50 wskazówek dotyczących edycji wideo poniższe są efektem wielu lat edycji wideo, wielu godzin badań i uczenia się na niezliczonych błędach. Mam nadzieję, że będziesz w stanie zastosować te wskazówki we własnych projektach edycji, aby poprawić jakość swojej pracy oraz zwiększyć szybkość i wydajność.
Jeśli wolisz pobrać wskazówki jako e-book w formacie PDF, możesz uzyskać do nich dostęp tutaj.
Proszę, baw się dobrze!
1. Utrzymuj odpowiednie tempo — za szybkie, a stracisz ludzi, za wolne, a znudzisz ich
Zasadniczo lepiej jest wycinać scenę za szybko niż za wolno. Nie ma nic gorszego niż znudzenie odbiorców. To powiedziawszy, dezorientowanie ludzi przez zbyt szybkie odgrywanie sceny jest blisko sekundy.
2. Określ, co napędza scenę i zacznij od jej edycji
Kiedy zaczniesz cokolwiek edytować, zastanów się, jaki element będzie napędzał to do przodu i użyj go jako kręgosłupa twojego kawałka. Czasem jest to rytm muzyki, czasem rozmowa dialogowa, czasem sekwencja ujęć, a innym razem motyw jak wstawka tykającego zegara, który pojawia się co kilka sekund. Cokolwiek to jest, najpierw umieść „sterownik” na swojej osi czasu i pozwól mu informować resztę procesu edycji.
3. Użyj strzałów reakcji
Zdjęcia reakcji nie tylko pokazują, co dana postać myśli lub czuje w związku z konkretnym wydarzeniem. Sugerują również, co sam widz powinien odczuwać – czy to strach, szok, pożądanie itp. Dodatkowo ujęcia reakcji pozwalają widzowi na chwilę przetrawić pojawiające się rzeczy. Gdyby nagranie pokazywało tylko dwóch bokserów walczących w ringu bez odrywania się od sporadycznych ujęć reakcji publiczności, widz szybko zostałby przytłoczony ciągłą akcją lub po prostu na nią odporny.
Żadne nie jest dobre. Dotyczy to komedii, horrorów i prawie każdego innego gatunku, o jakim możesz pomyśleć.
4. Skompresuj czas, aby uniknąć nudy
Nikt nie chce patrzeć, jak ktoś przechodzi przez pokój, wspina się po schodach lub zjada cały posiłek. Tnij między różnymi kątami kamery, aby skrócić czas i szybciej wykonać akcję.
5. Wydłuż czas, aby zintensyfikować dramatyczny moment, żart, fragment akcji itp.
Czasami chwila jest tak interesująca, ważna lub mocna, że warto ją trochę przeciągnąć. W ten sam sposób, w jaki cięcie między różnymi kątami kamery może skrócić czas, można go również wykorzystać do jego wydłużenia. Pokazywanie tego samego wydarzenia pod wieloma kątami pozwala na skuteczne rozegranie go w sposób dłuższy niż w rzeczywistości. Dobrym tego przykładem może być baseballista podchodzący do płyty i uderzający w home run. Czas i emocje towarzyszące całemu wydarzeniu można wydłużyć za pomocą wielu różnych ujęć pałkarza, jego mimiki, miotacza, tłumu oraz wielu kątów boiska, zamachu i uderzenia. O wiele bardziej ekscytujące niż granie w „w czasie rzeczywistym”.
6. Zapamiętaj historię i łuki postaci
Kiedy edytujesz i wybierasz wiersze i ujęcia swoich postaci w całym filmie, zawsze pamiętaj, co się wydarzyło, co się dzieje, a jeszcze się nie wydarzyło. Upewnij się, że rozwój postaci przebiega prawidłowo przez historię.
Na przykład nie chcesz, aby postać wydawała się zbyt pewna siebie, gdy nie rozwinęła jeszcze tej cechy w wydarzeniach z filmu. Jeśli kiedykolwiek będziesz potrzebować niewielkiej pomocy w śledzeniu przebiegu swojej historii i rozwoju postaci, oto kilka przydatnych wskazówek dotyczących edycji filmów. Znajdź wszystkie sceny, które już wycięłeś, razem z postacią, nad którą pracujesz. Ułóż je obok siebie w kolejności, w jakiej są w filmie i obejrzyj je. W ten sposób możesz bardzo szybko zobaczyć postępy i rozwój postaci, bez konieczności oglądania całego filmu, i szybko zorientujesz się, czy kolejność rozwoju ma sens, czy też powinna być dostosowana.
7. Po prostu kontynuuj cięcie
Czasami pomysły nie zaczynają płynąć, dopóki nie zaczniesz widzieć czegoś na swojej osi czasu. Kiedy natrafisz na kreatywną przeszkodę, nie poddawaj się. Po prostu edytuj i wypróbuj różne sposoby radzenia sobie ze sceną, promo, cokolwiek. W końcu zrobisz coś, co Cię zainspiruje i wskaże właściwą ścieżkę.
8. Dopasowane cięcia działają zarówno w przypadku obrazu, jak i dźwięku
Każdy widział zdjęcie przecięte z jednej sceny ze zbliżeniem na gałkę oczną do innej sceny z podobnym ujęciem słońca — lub jakąś odmianą tego typu cięcia dopasowanego obrazu. Ale nie zapominaj, że możesz również dopasować przycięty dźwięk. Oto przykład.
W scenie A kobieta mówi:„Nigdy nie ukradłabym niczego z pańskiego sklepu, proszę pana. Przecież jedyna znana mi osoba, która cokolwiek ukradła, to…” — przeniesiony do sceny B, w której mężczyzna krzyczy „Fletcher!”, wskazując na młodszego brata kobiety, gdy wybiega ze sklepu z telewizorem. Dopasowane cięcia dla dźwięku to świetny sposób na łączenie pomysłów między scenami. Bądź kreatywny — jest wiele możliwości.
9. Najpierw ciąć zgrubnie, a następnie udoskonalać
Nie martw się o pracę nad drobnymi szczegółami cięcia, gdy po raz pierwszy go układasz. Najpierw ustal swoją strukturę, a następnie zacznij dostrajać klatki i dźwięk. Pozwoli to na najbardziej kreatywną szybkość i elastyczność podczas tworzenia utworu, bez ugrzęźnięcia w drobiazgach.
10. Tnij ujęcia w scenie dialogowej między klauzulami, oddechami lub tuż przed intensywnymi dostawami
Wykorzystaj szczyty intensywności podczas sceny dialogowej, a także chwile pauzy lub kontemplacji. Wszystkie są dobrymi, naturalnymi punktami do przecięcia z jednej postaci na drugą, gdzie cięcie pozostanie w dużej mierze niezauważone.
11. Cięcie przy ruchu
Jest to jedna z najbardziej podstawowych wskazówek dotyczących edycji wideo. Najłatwiejszym sposobem, aby cięcie było niewidoczne, jest cięcie podczas jakiegoś ruchu. Może to być ruch postaci, taki jak odwrócenie głowy, gest ręką lub uderzenie. Możesz też wyciąć ruch samej kamery. Często kamera obraca się, obraca, przechyla i kręci wokół ekranu. Wycięcie tych ruchów pomoże zamaskować zmiany i stworzyć bardziej płynne wrażenia dla widza.
12. Motywuj swoje cięcia
Kiedy cięcia są zmotywowane, będą wydawać się bardziej naturalne i nie będą wstrząsać widzem. Wykorzystaj to na swoją korzyść, aby stworzyć gładko płynący kawałek. Prostym przykładem tego jest zbliżenie twarzy postaci, gdy jej oczy spoglądają poza ekran, motywując w ten sposób cięcie do czegoś, na co patrzy.
13. Użyj wstawianych ujęć
Wstawiane ujęcia to zbliżenia przedmiotów w danej scenie (zestaw kluczy na blacie, których główny bohater właśnie zapomniał zabrać ze sobą, gdy w pośpiechu wybiegł z mieszkania) lub bardzo konkretne akcje, które się dzieją (a ręcznie podnosząc kieliszek wina ze stołu). Ujęcia wstawiane mogą pomóc w przejściu scen, pełniej określić, co się dzieje, skupiając uwagę widza i dostarczać informacji o środowisku, pokazując szczegóły, które są w nim obecne. Wstawki zapewniają również dużą różnorodność kompozycji ujęć w obrębie cięcia, przełamując monotonię średnich ujęć, które mogą nękać kawałek.
14. Obserwuj oczy aktora, aby wiedzieć, kiedy ciąć
Ogólnie rzecz biorąc, oczy aktora są dobrą wskazówką, kiedy nadszedł czas, aby przejść do innej postaci, obiektu w scenie lub po prostu pod innym kątem kamery. Ruch gałek ocznych może być traktowany jako mała wersja cięcia na ruch, a także jako sposób na motywowanie do edycji. Jeśli nie wiesz, kiedy przeciąć, spójrz w oczy!
15. Wykorzystaj ruch kamery, aby przyspieszyć tempo
Świetnym sposobem na wywołanie wrażenia intensywności i akcji jest wykorzystanie ruchu kamery. Oczywiście dostępność ujęć za pomocą ruchomej kamery jest ustalana podczas filmowania, ale jeśli masz je dostępne i chcesz nieco podkręcić akcję, nie zapomnij ich użyć. Dodatkowo, kiedy tniesz od jednego ruchomego ujęcia do drugiego, automatycznie zawsze tniesz ruch, dzięki czemu będziesz mieć więcej możliwości płynnej edycji. W rezultacie będziesz w stanie skrócić czas trwania poszczególnych ujęć i w ten sposób przyspieszyć tempo.
16. Skoki nie zawsze są złe
Publiczność jest teraz bardziej wyrozumiała. Dziesięć czy dwie lata temu była twarda i szybka zasada, że nigdy nie należy wykonywać skoku. Już tak nie jest. Jasne, przeskok w emocjonalnej, dramatycznej scenie może nadal być nieco niezręczny i rozpraszający. Ale przeskoki w akcji, horrory, a nawet komedia stały się znacznie bardziej akceptowalne niż wcześniej. Skokowe cięcia mogą nadać Twojemu utworowi ostry, stylistyczny charakter, a także służyć jako narzędzie do przestraszenia lub zaskoczenia odbiorców. Jak w przypadku większości rzeczy, sztuczka polega na tym, aby ich nie nadużywać.
17. Tnij, gdy widz jest rozkojarzony
Ta wskazówka dotycząca edycji wideo jest nieco ogólna, ale chciałem ją uwzględnić, ponieważ ilustruje ważną nadrzędną koncepcję. Niezależnie od tego, czy tniesz ruch, duże dźwięki, czy intensywne chwile, kluczem jest cięcie, gdy widz jest rozproszony. Pomyśl o tym jak o magiku, który rozprasza publiczność zawijasami i opowieściami, odwracając ich uwagę od kuglarstwa rozgrywającego się za kulisami, które przygotowuje jego sztuczkę. Ta wskazówka poprowadzi Cię bardzo dobrze w niezliczonych sytuacjach edycyjnych.
18. Zanikanie do czerni rozpoczyna nowe sceny — przenikanie krzyżowe wskazuje na upływ czasu
To dość podstawowa wskazówka, ale warto ją zapamiętać. Jest wielu redaktorów, którzy starają się unikać używania jednego z tych efektów — ponieważ uważają, że dobrą edycję można wykonać za pomocą odpowiednio umotywowanych prostych cięć. Uważam jednak, że zanikanie i rozpuszczanie nadal ma swoje miejsce w odpowiednich okolicznościach. Tylko pamiętaj, aby używać ich oszczędnie i poprawnie.
19. Upewnij się, że kąty kamery między podobnymi ujęciami zmieniają się o co najmniej 45°
Jeśli musisz przejść od jednego ujęcia do innego ujęcia tego samego obiektu, postaraj się, aby kąt nowego ujęcia różnił się o co najmniej 45° od pierwszego. W przeciwnym razie cięcie będzie wstrząsające i będzie wyglądać jak pomyłka. Jeśli nie możesz przyciąć pod innym wystarczającym kątem, spróbuj wyciąć inny obiekt — lub wypełnij lukę za pomocą ujęcia wstawki.
20. Zmieniaj odległość aparatu podczas przycinania ujęć tego samego obiektu
Jest to podobne do poprzedniej zasady. O ile nie wycinasz czegoś stylistycznie, najlepiej jest znacznie zmienić odległość aparatu podczas wycinania lub wycinania tego samego obiektu. Na przykład staraj się nie przecinać od ekstremalnego zbliżenia do zbliżenia. Spróbuj zamiast tego przejść z ECU na średnie lub szerokie ujęcie. Będzie to trochę bardziej naturalne i pomoże utrzymać cięcie bliżej niewidocznego — co zwykle jest celem.
21. Użyj rozpuszczań na nagłówkach i ogonach dźwięku, aby zapobiec wyskakiwaniu
Prawie każde oprogramowanie do edycji ma dość szybki sposób na zanikanie i rozpuszczanie dźwięku. Użyj ich na krawędziach klipów audio, aby płynnie włączać i wyłączać efekty dźwiękowe, dialogi, ton pokoju, muzykę itp. Nawet jeśli masz tylko miejsce na zastosowanie 1 lub 2 klatek rozpuszczania po wypowiedzeniu słowa, użyj go. Te rozpuszczenia wygładzą miks audio i zapobiegną „wyskakiwaniu”.
22. Zanurz muzykę i efekty dźwiękowe w dialogach
Jeśli twój dialog i narracja są trudne do usłyszenia, widz będzie chwilowo zdezorientowany, próbując zrozumieć to, co właśnie zostało powiedziane. Jest to męczące dla widza i ostatecznie powoduje frustrację, utratę zainteresowania i trudności z zanurzeniem się w utworze.
23. Nie używaj tandetnych efektów wizualnych
Nic nie krzyczy „amatorsko” bardziej niż chusteczki z gwiazdkami, błyszczące flary i zawijane strony. O ile Twój film nie ma wyglądać na retro/tandetny, unikaj tych efektów jak zarazy.
24. Czas na edycję muzyki, aby uzyskać maksymalny efekt
Zapisz swoją muzykę do ważnych momentów, a następnie zacznij ją odtwarzać — lub edytuj muzykę tak, aby największe, najbardziej intensywne jej fragmenty pojawiały się we właściwych momentach cięcia. Będzie to sygnał dla widza i poinformuje go, że to, co ogląda, jest w jakiś sposób znaczące, czy to dlatego, że chwila jest pełna napięcia i coś przerażającego ma się wydarzyć, czy to, co widzą, jest ważną częścią historii.
Oczywiście istnieje wiele wyjątków od tej reguły, ale jeśli możesz postarać się, aby używać muzyki trochę oszczędnie, będzie to miało znacznie większy wpływ na Twój utwór.
25. W razie potrzeby używaj kompresorów do dialogów i narracji
Kompresory służą do wyrównania wzlotów i dołków dźwięku. Mają wiele zastosowań, ale jednym z moich ulubionych jest zastosowanie lekkiego kompresora do linii dialogowych i narracji, które w innym przypadku mogłyby być trudne do usłyszenia w sekcjach z wieloma innymi efektami dźwiękowymi lub muzyką. Kompresor zwiększy niektóre z niższych poziomów w dialogu, zapewniając, że słowa nie zostaną utracone lub źle odebrane. Uważaj tylko, aby nie podkręcić zbyt mocno kompresora, w przeciwnym razie otrzymasz bardzo sztucznie brzmiącą mowę robota.
26. Upewnij się, że poziomy dźwięku nie osiągają szczytu
Jest to jedna z bardziej podstawowych wskazówek dotyczących edycji filmów, ale łatwo ją zgubić. Zwróć szczególną uwagę podczas scen z dużą ilością akcji lub przerażających, ponieważ nieuniknione wiele ścieżek audio może bardzo szybko doprowadzić Twój miks na czerwono.
27. Zawsze miksuj w stereo lub lepiej — nigdy w trybie mono
Miksowanie jest stereofoniczne, co daje możliwość panoramowania dźwięku w lewo i w prawo w celu uzyskania fajniejszych efektów dźwiękowych (przejeżdżające samochody, głos wołający spoza ekranu itp.). Miksery stereo również mają tendencję do mniej zamulonego brzmienia i zapewniają nieco większy zapas audio, zanim zacznie się osiągać szczyt.
28. Użyj pogłosu i d-verb, aby utworzyć dzwonki przy przerwach muzycznych
To naprawdę fajna sztuczka używana przez cały czas w branży przyczep, ale jest przydatna we wszystkich rodzajach edycji. Jeśli chcesz, aby Twoja muzyka zatrzymała się w momencie przed naturalnym końcem, ale nie chcesz, aby brzmiała zbyt gwałtownie, wypróbuj to. Znajdź takt muzyki w obszarze, w którym chcesz, aby muzyka się kończyła. Unieś wszystko w tej ścieżce muzycznej po takcie i zastosuj efekt d-verb lub efekt pogłosu do ostatniego beatu. Zmień długość i rodzaj efektu czasownika w zależności od tego, jak długo ma trwać dzwonek. Zapewni to przyjemne, czyste zatrzymanie muzyki, które rozwiązuje się i nie brzmi nagle. Świetnie nadaje się do zatrzymania się w momencie uderzenia lub tuż przed wygłoszeniem żartu puenty.
29. Użyj dźwięku do przejścia scen
Świetną wskazówką przejściową dla wideo jest przygotowanie dźwięku z następnej sceny pod koniec bieżącego. Na przykład, gdy dwie osoby kończą rozmowę w swoim mieszkaniu i decydują się na wycieczkę do Paryża, stopniowo wyciszaj dźwięk lądowania samolotu pod nagraniem wideo z ich rozmowy. Następnie możesz przejść do lądowania samolotu w Paryżu, tak aby nie wydawało się to zbyt nagłe lub nieoczekiwane. Jest to bardzo podobne do motywowania cięcia, w tym sensie, że daje sygnał widzowi i informuje go, czego się spodziewać, aby nie był zdezorientowany ani nieumyślnie zaskoczony.
Istnieje wiele bardziej kreatywnych sposobów wykorzystania dźwięku do przejścia między scenami, ale jest to jeden z najbardziej podstawowych i użytecznych.
30. Użyj projektowania dźwięku do kształtowania momentów oraz budowania i uwalniania napięcia
Nie zawsze musisz polegać wyłącznie na swojej muzyce, aby stworzyć nastrój sceny. Nie bój się używać dronów, uderzeń, metalicznych jęków i innych przydatnych elementów dźwiękowych, które pomogą zbudować atmosferę sceny i kierować emocjami widza. Skuteczne projektowanie dźwięku wymaga trochę praktyki, ale pozwala zasadniczo działać jako kompozytor podczas edycji i naprawdę zyskać kontrolę nad nastrojem i tonem.
31. Dostosuj i używaj skrótów klawiaturowych
Każdy ma swój własny sposób pracy z komputerem — ale niektóre są po prostu szybsze. I have always found that using keyboard shortcuts when editing — or doing anything on the computer — will DRASTICALLY increase the speed at which an editor can work.
Over the years, I have gradually fine-tuned my method for setting up my hot-keys in a particular software package. Now, the general rule I try to follow is to map all of my shortcuts to one half of the keyboard. That way, my left hand can stay in the same location on the keyboard and have access to all my keyboard shortcuts without having to move. My right hand will always be on the mouse, clicking and dragging around the timeline as needed. For maximum speed, I try to eliminate 95% of mouse clicking whenever possible. It takes a bit of getting use to but you’ll be amazed how much more quickly and effortlessly you can work.
32. Organize your source materials
This is crucial.
Unless you’re working on a very small project, you MUST organize your source materials. This includes all your video footage, your music, your narration, your sound effects, your graphics and anything else you might need. Particularly with the footage, you’ll want to organize it either by scene, character, location — whatever makes the most sense depending on your project and the type of piece you’re cutting. For a feature, it makes the most sense to organize by scene numbers. For promos, you’ll probably want to organize by types of shots and characters, since the footage will serve as more of a painter’s palette than a chronological storyboard.
However you choose to do it, just make sure you’re organized. Otherwise you’ll quickly become overwhelmed, make weaker editing decisions and miss out on editing opportunities that you may have seen if you had better access to your source materials. Trust me, it’s worth the initial time investment.
33. Mark your favorites
As you look through and organize your footage, keep notes of your favorite lines, takes, shots etc. Your initial reaction to seeing these materials will often be the most genuine and unbiased, most closely-reflected how the audience will perceive it. It’s important for you to make notes on your thoughts and impressions during this objective phase to help guide you later on in the process when things get a bit more…messy.
34. Save commonly used effects and plugin settings to a bin
Often when working on a project, you’ll find that you need to use the same types of effects multiple times. These could be time-warps, picture zooms, white flashes, audio effects etc. Rather than recreate them from scratch each type, create a bin or folder contain the presets for each of these effects so you can just drag them onto your clips as needed. This will save you quite a bit of time while editing, allowing you to focus on more important things.
35. Zoom in on the timeline
A common mistake many editors make is forgetting they can zoom in on their timeline. To properly fine-tune a cut, a music edit, whatever…you need to zoom in. By trying to work on a section of your piece without focusing the timeline on it, you’ll create two main problems.
First, you’ll become distracted by everything else that’s going on within your field of view. Sounds crazy, but it’s true. Editing can be very overwhelming at times because of the large amount of materials and edits that you’ll have going on. Zooming in not only focuses your timeline but your attention as well. Second, in order to make the small adjustments and tweaks to picture and audio you need to having a fine level of control. You don’t have that frame by frame accuracy when zoomed out and you’ll end up making incorrect adjustments to things and messing with an edit far longer than you need to.
Even after editing for many years, I still sometimes catch myself forgetting to focus in on a section I’m working. Get into the habit of zooming in and you’ll be surprised how many problems it solves.
36. Use two monitors when possible
For a long time, I edited using only on one monitor. I crammed my timeline, my bins, audio meters, and video windows all on the same screen. When I finally decided to add a second monitor and space things out a bit, there was no turning back. A good two monitor setup involves placing all of your clips, music, bins, audio meters and other tools on the left monitor. On the right monitor, put your timeline and your video windows. The extra screen space will help you with organization as well as provide more room to manipulate the materials on your timeline.
On many projects, I end up with up to 5 video tracks and 24 audio tracks. While the extra monitor is not a necessity, without it things would get a bit tight!
37. Avoid parallel edits
This is one of the classic video editing tips that bears repeating. Cutting from one shot to another at the exact same moment you cut the associated audio is often a bad idea. Since the goal of most edits is to create a smooth, uninterrupted experience for the viewer, you want to minimize jolts and bumps along the way. By cutting both picture and audio at the same time, you’re causing the viewer to adjust to two changes at once, which they’ll often notice. Instead, do what’s referred to as an L cut or J cut — also called pre-lapping and post-lapping.
This means, start the audio for the next shot slightly before you cut the picture to it. Or, cut to your next shot, slightly before the audio begins — this is good to capture reactions of the listener during a dialogue scene. It takes a little practice to get right but will give your cuts a much more professional feel.
38. Use multiple camera angles and shots with fast cutting to build intensity and impact
A great way to create a frenetic and fast-paced sequence is to show the action from multiple angles. Cut quickly from wide to medium to close shots as movement occurs to give a sense of speed and impact. This is particularly important in action scenes like fights or car chases. Just make sure to give your viewer a chance to rest every once in a while by cutting to a wide shot or the reactions of other people watching the action.
39. Vary your pacing and sound levels to create contrasts
A great deal of what makes things interesting in life is contrast. Video editing follows the same rules. By varying the pacing of scenes or the intensity of moments, you’ll create a rhythm in your piece that prevents the viewer from becoming over or under-stimulated. Audio works the same way. A loud scene or moment will have more impact when it follows a quiet one. Conversely, a whispered comment between characters will seem that much more intimate and personal when it follows loud action or music.
Use contrast to accentuate moments and really carve out the peaks and valleys of your cut.
40. Duplicate your timeline and save multiple versions
Any time you’re going to make substantial changes to a sequence — which might not end up working well — try to remember to duplicate your sequence. There’s nothing worse than making a bunch of edits, realizing that you just messed up something that was already working and finding that you can’t “undo” back far enough to restore it. If you make multiple copies of your sequence, you’ll rarely lose work and will have less fear of trying new things. And don’t forget to label them with what’s unique about them. A simple note like “different opening scene – no music” will help you remember what is different about the sequence in case you need to reference it later on.
41. Fake camera movement when necessary
Sometimes you really wish a shot had a slow push in on a character’s face during a dramatic moment but it wasn’t shot that way on the set. Don’t be afraid to add a slow animated resize or zoom to the clip to fake it. Something like 100% zoom to 103% zoom. Just make sure you don’t zoom in so far that the quality of the image starts to degrade. Experiment with faking lots of different types of camera movement.
You’ll be surprised at how much production value and impact you can add to shots that were otherwise a bit boring.
42. Use cross-cutting to build intensity
A great way to create suspense and anticipation is to make sure of cross-cutting. Cross-cutting is simply when you cut back and forth in between two events occurring in different locations or at different times. A great example of using this technique to build intensity would be to show a burglar creeping around outside a house at night and breaking in. In between shots of him approaching, entering and stalking through the house, you’d cut to shots of the homeowner asleep in their bed or perhaps in the shower, unaware of the danger that’s approaching.
43. Use room-tone and ambiance to smooth out your dialogue
When a character has finished delivering a line and another character is about to speak, there is often a bit of space or “dead air”. Depending on how the audio was recorded, there can be a noticeable absence of background hum and noise in between the lines. A good way of smoothing out these gaps is to find a section of the recorded audio track where the characters aren’t speaking but the microphone still picked up the general ambiance of the room or environment. Take a piece of this background noise and cut it in between the lines from the two characters and put small audio dissolves in-between everything. This will create a more seamless transition from one line to the next.
44. Turn up the volume when mixing
When it comes time to mix your audio, turn up the volume a bit. You shouldn’t be straining at all to hear your piece. In fact, you’ll want it to be pretty loud so you can really feel the impact of certain moments and make sure they’re playing as you intended. If you don’t want to disturb those around you, invest in a good pair of closed-ear headphones.
45. Give the audience time to laugh or think after jokes and important moments
After a funny joke is delivered, the audience will probably laugh a bit. In the case of really funny moments, the laughter might be so loud that any lines occurring directly after the joke will go unheard. Be sure to allow ample time for the audience to regain composure before presenting any additional important information or dialogue. The same goes for moments that might require the audience to think about something or realize what’s going on. For example, if a boy gets an angry phone call from his girlfriend and she breaks up with him, give the audience a chance to watch his reaction to the news and discover whether he’s upset — or relieved.
46. Total silence feels unnatural
Silence is anything but silent. When you’re mixing audio, remember that there is almost always some sort of noise in the real world and a complete absence of sound in a section of a cut will feel very unnatural.
A great example of this would be a war scene when a grenade explodes close to a character. It doesn’t injure the soldier but it’s so loud that he temporarily goes deaf. A complete absence of sound here would feel strange, but a high-pitched ringing in his ears and the muffled, quiet, echoed sounds of gunfire and yelling around him would give the impression of silence but in a much more natural way.
Even when human beings are placed in completely quiet anechoic chambers, they can still hear the high-pitched sound of their own nervous system and their heartbeat. To human perception, is no such thing is 100% silence.
47. Scene audio and sound effects should describe the setting or further the story
When deciding what elements of a scene’s audio to include in your mix, remember you don’t have include everything. Only include the ambiance and sounds needed to establish your environment and also to give the viewer clues as to the story you are telling.
If the scene opens in a room with a woman sitting in a chair looking uneasy and mildly annoyed, we might hear the sounds of traffic outside her window and the clock ticking. What we would soon find out is that she has been waiting for her husband to come home for dinner for over an hour and the passing of time is the relevant story point we should be aware of.
48. Edit a documentary with only audio at first
A great video editing tip when editing a documentary is to almost treat it like a radio cut at first. That is, find the narration and dialogue lines that tell the story you’re trying to get across and assemble them all on your timeline. Once you’ve got your story told effectively, then you can start adding in video footage of the interviewees on camera, b-roll of related imagery, graphics and beauty shots. By editing a documentary with only audio at first, it allows you to focus on what’s most important, the message.
49. Stay objective
Remember what your audience knows and doesn’t know. It’s easy to get so familiar with your material that you forget your audience might need a bit of extra information and hand holding to know what’s going on. Providing too little information will leave you viewer confused and important moments won’t have the desired impact. Conversely, too much information will make your film or piece feel unintelligent or made for children — so find the right balance.
50. Carefully sync your sound and music to picture
The human brain is amazing adept at detecting mismatches between audio and video. Even the difference of 1 frame — or 1/30th of a second — is noticeable under certain circumstances.
Be very careful when using sound effects and music that have very sharp attacks or well-defined beats. When these sounds and beats are meant to sync up with a particular visual such as a punch or a baseball hit, being off by even a frame can feel strange and detract from the impact of the event. Some software will even allow you to edit audio on the perf level, which can be as fine as 1/4 of a frame.
These details may seem insignificant but a sync problem causes your viewer to lose focus on the scene and takes them out of the immersive experience of your cut — which is a big problem.
————
Thanks for taking the time to read through these video editing tips. I hope these rules will be as helpful to you as they have been to me over the years.
Got any great video editing tips you’d like to share?
Please post them in the comments below!