcyjne portrety: Koncentrując się na kształtach, kolorach i teksturach, a nie realistycznym przedstawieniu tematu.
* surrealistyczne portrety: Tworzenie marzeń lub fantastycznych obrazów.
* Portrety środowiskowe: Umieszczenie tematu w określonym środowisku, które opowiada o nim historię.
* Portrety koncepcyjne: Używając symboliki i metafor do przekazania wiadomości lub pomysłu.
Podążając za tymi krokami i ciągle ucząc się i eksperymentując, będziesz na dobrej drodze do tworzenia oszałamiających i kreatywnych fotografii portretowej. Powodzenia i baw się dobrze strzelanie!