Faza 1:Konceptualizacja i planowanie („dlaczego” i „co”)
Jest to prawdopodobnie najważniejsza faza. Silna koncepcja poprowadzi twoje wybory techniczne i podniesie twój wizerunek.
1. Zdefiniuj swoją wizję:Podstawowy pomysł
* Jaką historię chcesz opowiedzieć? Czy pokazujesz siłę, podatność, tajemnicę, radość lub coś innego? Pomyśl poza „ładnym obrazem”.
* Jaki nastrój chcesz wywołać? Szczęśliwy, melancholijny, energiczny, spokojny itp. To dyktuje oświetlenie, kolory i pozowanie.
* Jaką wiadomość próbujesz przekazać? Czy istnieją szczególne emocje, pomysł lub doświadczenie, które chcesz komunikować z widzem?
* Inspiracja: Spójrz na innych fotografów, obrazy, filmy, modę, sztukę. Nie kopiuj, ale używaj ich jako odskoczni do własnych pomysłów. Pinterest i Instagram to świetne punkty początkowe.
2. Temat i casting:
* Rozważ swój model: Czy ucieleśniają cechy, które chcesz przedstawić? Ich osobowość, cechy fizyczne i poziom komfortu są kluczowe.
* Casting Street: Nie lekceważ siły zbliżania się do kogoś, kto przyciąga ci wzrok. Szanuj i jasno wyjaśnij swoją wizję.
* Model profesjonalny: Profesjonalista będzie na ogół bardziej komfortowy z kierunkiem i pozowaniem. Rozważ ich doświadczenie i książkę na podstawie swojego budżetu.
* Zbuduj związek: Poznaj swój model! Zrozumienie ich pochodzenia i osobowości może pomóc ci uchwycić autentyczne momenty.
3. Zwiadowcze:
* Pomyśl o środowisku: Wewnątrz czy na zewnątrz? Miejski czy naturalny? Jakie elementy w lokalizacji wspierają Twoją koncepcję?
* Rozważ światło: Jak światło pada o różnych porach dnia? Złota godzina (krótko po wschodzie słońca i przed zachodem słońca) zwykle jest pochlebna. Poszukaj ciekawych cieni i atrakcji.
* z góry: Odwiedź potencjalne lokalizacje wcześniej. Zajmij zdjęcia z telefonem lub aparatem, aby zobaczyć, jak wyglądają światło i tło.
* zezwolenia: Sprawdź, czy potrzebujesz zezwoleń na strzelanie w określonym miejscu, zwłaszcza przestrzenie publiczne.
4. Wardrobe &Styling:
* Wybierz odzież, która obsługuje Twoją koncepcję: Kolory, tekstury i style mogą przyczynić się do nastroju.
* koordynuj z lokalizacją: Unikaj zderzania kolorów lub wzorów, które odwracają uwagę od obiektu.
* Rozważ makijaż i włosy: Prosty, naturalny czy odważny i dramatyczny? Ponownie powinno to być zgodne z twoją ogólną wizją.
* rekwizyty: Użyj rekwizytów, aby dodać warstwy znaczenia lub zainteresowania wizualnego. Uważaj, aby nie przepełnić strzału.
5. Szkicowanie i scenariusze:
* Wizualizacja ujęcia: Naszkicuj pozy, kompozycje i pomysły na oświetlenie. Pomaga to wyjaśnić swoją wizję i przekazać ją modelu i ekipie.
* storyboarding: Jeśli planujesz serię strzałów, scenariusz może pomóc Ci zapewnić spójność wizualną i opowiedzieć spójną historię.
Faza 2:Aspekty techniczne („jak”)
1. Ustawienia aparatu:
* apertura:
* szeroka apertura (np. f/1.8, f/2.8): Tworzy płytką głębokość pola, rozmywając tło i izolując podmiot. Dobry, aby skupić uwagę na oczach.
* wąska apertura (np. f/8, f/11): Utrzymuje więcej sceny. Przydatny do portretów środowiskowych, w których chcesz, aby tło było ostre.
* Sprawa migawki:
* Szybszy czas otwarcia migawki (np. 1/200th, 1/500th): Zamraża ruch. Przydatny do przechwytywania akcji lub strzelania w jasnym świetle.
* Wolniejszy czas otwarcia migawki (np. 1/60, 1/30): Tworzy zamazanie ruchu (celowo lub nieumyślnie, jeśli nie jesteś stabilny). Użyj statywu do powolnych czasów otwarcia migawki.
* ISO:
* Low ISO (np. 100, 200): Minimalizuje hałas (ziarno). Używać w dobrych warunkach oświetlenia.
* High ISO (np. 800, 1600, 3200+): Zwiększa wrażliwość na światło, umożliwiając strzelanie w ciemniejszych środowiskach. Ale zwiększa także hałas. Staraj się zachować jak najniższe.
* Tryb fotografowania:
* priorytet apertury (av lub a): Ustawiasz otwór, a aparat wybiera czas otwarcia migawki. Dobry do kontrolowania głębokości pola.
* Manual (M): Kontrolujesz zarówno przysłonę, jak i czas otwarcia migawki. Oferuje najbardziej kreatywną kontrolę, ale wymaga większej wiedzy.
* Priorytet migawki (TV lub S): Ustawiasz czas otwarcia migawki, a aparat wybiera otwór. Dobry do ruchu.
* Bilans biały: Ustaw równowagę białą odpowiednio dla warunków oświetlenia (np. Światło dzienne, pochmurne, wolframy). Możesz także dostosować go w przetwarzaniu po przecenianiu.
* Tryb ostrości:
* Jednopunkt AF: Precyzyjne skupienie się na określonym punkcie (jak oko).
* Ciągłe AF: Śledzi poruszające się tematy.
* Tryb pomiarowy:
* Pomiar oceny/macierzy: Kamera ocenia całą scenę i próbuje znaleźć najlepszą ekspozycję.
* Metry punktowe: Mierzy światło w małym obszarze. Użyj tego, aby upewnić się, że twarz pacjenta jest odpowiednio odsłonięta.
2. Oświetlenie:
* naturalne światło:
* złota godzina: Godzina po wschodzie słońca i przed zachodem słońca wytwarza ciepłe, miękkie światło.
* Otwórz odcień: Strzelanie w cieniu pozwala uniknąć ostrych cieni.
* rozproszone światło słoneczne: Strzelanie w pochmurny dzień zapewnia miękkie, nawet oświetlenie.
* sztuczne światło:
* Bezgazowe światła (miga): Przenośne i wszechstronne. Może być stosowany na aparacie lub poza kamerą.
* strobes (studio flash): Potężniejsze niż błyskawice. Często używane w ustawieniach studyjnych.
* ciągłe światła (diody LED): Pozwól ci zobaczyć światło w czasie rzeczywistym.
* Modyfikatory oświetlenia:
* reflektory: Odbij światło, aby wypełnić cienie.
* dyfuzory: Zmiękczyć ostre światło.
* softboxes: Twórz miękkie, nawet lekkie.
* parasole: Podobne do softboxów, ale bardziej przenośne.
* żele: Zmień kolor światła.
* Wspólne konfiguracje oświetlenia:
* Konfiguracja jednorodka: Proste i skuteczne.
* Konfiguracja dwóch świateł: Światło kluczowe i wypełnij światło.
* oświetlenie obręczy (podświetlenie): Oddziela podmiot od tła.
3. Kompozycja:
* Zasada trzeciego: Podziel ramkę na dziewięć równych części i umieść kluczowe elementy wzdłuż linii lub na skrzyżowaniach.
* wiodące linie: Użyj linii, aby poprowadzić oko widza przez obraz.
* przestrzeń ujemna: Pozostaw pustą przestrzeń wokół tematu, aby stworzyć poczucie równowagi i skupienia.
* Symetria i wzory: Użyj elementów symetrycznych lub powtarzających się wzorców, aby stworzyć atrakcyjną wizualnie kompozycję.
* kadrowanie: Użyj elementów w środowisku, aby oprawić temat.
* kąt widoku:
* pozioma oczu: Tworzy poczucie połączenia.
* niski kąt: Sprawia, że obiekt wygląda potężny.
* Wysoki kąt: Sprawia, że temat wygląda na wrażliwego.
* Cropping: Uprawienie może znacząco zmienić wpływ zdjęcia. Eksperymentuj z różnymi uprawami w przetwarzaniu końcowym.
4. Pozowanie:
* Komunikuj się wyraźnie: Podaj swoje modelowe instrukcje.
* start proste: Zacznij od podstawowych pozycji i stopniowo dodaj złożoność.
* Zwróć uwagę na szczegóły: Pozycja dłoni, stóp i głowy może mieć dużą różnicę.
* stwórz ruch: Poproś model o nieznacznie przemieszczanie się między strzałami, aby stworzyć naturalne odmiany.
* Zachęcaj do naturalnych wyrażeń: Porozmawiaj ze swoim modelem, opowiedz żarty lub odtwarzaj muzykę, aby stworzyć zrelaksowaną atmosferę.
* Unikaj sztywności: Powiedz swojemu modelowi, aby rozluźnił ramiona i szczękę.
* Pochlebiające pozy: Ogólnie rzecz biorąc, lekkie obracanie ciała na bok jest bardziej pochlebne niż skierowanie się do kamery.
Faza 3:Strzelanie i wykonanie („Action”)
1. Skonfiguruj: Przygotuj swoją lokalizację, oświetlenie i ustawienia aparatu * przed * Model nadejdzie (jeśli to możliwe). To pokazuje profesjonalizm i szanuje ich czas.
2. Kluczem jest komunikacja: Ciągle komunikuj się z modelem. Przekaż informacje zwrotne, oferuj zachętę i spraw, aby czują się komfortowo.
3. Recenzja obrazów: Regularnie przejrzyj swoje zdjęcia na ekranie LCD aparatu. Pozwala to dokonywać regulacji ustawień, oświetlenia lub pozowania w razie potrzeby.
4. Eksperyment!: Nie bój się próbować nowych rzeczy. Eksperymentuj z różnymi kątami, pozami i konfiguracją oświetlenia. Tutaj odkrywasz unikalne perspektywy.
5. Wariacji przechwytywania: Strzelaj różne pozy, wyrażenia i kompozycje. Daje to więcej opcji do wyboru w przetwarzaniu końcowym.
Faza 4:przetwarzanie końcowe („udoskonalenie”)
1. Oprogramowanie: Adobe Lightroom i Adobe Photoshop to standardy branżowe. Uchwycenie jednego to kolejna popularna opcja.
2. Podstawowe korekty:
* Ekspozycja: Dostosuj ogólną jasność obrazu.
* kontrast: Dostosuj różnicę między wyświetleniami i cieniami.
* Podprawy i cienie: Odzyskaj szczegóły na wyświetleniach i cieniach.
* białe i czarne: Ustaw białe i czarne punkty, aby zmaksymalizować zakres dynamiczny.
* Clarity &Dehaze: Dodaj lub usuń przejrzystość i mgły. Używaj ich oszczędnie.
* Vibrance &Neatation: Dostosuj intensywność kolorów.
3. Korekta kolorów:
* Bilans biały: Dostosuj bilans biały, aby zapewnić dokładne kolory.
* Gradowanie kolorów: Stwórz określony nastrój lub styl, dostosowując kolory na obrazie.
4. Retrousing:
* Wygładzanie skóry: Zmniejsz skazy i zmarszczki (bądź subtelny!).
* Dodge &Burn: Rozjaśnia się i ciemnienie określone obszary w celu zwiększenia kształtu i wymiaru.
* Separacja częstotliwości: Bardziej zaawansowana technika retuszowania skóry.
* Ulepszenie oka: Wyostrz i rozjaśnij oczy (ponownie, subtelnie).
5. Wyostrzenie: Wyostrz obraz, aby zwiększyć szczegóły. Uważaj, aby nie nadmiernie wybierać.
6. Redukcja szumu: Zmniejsz szum na obrazie, zwłaszcza jeśli strzelasz na wysokie ISO.
7. Cropping: Dostosuj kompozycję.
8. Ustawienia eksportu: Wybierz odpowiedni format pliku (JPEG dla sieci, TIFF dla drukowania) i rozdzielczość do zamierzonego użycia.
Kreatywne techniki podnoszenia portretów:
* Podwójna ekspozycja: Połącz dwa lub więcej obrazów w jedno.
* Długa ekspozycja: Użyj powolnego czasu otwarcia migawki, aby utworzyć rozmycie ruchu lub przechwycić lekkie szlaki.
* Fotografia w podczerwieni: Oddaje światło, które jest niewidoczne dla ludzkiego oka, tworząc surrealistyczne i eteryczne obrazy.
* Creative Lighting: Eksperymentuj z kolorowymi żelami, niezwykłymi źródłami światła lub malowaniem światłem.
* Kompozycja abstrakcyjna: Skoncentruj się raczej na kształtach, teksturach i wzorcach niż dosłownej reprezentacji.
* Niekonwencjonalne lokalizacje: Strzelaj w nieoczekiwanych lub opuszczonych miejscach.
* rekwizyty o znaczeniu: Wybierz rekwizyty, które mają znaczenie symboliczne lub osobiste.
* Odkształcenie: Użyj soczewek lub filtrów, aby zniekształcić obraz.
* Shoots: Wybierz konkretny temat (np. Vintage, futurystyczny, fantasy) i stwórz wszystkie aspekty wokół niego.
Kluczowe wyniki:
* Ćwicz regularnie: Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
* przestudiuj pracę innych: Przeanalizuj pracę fotografów, których podziwiasz i spróbuj zrozumieć ich techniki.
* Bądź cierpliwy: Tworzenie świetnych portretów wymaga czasu i wysiłku.
* Bądź otwarty na informacje zwrotne: Poproś o konstruktywną krytykę ze strony innych fotografów.
* Opracuj swój własny styl: Nie bój się eksperymentować i znaleźć własny unikalny głos. To jest klucz do wyróżnienia się.
* baw się dobrze! Fotografia powinna być przyjemnym procesem.
Powodzenia i baw się dobrze tworząc! Pamiętaj, że celowe łamanie zasad może być tak samo skuteczne, jak ich śledzenie, ale najpierw zrozumienie zasad jest niezbędne.