Być może nikt, nawet aktor, nie jest bardziej odpowiedzialny za kształt przedstawienia niż redaktor.
Jasne, aktor musi dostarczyć towar podczas produkcji i częścią pracy reżysera jest kształtowanie tego występu na próbach i na początku. Ale ostatecznie cała ta ciężka praca to tylko surowiec, który czeka na wyrzeźbienie przez redaktora w ostatecznej formie. To nie jest nowa koncepcja. Rosyjski reżyser Lew Kuleszow w swoich eksperymentach z lat 10 i 20 XX wieku dowiódł, że oglądając sekwencję obrazów, widzowie przypisują aktorowi własne reakcje emocjonalne. Nic dziwnego. stało się to znane jako efekt Kuleszowa.
I oczywiście to właśnie w końcu widzi publiczność. Nie żaden z tych surowców, ale małe jego kawałki, starannie wyselekcjonowane i skonstruowane w jeden spójny spektakl.
Dla tych z was, którzy są ciekawi, co dokładnie robi montażysta, aby nadać swojemu występowi blasku, nasz przyjaciel Sven Pape z This Guy Edits (jednego z najlepszych cholernych kanałów YouTube do nauki sztuki i rzemiosła montażu filmów) ma świetny film dla ty. Sprawdź to:
Sven ma w tym filmie kilka naprawdę pomocnych wskazówek, zwłaszcza jeśli chodzi o pracę z materiałem filmowym przedstawiającym aktorów amatorów i nieprofesjonalnych. Oto podsumowanie:
1. Usuń fragmenty dialogów, które nie działają lub nie są potrzebne
To chyba najważniejsza wskazówka. To, że linia dialogowa została nagrana na planie, nie oznacza, że musisz jej użyć w gotowym filmie. Jeśli nie jest to w 100% konieczne, ponieważ prowadzi historię do przodu, powinno znaleźć się na stole do usunięcia.
2. Stań się bardziej mglisty w swoim opowiadaniu
Jeśli wszystko jest idealnie napisane dla publiczności, może to spowodować, że stracą zainteresowanie lub skoczą do przodu, co spowoduje usunięcie ich ze sceny. Dlatego strategicznie wykorzystaj momenty, aby publiczność zastanawiała się nad kontekstem i podtekstem. Oczywiście bycie zbyt ogólnikowym może zdezorientować publiczność, więc zachowaj równowagę między przekazywaniem a ukrywaniem informacji.
3. Odwróć dialog
Możesz mieszać i dopasowywać linie dialogowe, aby uzyskać maksymalny wpływ emocjonalny. Po prostu uważaj na zbytnie zmienianie znaczenia.
4. Swobodnie używaj strzałów reakcji
Niektóre z najlepszych, najbardziej emocjonalnych momentów pojawiają się, gdy aktor nie mówi, ale zamiast tego słucha i reaguje. Skorzystanie z tego może również otworzyć wspaniałe możliwości zmiany aranżacji i przycinania sceny.
5. Przyjdź późno, wyjdź wcześnie
Emocjonalny rdzeń sceny, wszystkie dobre rzeczy, które naprawdę tworzą lub psują występ, zwykle mają miejsce w środku sceny. Na tym powinieneś się skupić.
6. Wytnij „proces”
Jest to podobne do poprzedniej wskazówki. Często sceny zaczynają się i kończą dialogiem opisowym, który nie jest konieczny, ponieważ widzowie wyraźnie widzą, co się dzieje. Wytnij puch i po prostu przejdź do dobrych rzeczy.
7. Odtwórz dialog poza kamerą
Jest to zgodne z ideą częstego używania ujęć reakcji, ale idzie dalej. Gdy dialog jest poza ekranem, możesz robić różne kreatywne rzeczy, w tym większość innych powyższych wskazówek. Korzystaj więc z ujęć reakcji, POV, przekrojów i tym podobnych.
8. Nie okazuj słabości
Kiedy natkniesz się na małe fragmenty występu, które nie są odpowiednie, spróbuj znaleźć sposób, aby je wyciąć lub ominąć.
9. Wykorzystaj niczego nie podejrzewające chwile uchwycone kamerą
Czasami aparat kręci się przed lub po ujęciu, a czasami rejestruje naprawdę autentyczne chwile. Może to być tak proste, jak lekki uśmiech lub niezręczne spojrzenie.
Warto zauważyć, że im bardziej profesjonalne jest pisanie, reżyserowanie i aktorstwo, tym mniej prawdopodobne będzie, że będziesz potrzebować niektórych z tych wskazówek. Jednak dla tych z nas, którzy pracują nad niskobudżetowymi produkcjami i edytują sceny z nieprofesjonalnymi aktorami, te techniki montażu mogą pomóc w stworzeniu niesamowitych przedstawień i uzyskaniu pełnego efektu Kuleshov, nawet jeśli surowy materiał był nieco szorstki.