i. Zrozumienie celu leczenia teledysku
Przed zanurzeniem się w załamaniu pamiętaj, co ma zrobić teledysk:
* Komunikuj wizję reżysera: To propozycja reżysera, przedstawiająca ich twórczą interpretację piosenki.
* Sprzedaj koncepcję: Ma na celu przekonanie artysty i wytwórni do inwestowania w ich wizję.
* Zapewnij mapę drogową: Stanowi scenę planowania i wykonania, dając ramy dla wszystkich zaangażowanych.
ii. Wstępny przegląd:duży obraz
1. Dokładnie przeczytaj całe leczenie: Nie zacznij go rozbić, dopóki nie zrozumiesz pełnej narracji lub koncepcji. Przeczytaj to okładkę, robiąc notatki na temat początkowych wrażeń.
2. Zidentyfikuj podstawową koncepcję/motyw:
* Jaki jest główny pomysł, który dyrektor próbuje przekazać? Czy to historia narracyjna, wideo oparte na wydajności, abstrakcyjne wizualizacje czy kombinacja?
* W jaki sposób koncepcja odnosi się do tekstów piosenki i ogólnego znaczenia?
* Czy istnieje konkretna estetyka lub styl, do którego dąży reżyser (np. Stritowy realizm, surrealistyczna fantazja, retro, futurystyczna)?
3. Określ gatunek:
* Wpływa to na ogólny styl, techniki strzelania i docelowe odbiorców. Rozważ gatunki takie jak narracja, wydajność, konceptualne, eksperymentalne itp. Filmy często mieszają gatunki.
4. Zidentyfikuj ogólny nastrój i ton:
* Czy wideo ma być mroczne i nastrojowe, optymistyczne i energiczne, melancholijne i refleksyjne, czy coś innego?
* W jaki sposób dyrektor planuje osiągnąć ten nastrój poprzez wizualizacje, oświetlenie, paletę kolorów i edycję?
iii. Rozpad sceny:nurkowanie w szczegółach
Dla każdej sceny lub sekcji leczenia systematycznie analizuj następujące:
1. Numer sceny (jeśli dotyczy): Pomaga to w organizacji i odwołaniu się do określonych części leczenia.
2. Lokalizacja:
* Gdzie ma miejsce scena? Bądź konkretny (np. „Opuszczony magazyn”, „Plaża zalana na słońcu”, „Intimate Concert Stage”).
* Zwróć uwagę na wszelkie potencjalne wyzwania związane z lokalizacją (np. Zezwolenia, dostępność, warunki pogodowe).
* Czy istnieje wiele lokalizacji i jak odnoszą się do siebie?
3. Opis wizualny:
* Jaka jest scena * wyglądać *? Jest to często najbardziej szczegółowa część leczenia.
* Zwróć uwagę na opisy:
* ustawienie: Szczegóły dotyczące lokalizacji, rekwizytów, scenografii i ogólnej atmosfery.
* Postacie/talent: Ich wygląd, kostiumy, makijaż i wszelkie konkretne działania, które wykonują.
* oświetlenie: Jaki rodzaj oświetlenia jest używany (np. Naturalne światło, sztuczne światło, dramatyczne cienie) i jak przyczynia się do nastroju?
* Paleta kolorów: Czy istnieją określone kolory, które dominują w scenie i jaki efekt tworzą?
* Kompozycja: Jak ułożone są elementy w ramce? Czy są jakieś określone kąty lub ruchy aparatu?
4. Action/Performance:
* Co dzieje się na scenie? Opisz działania talentu, wszelkie efekty specjalne i wszelkie inne znaczące wydarzenia.
* Czy to strzał z występu, scena narracyjna czy coś innego?
* Zwróć uwagę na wszelkie potencjalne wyzwania logistyczne związane z akcją (np. Wyczynniki, złożone choreografię, wirogling zwierząt).
5. Kąty/ruchy kamery:
* Jakie rodzaje strzałów są opisane (np. Zbliżenie, szeroki strzał, ustanowienie strzału, strzał POV)?
* Jakie są określone ruchy aparatu (np. Dolly, Crane Shot, Handheld)?
* Ta sekcja ma kluczowe znaczenie dla dyrektora fotografii (DP) i załogi kamery.
6. potrzeby oświetlenia i uchwytu:
* Na podstawie opisu wizualnego zidentyfikuj sprzęt oświetleniowy, który będzie potrzebny do osiągnięcia pożądanego wyglądu (np. HMIS, LED, reflektory).
* Zwróć uwagę na każdy sprzęt do chwytania, który będzie wymagany do ruchów kamery (np. Prole, dźwigi, statywy).
7. garderoba, włosy i makijaż:
* Jakie konkretne kostiumy są wymagane dla talentu?
* Jakiego rodzaju wyglądu włosów i makijażu są potrzebne?
* Czy są jakieś wymagania dotyczące makijażu efektów specjalnych?
8. Rekwizyty i scenografia:
* Wymień wszystkie rekwizyty wymienione na scenie.
* Zwróć uwagę na wszelkie szczególne wymagania dotyczące scenografii (np. Budowanie zestawu, modyfikowanie istniejącej lokalizacji).
9. Efekty specjalne (SFX) i efekty wizualne (VFX):
* Czy są jakieś praktyczne efekty specjalne (np. Pirotechnica, mgła, deszcz)?
* Czy są jakieś efekty wizualne, które należy dodać w postprodukcji (np. CGI, kompozycja, grafika ruchu)?
10. Projektowanie dźwięku:
* Zwróć uwagę na wszelkie konkretne efekty dźwiękowe lub dźwięki otoczenia opisane na scenie.
* Rozważ potrzebę ADR (zautomatyzowany wymiana dialogu), jeśli jest dialog mówiony.
11. Pace and Editing:
* Czy leczenie wskazuje na szybki, powolny lub różnorodny styl edycji?
* Czy są jakieś konkretne techniki edycji (np. Cisy skokowe, krzyżowe, zwolniony ruch)?
12. Rozważania budżetowe:
* Podczas rozkładania każdej sceny rozważ powiązane z nią potencjalne koszty.
* Zwróć uwagę na wszelkie elementy, które mogą być szczególnie drogie (np. Skomplikowane zestawy, efekty specjalne, kamee celebrytów).
iv. Przykładowy podział sceny
Powiedzmy, że leczenie zawiera ten opis sceny:
* Scena 3: *Samotna postać (artysta) przechodzi w gęsty, mgły las w nocy. Są one oświetlone jednym, nisko wiszącym światłem księżycowym. Kamera powoli z nimi śledzi, odsłaniając sękate drzewa i skręcone gałęzie. Artysta ma na sobie długi, płynny czarny płaszcz i nosi migoczącą latarnię.*
Oto jak możesz to zepsuć:
* Numer sceny: 3
* Lokalizacja: Gęsty las
* Opis wizualny:
* ustawienie: Gęsty las, mgły, sękate drzewa, skręcone gałęzie
* Postacie/talent: Artysta w długim, płynnym czarnym płaszczu, niosąc migoczącą latarnię
* oświetlenie: Pojedyncze, nisko wiszące „światło księżyca” (prawdopodobnie sztuczne), tworząc dramatyczne cienie
* Paleta kolorów: Ciemne, stonowane kolory z atrakcjami z latarni
* Kompozycja: Artysta skoncentrowany w ramce, otoczony lasem; Powolny, celowy ruch aparatu
* akcja/wydajność: Artysta idzie powoli i celowo przez las.
* Kąty/ruchy kamery: Strzał śledzący, prawdopodobnie używając Dolly lub Steadicam w celu utrzymania płynnego ruchu.
* potrzeby oświetlenia i uchwytu:
* Duże sztuczne źródło światła do symulacji światła księżyca (HMI lub panel LED)
* Maszyna mgła
* Sprzęt do ruchu kamery (Dolly, Steadicam)
* garderoba, włosy i makijaż:
* Długi, płynny czarny płaszcz
* (Rozważ szczegóły włosów i makijażu w zależności od zwykłego stylu artysty)
* rekwizyty i scenariusz:
* Migocząca latarnia
* Potencjalnie wzmocnienie lasu o dodatkowe rośliny lub dekoracje
* SFX/VFX: Efekty mgły (prawdopodobnie kombinacja praktycznego i potencjalnie pewnego wzmocnienia w VFX)
* Projektowanie dźwięku: Święta lasu, szelest liści, być może ślady artysty.
* tempo i edycja: Powolne, celowe tempo; Długie ujęcia.
* Rozważania budżetowe: Koszty lokalizacji, wypożyczanie sprzętu oświetleniowego, potencjalny opatrunek ustawiony, koszty SFX.
v. Kluczowe rozważania podczas awarii
* Priorytetyzuj jasność: Użyj jasnego i zwięzłego języka. Unikaj żargonu, chyba że wszyscy w zespole to zrozumieją.
* Zidentyfikuj potencjalne problemy: Podczas rozkładania każdej sceny poszukaj potencjalnych wyzwań logistycznych lub technicznych. Zwróć uwagę, aby można je było rozwiązać podczas przedprodukcji.
* Rozważ budżet: Pamiętaj o budżecie podczas analizy leczenia. Czy pomysły dyrektora są realistyczne, biorąc pod uwagę dostępne zasoby? Gdzie można obniżyć koszty bez poświęcania ogólnej wizji?
* Współpracuj: Proces podziału jest często wspólnym wysiłkiem z udziałem dyrektora, producenta, DP, projektanta produkcji i innych kluczowych członków załogi. Omów swoje ustalenia i zadaj wyjaśniające pytania.
* Użyj narzędzi, aby pozostać zorganizowanym: Użyj arkuszy kalkulacyjnych, dedykowanego oprogramowania produkcyjnego, a nawet prostego notatnika, aby śledzić podział. Narzędzia cyfrowe mogą pomóc w organizowaniu i udostępnianiu informacji zespołowi.
vi. Po załamaniu:umieszczanie go do użycia
Zakończony awaria staje się kluczowym dokumentem dla:
* Budżetowanie: Oszacowanie kosztów związanych z każdym elementem filmu.
* Planowanie: Tworzenie harmonogramu strzelania, który uwzględnia czas wymagany dla każdej sceny.
* Scouting Lokalizacja: Znalezienie lokalizacji pasujących do wizji reżysera.
* Zatrudnienie załogi: Identyfikacja niezbędnych członków załogi i ich konkretnych ról.
* Spotkania przedprodukcyjne: Omówienie planu z całym zespołem i odpowiecie na wszelkie zaległe pytania lub obawy.
Postępując zgodnie z tymi krokami, możesz skutecznie rozbić leczenie teledysku i przekształcić wizję reżysera w namacalny plan udanej sesji zdjęciowej. Pamiętaj, im dokładniejszy i szczegółowy rozkład, tym lepiej przygotujesz się do ożywienia filmu.