Reżyser i montażysta są odpowiedzialni za rytm filmu.
Ale ostatecznie, w wielu przypadkach, ostatnie słowo należy do redaktora.
Kiedy aktor wypowiada kwestię, widzimy jego twarz, ale zwykle liczy się jego głos.
Wielkie odkrycie na końcu filmu dotyczy zarówno tego, co mówią, jak i tego, jak to mówią.
Ale kiedy oglądamy film, nie słyszymy każdego słowa, które wypowiadają aktorzy.
Byłoby wyczerpujące słuchać każdego najmniejszego szczegółu ich rozmowy przez cały czas. Zwykle dzieje się tak, że słyszymy fragmenty dialogu podczas oglądania innych rzeczy na ekranie.
Dialog nie istnieje w próżni. Aktorzy poruszają się i wchodzą ze sobą w interakcje podczas trwania sceny — czasami nawet oddalają się od siebie — ale ich twarze są zawsze przed kamerą, abyśmy mogli zobaczyć, co mówią i jak to mówią.
Możemy usłyszeć tylko tyle słów, aby zrozumieć, co się dzieje, ale nie tak bardzo, że stanie się to nużące lub inwazyjne w naszej koncentracji uwagi.
Dzieje się tak, ponieważ obserwujemy, jak dwie osoby wchodzą ze sobą w interakcję, nie będąc w stanie obserwować ich interakcji przez cały czas (chyba że występuje jakiś efekt podzielonego ekranu).
Jak redaktor kontroluje rytm filmu
Dlaczego montażysta kontroluje rytm filmu?
Rytm filmu jest tak samo ważny dla sukcesu filmu jak struktura. Rytm może być kontrolowany przez montażystę, który może również decydować o tym, jak film jest postrzegany przez publiczność.
Rytm filmu jest często określany jako „tempo” i odnosi się do tempa filmu.
Film o dobrym tempie będzie miał stały przepływ, w którym tempo narasta, a następnie prowadzi do punktu kulminacyjnego; podczas gdy słabe tempo będzie albo zbyt wolne, albo zbyt szybkie.
Montażysta odgrywa ważną rolę w kontrolowaniu tempa rozwoju filmu – jest odpowiedzialny za decydowanie, gdzie każda scena powinna się zaczynać i kończyć oraz co powinno pozostać na ekranie przez dłuższy lub krótszy czas.
Na przykład, jeśli między dwiema postaciami trwa długa rozmowa, podczas której żadna z postaci nie porusza się lub nie porusza się wcale, może to przeciągnąć się przez dłuższy czas i stać się nudne dla publiczności. Więc byłoby inaczej edytowane.
Redaktor skróciłby go, wycinając pewne części, które nie przyczyniają się do narracji i budowania napięcia.
Czas trwania każdej sceny może również wpływać na tempo całego filmu – jeśli jedna scena trwa dłużej niż to konieczne, może to zakłócić płynność innych scen.
Jak montażysta kontroluje rytm filmu?
Masz więc świetną historię i wybrałeś do niej najlepszy scenariusz. Następnym krokiem jest znalezienie utalentowanych aktorów i reżysera, którzy pomogą Ci ożywić Twoją wizję.
Rozpoczniesz teraz produkcję filmu, ale zanim to nastąpi, musisz zatrudnić montażystę.
Zanim zatrudnisz montażystę, zapytaj go o proces montażu filmu.
Jak montażysta kontroluje rytm filmu?
Jak wygląda ich proces myślowy przy podejmowaniu decyzji, jakich ujęć użyć?
Co ich zdaniem tworzy dobre ujęcie?
Jak edytują dialog, aby płynnie przechodził od sceny do sceny?
Czy ucinają akcję czy dźwięk?
Czy redaktor zawsze postępuje zgodnie ze scenariuszem, czy zdarza się, że zmienia dialogi lub dokonuje cięć, których nie było w skrypcie?
Tak dużo pytań! Mamy nadzieję, że odpowiemy na nie wszystkie w tym przewodniku.
Gdy zaczniesz pracować z edytorem, musisz trzymać się z daleka. Jeśli spróbujesz im powiedzieć, jak zmontować swój film, prawdopodobnie skończysz z zupełnie innym cięciem niż to, co zamierzałeś.
Na przykład, jeśli jest moment, w którym postać ma powiedzieć coś głębokiego, ale nie ma strzału reakcji innej postaci. Nie mów im, że muszą zrobić zdjęcie tej innej postaci.
Co robią montażyści w filmie?
Montażystą filmu jest osoba, która montuje film w sposób, który sprawia, że jest on zrozumiały dla widzów.
Montażyści otrzymują materiał filmowy ze wszystkich części produkcji, a następnie łączą go w produkt, który opowiada historię.
Zadaniem montażysty filmowego jest montaż tak, aby rytm filmu był szybki i ekscytujący lub powolny i przemyślany, zgodnie z wymaganiami reżysera.
Oprócz materiałów dostarczonych przez innych montażyści mają również własne materiały, często nakręcone własnymi kamerami. Mogą zostać poproszeni o nakręcenie dodatkowego materiału potrzebnego do określonych scen.
Zadania obejmują:Wybieranie i układanie ujęć w sekwencje Określanie potrzebnych ujęć Edytowanie dialogów i efektów dźwiękowych Dodawanie efektów wizualnych, takich jak muzyka i napisy (kredyty)
Po zakończeniu zdjęć rozpoczyna się proces postprodukcji. Podczas postprodukcji redaktorzy ściśle współpracują z producentami, aby określić, jak długie powinny być określone sceny.
Edytor może znaleźć się w sytuacji, gdy będzie musiał wyciąć duże fragmenty sceny, ponieważ po prostu nie pasuje to do reszty filmu. Redaktor współpracuje z reżyserem, dopóki nie otrzymają fragmentu filmu, co do którego obaj się zgadzają.
Reżyser robi zwykle kilka wersji, zanim zastanowi się nad jednym ostatecznym cięciem. Ten proces może zająć miesiące w przypadku filmu pełnometrażowego. Kontroluj czas trwania ujęcia podczas montażu filmu Długość ujęcia to czas, przez jaki kamera skupia się na jednym obiekcie.
Im dłuższe ujęcie, tym więcej czasu spędzasz z danym tematem i tym więcej informacji możesz przekazać. Niektóre ujęcia są lepiej dopasowane do określonych długości niż inne.
Dłuższe ujęcia są zwykle używane do tworzenia ujęć lub gdy chcesz naprawdę uchwycić to, co widzą Twoi widzowie. Jeśli scena rozgrywa się na przykład w domu, ważne jest, aby ustalić, gdzie w tym domu odbywa się akcja.
Zbliżenie twarzy bohatera byłoby lepsze przy krótszym ujęciu, dzięki czemu można zobaczyć jak najwięcej z jego reakcji. Ujęcia zostały ustandaryzowane przez lata kręcenia filmów i każdy filmowiec zna je na pamięć.
Na przykład, jeśli śledzisz postać idącą po ekranie od lewej do prawej, jest to znane jako „ujęcie wprowadzające” (lub „ujęcie główne”). To ujęcie ma pokazać nam, gdzie odbywa się ta akcja — na przykład na ulicy miasta lub w czyimś domu.
Zbliżenie to kolejne standardowe ujęcie. Powinien być nakręcony inaczej niż ujęcie wprowadzające, ponieważ ma mniej własnego kontekstu niż ujęcie wprowadzające, które wspierałoby emocje i ton podczas montażu filmu
Montaż filmu to sztuka wyboru ujęć, dźwięków i innych efektów, które mają być uwzględnione podczas składania filmu lub wideo. Możesz go użyć do przekazania nastroju i kontrolowania tego, jak widzowie czują się podczas oglądania Twojego filmu.
Montaż polega na tworzeniu opowieści z fragmentów materiału filmowego i dźwięku, które zostały nagrane podczas procesu filmowania. Właściwe zastosowanie technik montażu może pomóc nadać filmowi spójny ton emocjonalny.
Jest to proces łatwy do opanowania, jeśli masz odpowiednią wiedzę. Montaż filmu polega tak naprawdę na wyobrażeniu sobie, jak będzie wyglądał Twój film, zanim zostanie nakręcony.
Zastanów się, jaki rodzaj efektu chcesz uzyskać na widzu, używając określonych rodzajów edycji i efektów wizualnych. Istnieje wiele różnych sposobów montażu filmu.
Nauczenie się, jak skutecznie z nich korzystać, wymaga czasu, ale kiedy już opanujesz kilka podstawowych technik, możesz zacząć eksperymentować z bardziej zaawansowanymi. Mogą to być przeskoki, wytarcia i zanikanie.
Przeskoki pozwalają na edycję dwóch ujęć razem, dzięki czemu nie ma między nimi przejścia, podczas gdy wycięcia przechodzą z jednego ujęcia do drugiego za pomocą zakrzywionej lub prostej linii wyświetlanej na ekranie. Zanikanie jest jeszcze prostsze, ponieważ obejmuje tylko zanikanie jednego ujęcia i jednoczesne zanikanie innego.
Stwórz tempo sceny podczas montażu filmu
Tworzenie filmów to tylko wielka łamigłówka polegająca na ułożeniu odpowiednich ujęć we właściwej kolejności. Kiedy montujesz swój film, musisz nadać tempo scenie.
Proces edycji każdej sceny określi, jak szybko lub wolno poczuje się podczas tej sceny publiczność. Montaż filmów odbywa się w 6 różnych krokach:Sceny, których rozwój zajmuje dużo czasu, ale po narastaniu napięcia nagle wybuchają akcją.
Takie tempo stwarza widzom poczucie niepewności i oczekiwania. Sceny, w których od samego początku panuje wysokie napięcie, z niewielkim lub żadnym narastaniem przed rozpoczęciem.
Krótkie sceny, które zaciekawiają publiczność, ponieważ przechodzą od razu do sedna i nie ciągną się zbyt długo. Sceny o wolnym tempie, w których niewiele się dzieje lub nie ma zbyt dużego rozwoju postaci i służą do pokazania, że twoja postać jest znudzona lub obojętna o czymś.
Sceny w szybkim tempie, w których wiele dzieje się szybko, jak na przykład szybkie cięcia, cięcia z wyskokiem i szybkie ruchy kamery, znane są również jako tempo kinetyczne. Film Memento (2000) ma bardzo unikalny styl filmowania, wykorzystując krótkie sceny, które przecinają się między dwoma różne zestawy znaków w dwóch różnych liniach czasowych. Publiczność czuje się zdezorientowana, ale jest ciekawa, ponieważ chce wiedzieć
Jak edytować jak Walter Murch
Walter Murch jest najrzadszym z montażystów — nie tylko świetnym technikiem, ale także wspaniałym artystą. Jego filmy słyną z wizualnego splendoru, a jego montaż jest tego kluczową częścią.
Murch edytuje Final Cut Pro, więc nie ma zastosowania do potężnej, ale niewygodnej magnetycznej osi czasu Media Composer. „Jestem starym psem”, mówi, „i nauczyłem się, jak poruszać się po Final Cut Pro X”.
Murch montuje na dwóch monitorach obok siebie, jednocześnie ogląda obrazy i dźwięk. Edytuje na jednej klawiaturze, trzymając ręce po obu jej stronach, dzięki czemu może „poczuć” dźwięk jedną ręką, pracując drugą.
Wierzy w to, że w ten proces angażuje się jak najwięcej z siebie — „oczy i uszy są w rzeczywistości ważniejsze, niż większość ludzi zdaje sobie sprawę”. wiele warstw.
Praca w NLE, który nie jest zoptymalizowany pod kątem edycji dźwięku, sprawia, że proces ten jest trudniejszy niż powinien. „Dźwięki są na jednym końcu osi czasu, a obraz na drugim”, mówi Murch, „więc zawsze poruszasz się między nimi, co
Filmy z szybką edycją
Toczy się wiele dyskusji na temat znaczenia szybkości edycji. Ludzkie oko jest w stanie przetwarzać obrazy z szybkością zaledwie około 10 klatek na sekundę, więc dlaczego musimy edytować szybciej?
Próba edycji z szybkością większą niż 10 kl./s nie ma sensu. Jednak zdarzają się sytuacje, w których ta zasada może zostać złamana (na przykład, jeśli próbujesz zaoszczędzić czas w projekcie).
Zbyt szybka edycja może spowodować poważne problemy, w tym:
Rozłączne edycje. Przeglądarka jest flashowana obrazami zbyt szybko, aby je prawidłowo przetworzyć.
Nie widzą płynnego przejścia między ujęciami; zamiast tego widzą serię ułamków sekund, które nie pasują do siebie. To może sprawić, że widzowie poczują się źle, a nawet zdezorientowani.
Zamieszanie wokół ciągłości. Zbyt szybka edycja utrudnia widzowi śledzenie tego, co dzieje się na ekranie – jeśli trudno mu zrozumieć ciągłość podczas oglądania filmu, prawdopodobnie Twoja wiadomość również zostanie utracona! To jest coś, co może wydarzyć się podświadomie u twoich odbiorców; mogą nie zdawać sobie sprawy z tego, że coś jest nie tak z Twoim filmem, ale nadal będą się czuć zdezorientowani lub sfrustrowani podczas oglądania.