i. Planowanie i konceptualizacja przed shoot (fundament)
Jest to prawdopodobnie najważniejszy krok. Nie odbieraj aparatu i mam nadzieję na najlepsze. Pomyśl o tym, co chcesz osiągnąć.
1. Zdefiniuj swoją wizję/koncepcję:
* Jaka jest historia? Jaką wiadomość próbujesz przekazać? Czy chodzi o siłę, wrażliwość, radość, melancholię, tajemnicę, wzmocnienie itp.? Jasna koncepcja poprowadzi twoje decyzje.
* nastrój i atmosfera: Jak chcesz, aby portret się czuł? Marzycielski, nerwowy, intymny, filmowy, surrealistyczny? Rozważ przymiotniki takie jak:*eteryczny, szorstki, romantyczny, odważny, zabawny, ponury, dramatyczny *.
* Inspiracja: Spójrz na innych fotografów, malarzy, filmów, czasopism mody, natury itp. Nie kopiuj, ale używaj go jako odskoczni do własnych pomysłów. Utwórz tablicę nastroju na Pinterest, zapisz obrazy w folderze lub szkic.
2. Wybór modelu i współpraca:
* dopasuj koncepcję: Wybierz model, którego wygląd i osobowość są zgodne z twoją wizją. Model, który wygląda delikatnie i eterycznie, nie byłby idealny na szorstką, przemysłową sesję.
* Przekaż swoją wizję: Wyjaśnij swoją koncepcję, tablicę nastroju i pożądane pozy dla twojego modelu * przed * sesją. Otwarta komunikacja jest kluczowa.
* Wydanie modelu: Zawsze masz podpisany formularz wydania modelu, zwłaszcza jeśli planujesz korzystać z zdjęć na rynku lub przesłać je do publikacji.
* Rozważ modele nieprofesjonalne: Nie ograniczaj się do profesjonalnych modeli. Czasami przyjaciel lub ktoś z unikalnym wyglądem może przynieść coś wyjątkowego na sesję zdjęciową.
* Współpracuj: Zdobądź ich wkład! Mogą mieć pomysły, które wzmacniają twoją wizję.
3. Zwiadowcze lokalizacji (lub planowanie studyjne):
* z góry: W przypadku strzelania na zewnątrz odwiedź lokalizację o tej chwili, którą planujesz strzelać, aby ocenić oświetlenie i potencjalne wyzwania. Rozważ tło, tekstury, kolory i dostępne światło.
* Rozważania wewnętrzne: W przypadku strzelania w studio upewnij się, że masz odpowiednią przestrzeń, tła, wyposażenie oświetleniowe i sklepy zasilające. Z góry zaplanuj konfigurację oświetlenia.
* Pomyśl o tle: Tło jest częścią historii. Czy będzie to zamazane, zajęta scena lub minimalistyczne tło? Zastanów się, w jaki sposób uzupełnia model i koncepcję.
4. garderoba, włosy i makijaż:
* Integral z koncepcją: Ubranie, fryzura i makijaż powinny współpracować, aby poprawić ogólny nastrój i historię.
* Plan z wyprzedzeniem: Zdecyduj się na garderobę na długo przed sesją. Koordynuj kolory, tekstury i style.
* Makeup Artist: Zastanów się nad zatrudnieniem profesjonalnego makijażu, jeśli wzywa to koncepcja. Nawet naturalny makijaż może mieć dużą różnicę.
* Stylista włosów: Podobnie jak makijaż, stylista włosów może ożywić twoją wizję.
* Zapewnij inspirację: Podziel się swoją tablicą nastroju z zespołami garderoby, włosów i makijażu.
5. Plan oświetlenia:
* naturalne światło vs. sztuczne światło: Zdecyduj, jakiego rodzaju światła użyjesz. Naturalne światło jest piękne, ale mniej kontrolowane. Sztuczne światło oferuje większą kontrolę, ale wymaga sprzętu.
* światło klawiste, wypełnij światło, podświetlenie: Zrozum podstawowe zasady oświetlenia. Gdzie zostanie ustawione światło kluczowe? Czy użyjesz lampki wypełnienia, aby zmiękczyć cienie? Czy użyjesz podświetlenia, aby oddzielić model od tła?
* Modyfikatory: Eksperymentuj z modyfikatorami takimi jak softboxy, parasole, odblaski i żele do kształtowania i kontrolowania światła.
* kolor: Zastanów się, w jaki sposób temperatura kolorów (ciepła lub chłodna) wpłynie na nastrój obrazu.
* Ćwicz: Ćwicz konfigurację oświetlenia przed nadejściem modelu.
6. rekwizyty i akcesoria:
* Celowe dodatki: Nie dodawaj po prostu rekwizytów dla ich dodania. Powinny przyczynić się do historii lub zwiększyć zainteresowanie wizualne.
* symbolika: Rekwizyty mogą być używane do dodania symbolicznego znaczenia do portretu.
* Rozważ skalę: Pomyśl o wielkości i skali swoich rekwizytów w odniesieniu do modelu.
ii. Pęd (wdrażanie planu)
1. Ustawienia aparatu:
* apertura: Wybierz otwór na podstawie pożądanej głębokości pola. Szeroki otwór (np. F/1.8, f/2.8) stworzy płytką głębokość pola i zaciera tło. Mniejsza apertura (np. F/8, f/11) stworzy większą głębokość pola i utrzyma więcej sceny.
* Sprawa migawki: Wybierz czas otwarcia migawki, który jest wystarczająco szybki, aby uniknąć rozmycia ruchu. Dobrym punktem wyjścia jest 1/ogniskowa (np. Jeśli używasz obiektywu 50 mm, spróbuj 1/50 sekundy). Dostosuj w razie potrzeby.
* ISO: Utrzymuj swoje ISO tak niskie, jak to możliwe, aby zminimalizować hałas. Zwiększ go tylko wtedy, gdy potrzebujesz, aby osiągnąć odpowiednią ekspozycję.
* RAW Format: Strzelaj w surowym formacie, aby zachować jak najwięcej danych obrazu do przetwarzania po przetwarzaniu.
* Bilans biały: Ustaw swoją białą równowagę na podstawie warunków oświetlenia. Jeśli to możliwe, użyj niestandardowego salda białego.
2. Kompozycja i pozowanie:
* Zasada trzeciego: Umieść podmiot wzdłuż linii lub na skrzyżowaniach reguły siatki trzeciej, aby uzyskać bardziej atrakcyjny wizualnie kompozycję.
* wiodące linie: Użyj linii, aby poprowadzić oko widza do tematu.
* przestrzeń ujemna: Użyj negatywnej przestrzeni, aby stworzyć poczucie równowagi i podkreślić temat.
* kąty: Eksperymentuj z różnymi kątami. Strzelanie z niskiego kąta może sprawić, że obiekt wydaje się potężny, podczas gdy strzelanie z wysokiego kąta może sprawić, że wydają się wrażliwe.
* Wytyczne: Nie mów tylko modelu, aby „tam stać”. Podaj szczegółowe instrukcje, jak pozować. Pomyśl o liniach ciała i o tym, jak tworzą kształty. Użyj rąk, aby zademonstrować pozę.
* komunikacja jest kluczowa: Podaj stałą informację zwrotną do modelu. Powiedz im, co lubisz i co chcesz, aby się zmieniły. Zachęcaj ich do wypróbowania różnych wyrażeń i pozycji.
* Połączenie: Zachęcaj model do połączenia z kamerą. Kontakt wzrokowy jest potężny.
* Break the Rules: Kiedy zrozumiesz zasady kompozycji, nie bój się ich złamać. Czasami najciekawsze obrazy to te, które przeciwstawiają się konwencji.
3. Rozważania techniczne:
* Focus: Upewnij się, że skupiasz się na oczach. Użyj jednopunktowego trybu autofokusu do precyzyjnej kontroli.
* Ekspozycja: Użyj histogramu aparatu, aby upewnić się, że Twoja ekspozycja jest prawidłowa. Unikaj przycinania wyświetleń lub cieni.
* oświetlenie: Zwróć uwagę na oświetlenie i to, jak wpływa na nastrój obrazu. W razie potrzeby dostosuj swoje oświetlenie.
4. Eksperymentacja:
* Nie bój się wypróbować nowych rzeczy: Eksperymentuj z różnymi kątami, pozami, technikami oświetleniowymi i ustawieniami aparatu.
* Podejmij ryzyko: Nie bój się podejmować ryzyka. Niektóre z najlepszych zdjęć pochodzą z ryzykowania.
* baw się dobrze! Jeśli nie dobrze się bawisz, pokaże to w twojej pracy.
iii. Techniki kreatywne i pomysły (dodanie „kreatywnego”)
To tutaj wstrzykiwasz swoją osobowość i wizję.
1. Techniki oświetlenia:
* oświetlenie obręczy: Tworzy efekt halo wokół tematu.
* twarde oświetlenie: Tworzy dramatyczne cienie.
* miękkie oświetlenie: Tworzy pochlebny, a nawet światło.
* Kolorowe żele: Dodaj kolor do światła, aby uzyskać surrealistyczny lub dramatyczny efekt.
* Lekkie malarstwo: Użyj źródła światła, aby „pomalować” na ten temat podczas długiej ekspozycji.
* bokeh: Utwórz rozmyte tło za pomocą szerokiej przysłony.
* Silhouette: Odsłondź tło i pozwól obiektowi być sylwetki.
* Prognozowane światło: Wzorce projektu lub obrazy na temat za pomocą projektora.
* Kreatywnie za pomocą cieni: Pomyśl o kształcie i fakturze cieni.
2. Unikalny skład:
* kadrowanie: Użyj elementów na pierwszym planie, aby obramować temat.
* Symetria: Utwórz kompozycję symetryczną.
* asymetria: Utwórz asymetryczną kompozycję.
* Zbliżenie: Skoncentruj się na konkretnym szczególe, takim jak oczy lub ręce.
* szerokie ujęcia: Uchwyć temat w większym środowisku.
* Niezwykłe perspektywy: Strzelaj pod bardzo wysokim lub bardzo niskim kątem.
* kąt holenderski: Przechyl aparat, aby stworzyć poczucie niepokoju lub dezorientacji.
3. Rekwizyty i opowiadanie:
* obiekty symboliczne: Użyj rekwizytów do reprezentowania abstrakcyjnych pojęć.
* Kontrastujące elementy: Zestaw kontrastowe elementy, aby stworzyć wizualne zainteresowanie.
* surrealizm: Włącz surrealistyczne elementy, aby stworzyć jakość podobną do snów.
* Niezwykłe tekstury: Włącz tekstury w tle lub na pierwszym planie.
* Włącz naturę: Używaj naturalnych elementów, takich jak kwiaty, liście lub woda.
4. Efekty w aparacie:
* Podwójna ekspozycja: Połącz dwa obrazy w jeden.
* Motion Blur: Użyj powolnego czasu otwarcia migawki, aby utworzyć rozmycie ruchu.
* Zoom Burst: Powiększ lub wychodząc podczas długiej ekspozycji.
* Flare soczewki: Celowo stwórz płomienie obiektywów.
* fotografia pryzmatyczna: Użyj pryzmatu, aby załamać światło i tworzyć interesujące efekty.
* Wazelina/filtr hacks: Stwórz marzycielski efekt, rozmazując wazelinę na krawędzi przezroczystego filtra (używaj oszczędnie i ostrożnie!).
5. Techniki przetwarzania końcowego (końcowy dotyk)
1. Oprogramowanie: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, Capture One to standardy branżowe. GIMP jest bezpłatną alternatywą typu open source.
2. Podstawowe korekty:
* Ekspozycja: Dostosuj ogólną jasność obrazu.
* kontrast: Dostosuj różnicę między wyświetleniami i cieniami.
* Podprawy/cienie: Odzyskaj szczegóły na wyświetleniach i cieniach.
* białe/czarne: Ustaw białe i czarne punkty.
* Clarity/Texture: Dodaj lub zmniejsz przejrzystość i teksturę.
* vibrance/nasycenie: Dostosuj intensywność kolorów.
* Bilans biały: Dostosuj równowagę białej.
3. Retrousing (użyj oszczędnie i etycznie):
* Wygładzanie skóry: Zmniejsz skazy i zmarszczki (ale nie przesadzaj!).
* Separacja częstotliwości: Retusz skórę podczas zachowania tekstury (technika zaawansowana).
* Dodge and Burn: Rozjaśnia się i ciemnienie określone obszary w celu zwiększenia kształtu i wymiaru.
* Ulepszenie oka: Wyostrz oczy i dodaj światło.
* wybielanie zębów: Wybiel zęby (subtelnie!).
4. Kreatywne efekty:
* Gradowanie kolorów: Dostosuj kolory, aby stworzyć określony nastrój lub styl. Użyj podziału toningu, aby dodać różne kolory do wyświetleń i cieni.
* selektywny kolor: Izolować i ulepszyć określone kolory.
* Czarno -biała konwersja: Konwertuj obraz na czarno -biały. Eksperymentuj z różnymi czarno -białymi ustawieniami wstępnymi.
* Dodawanie ziarna: Dodaj ziarno, aby stworzyć wygląd vintage lub filmowy.
* Vignetting: Dodaj winietę, aby zaciemnić krawędzie obrazu i zwróć uwagę na centrum.
* Dodawanie tekstur/nakładek: Nakładaj tekstury lub obrazy, aby stworzyć unikalny efekt.
* Manipulacja Photoshop: (Advanced) Użyj Photoshopa, aby tworzyć surrealistyczne lub fantasy portrety. Może to obejmować kompozycję wielu obrazów, dodawanie efektów specjalnych oraz manipulowanie kształtami i kolorami.
iv. Ćwicz i opinie
* Ćwicz, ćwicz, ćwicz: Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
* Szukaj informacji zwrotnej: Podziel się swoją pracą z innymi fotografami i poproś o konstruktywną krytykę. Bądź otwarty na informacje zwrotne i użyj ich, aby poprawić swoje umiejętności.
* Ucz się na swoich błędach: Przeanalizuj swoje obrazy i określ, co mógłbyś zrobić lepiej.
Kluczowe wyniki dla kreatywnych fotografii portretowej:
* koncepcja to król: Silna koncepcja jest podstawą kreatywnego portretu.
* Współpraca jest niezbędna: Ściśle współpracuj z modelem, stylistą i innymi członkami zespołu.
* Eksperyment i podejmij ryzyko: Nie bój się próbować nowych rzeczy i przekraczać swoje granice.
* Opowiedz historię: Użyj swoich portretów, aby opowiedzieć historię lub przekazać wiadomość.
* Opracuj swój własny styl: Znajdź swój unikalny głos i perspektywę.
* baw się dobrze! Ciesz się procesem i pozwól, aby kreatywność płynęła.
Podążając za tymi krokami i ciągle ćwicz i ucząc się, będziesz na dobrej drodze do tworzenia oszałamiających i kreatywnych fotografii portretowej. Powodzenia i baw się dobrze!