i. Rozważania i planowanie przed shoot
* koncepcja i wizja: To najważniejsza część!
* Jaką historię chcesz opowiedzieć? Czy dążysz do szczęśliwego, poważnego, tajemniczego, ostrego lub klasycznego wyglądu? Historia poinformuje wszystko inne.
* tablica nastroju: Utwórz wizualną tablicę odniesienia (Pinterest jest świetna!) Z obrazami, które przechwytują wygląd i odczuć. Uwzględnij inspirację do pozowania, oświetlenia, kolorów i kompozycji.
* Komunikuj się z tematem: Omów wcześniej wizję z tematem. Pomaga im to czuć się komfortowo i pewni siebie. Pokaż im tablicę nastroju. Zdobądź ich wkład. Współpraca prowadzi do lepszych wyników.
* Lokalizacja, lokalizacja, lokalizacja:
* Scouting: Odwiedź lokalizację z wyprzedzeniem, aby ocenić światło, tło i potencjalne przeszkody.
* wybór tła: Rozważ kolor, teksturę i poziom rozproszenia tła. Proste, uporządkowane tło często działa najlepiej, ale znaczące lub interesujące wizualnie tło może dodać kontekst. Pomyśl o tym, jak wpłynie to na kompozycję.
* naturalne vs. studio: Czy będziesz kręcić na świeżym powietrzu z naturalnym światłem lub w studio ze sztucznym oświetleniem? Ta decyzja drastycznie wpływa na twoje podejście.
* przekładnie Prep:
* kamera: DSLR lub kamery bezlusterkowe są ogólnie preferowane dla portretów ze względu na ich większe czujniki i opcje obiektywu. Ale nie pozwól, aby sprzęt cię ograniczył - dobry aparat smartfona może robić cuda w odpowiednich rękach.
* wybór obiektywu:
* 50 mm: Klasyczny obiektyw portretowy. Wszechstronny, niedrogi i wytwarza pochlebną perspektywę.
* 85 mm: Idealny do ściślejszych portretów i tworzy piękny rozmycie tła (Bokeh). Często uważane za „złoty standard” dla portretów.
* 35 mm: Dobry do portretów środowiskowych, pokazujący więcej otoczenia podmiotu.
* Zoom soczewki (np. 24-70 mm, 70-200 mm): Oferuj elastyczność, ale może nie mieć takiej samej wydajności o słabym świetle lub bokeh jak soczewki główne.
* oświetlenie (w razie potrzeby):
* reflector: Prosty i niedrogi sposób odbicia światła i wypełnienia cieni.
* Bezgazowy (Flash): Do dodania światła kierunkowego lub obezwładnienia ostrego światła słonecznego.
* stroby studio: Potężne i wszechstronne opcje oświetlenia dla ustawień studyjnych.
* softboxes/parasol: Rozpraszaj i zmiękcz światło z strobów lub świateł wypraw.
* Inne akcesoria: Statyw (dla pozycji statycznych, niskiego światła), filtrów soczewek (polaryzator, filtr ND), karty pamięci, dodatkowe baterie.
ii. Ustawienia aparatu
* Tryb fotografowania:
* priorytet apertury (av lub a): Pozwala kontrolować głębokość pola (ile obrazu jest w ogóle), podczas gdy aparat automatycznie dostosowuje czas otwarcia migawki. Idealne do portretów, w których chcesz niewyraźne tło.
* Manual (M): Zapewnia pełną kontrolę nad otworem, czasem otwarcia migawki i ISO. Wymaga większej praktyki, ale zapewnia największą elastyczność.
* Priorytet migawki (TV lub S): Zamraża ruch. Rzadziej używany, ale może być przydatny do portretów akcji.
* apertura (f-stop):
* szeroka apertura (np. f/1.4, f/1.8, f/2.8): Tworzy płytką głębokość pola, rozmywając tło i izolując podmiot. Idealny do portretów zbliżenia. Uważaj, aby oczy były w centrum uwagi!
* węższa apertura (np. f/5.6, f/8): Zwiększa głębię pola, skupiając się na większej scenie. Przydatny do portretów grupowych lub portretów środowiskowych.
* Sprawa migawki:
* Szybka czas otwarcia migawki (np. 1/200, 1/500th): Zamraża ruch i pomaga zapobiegać wstrząsie aparatu. Ważne podczas strzelania do ręcznego lub w jasnym świetle.
* Wolniejszy czas otwarcia migawki (np. 1/60, 1/30): Umożliwia więcej światła do wprowadzania aparatu, ale może wprowadzić rozmycie ruchu, jeśli obiekt się porusza lub nie używasz statywu.
* Zasada Tumb: Użyj czasu otwarcia migawki, która jest przynajmniej wzajemna twojej ogniskowej (np. Jeśli strzelasz przy 50 mm, użyj czasu migawki co najmniej 1/50 sekundy).
* ISO:
* Low ISO (np. 100, 200): Produkuje najczystsze obrazy o najmniejszej ilości szumu. Używać w jasnym świetle.
* wyższe ISO (np. 800, 1600, 3200+): Zwiększa wrażliwość kamery na światło, umożliwiając strzelanie w ciemniejszych warunkach. Może jednak wprowadzić szum (ziarno) do obrazu. Staraj się utrzymywać ISO tak niskie, jak to możliwe.
* Bilans biały:
* Auto White Balance (AWB): Kamera próbuje odgadnąć prawidłową równowagę białą. Często działa dobrze, ale może być niedokładne w niektórych warunkach oświetlenia.
* Custom White Balance: Użyj szarej karty, aby kalibrować bilans białych.
* Preset White Balance (np. Światło dzienne, pochmurne, wolframy): Wybierz ustawienie wstępne, które najlepiej pasuje do warunków oświetlenia.
* RAW Format: Strzelanie w RAW pozwala dostosować równowagę białych w przetwarzaniu po przetwarzaniu bez utraty jakości obrazu.
* Focusing:
* Autofocus jednopunktowy (AF-S lub jeden strzał): Koncentruje się na jednym punkcie i ostrzeżeniem. Dobry dla podmiotów statycznych. Skoncentruj się na oczach! Są oknem na duszę.
* Ciągłe autofocus (AF-C lub AI Servo AF): Ciągle dostosowuje koncentrację w miarę poruszania się przedmiotu. Dobry do ujęć akcji.
* Manual Focus (MF): Skoncentruj się ręcznie przy użyciu pierścienia ostrości na obiektywach. Może być przydatne w trudnych warunkach oświetlenia lub gdy autofokus walczy.
* Tryb pomiarowy:
* Pomiar oceny/macierzy: Kamera analizuje całą scenę i oblicza ekspozycję na podstawie średnich poziomów światła. Często działa dobrze w nawet oświetleniu.
* Metry punktowe: Mierzy światło z niewielkiego obszaru sceny. Przydatne, gdy chcesz wystawić na określoną część obrazu (np. Twarz podmiotu).
* Pomiar ważony w środku: Mierzy światło ze środka sceny, z mniejszym naciskiem na krawędzie.
iii. Techniki oświetlenia
* naturalne światło:
* złota godzina: Godzina po wschodzie słońca i godzinę przed zachodem słońca zapewniają miękkie, ciepłe i pochlebne światło.
* Otwórz odcień: Strzelanie w cieniu budynku lub drzewa zapewnia równomierne, rozproszone światło. Unikaj kadrowego światła słonecznego, które może tworzyć nierówne cienie.
* reflektory: Użyj reflektora, aby odbijać światło z powrotem na twarz pacjenta i wypełnić cienie.
* Unikaj bezpośredniego światła słonecznego: Bezpośrednie światło słoneczne może być surowe i tworzyć niepochlebne cienie. Jeśli musisz strzelać w bezpośrednim świetle słonecznym, spróbuj ustawić obiekt, aby światło pochodziło z boku lub z tyłu.
* sztuczne światło:
* Konfiguracja jednorodka: Zacznij od jednego źródła światła i naucz się, jak go kontrolować.
* Konfiguracja dwóch świateł: Dodaj drugie światło, aby wypełnić cienie lub stwórz separację między obiektem a tłem.
* Trzypunktowe oświetlenie: Klasyczna konfiguracja oświetlenia, która wykorzystuje kluczowe światło (główne źródło światła), światło wypełniające (do wypełnienia cieni) i podświetlenie (w celu oddzielenia obiektu od tła).
* Modyfikatory światła: Użyj softboxów, parasoli lub dań z urody, aby rozproszyć i zmiękczyć światło.
* prędkość synchronizacji flash: Zrozum prędkość synchronizacji błyskowej aparatu (zwykle około 1/200 sekundy), aby uniknąć pasmowania na obrazach.
* Synchronizacja dużych prędkości (HSS): Pozwala używać szybszych czasów otwarcia migawki z lampą błyskową, co może być przydatne do obezwładnienia światła słonecznego lub tworzenia płytkiej głębokości pola.
* Wzory oświetlenia:
* Lighting: Tworzy mały cień w kształcie pętli pod nosem. Pochlebne dla większości twarzy.
* Rembrandt Lighting: Tworzy trójkąt światła na policzku naprzeciwko źródła światła. Dramatyczny i nastrojowy.
* podzielone oświetlenie: Światła połowa twarzy, tworząc dramatyczny i ostry wygląd.
* oświetlenie motyli: Umieszcza źródło światła bezpośrednio przed obiektem, tworząc symetryczny cień pod nosem. Znany również jako Paramount Lighting.
iv. Pozowanie i skład
* pozowanie:
* komunikacja jest kluczowa: Skieruj swój temat z jasnymi i zwięzłymi instrukcjami.
* Relaksation: Pomóż swojemu obiektowi zrelaksować się i czuć się komfortowo. Porozmawiaj z nimi, odtwarzaj muzykę i przekazuj im pozytywne opinie.
* kąty: Eksperymentuj z różnymi kątami. Strzelanie pod nieco wyższym kątem może być pochlebne, podczas gdy strzelanie z niższego kąta może sprawić, że badany wydawał się mocniejszy.
* Unikaj sztywnych pozy: Zachęcaj do naturalnego ruchu i gestów.
* Hands: Zwróć uwagę na ręce. Mogą być potężnym narzędziem do wyrażania, ale mogą również rozpraszać uwagę, jeśli są niezręcznie ustawione.
* Wyrażenia twarzy: Zachęcaj do prawdziwych uśmiechów i wyrażeń. Poproś podmiot, aby pomyśleć o czymś, co sprawia, że są szczęśliwi lub przypomnieć sobie śmieszne wspomnienie.
* Język ciała: Rozważ język ciała podmiotu. Czy są otwarte, zachęcające, czy zamknięte i defensywne? Odpowiednio dostosuj pozę.
* Kompozycja:
* Zasada trzeciego: Podziel ramkę na trzecie zarówno poziomo, jak i pionowo, i umieść kluczowe cechy (np. Oczy) na skrzyżowaniach tych linii.
* wiodące linie: Użyj linii na scenie, aby poprowadzić oko widza do tematu.
* przestrzeń ujemna: Użyj pustej przestrzeni wokół przedmiotu, aby stworzyć poczucie równowagi i izolacji.
* kadrowanie: Użyj elementów na scenie, aby oprawić temat, takie jak drzewa, drzwi lub okna.
* Symetria: Stwórz symetryczne kompozycje dla poczucia równowagi i harmonii.
* Cropping: Przygotuj mocno, aby podkreślić twarz podmiotu lub szersze, aby pokazać więcej środowiska.
v. Processing
* oprogramowanie:
* Adobe Lightroom: Standardowe oprogramowanie do organizowania, edycji i przetwarzania obrazów RAW.
* Adobe Photoshop: Bardziej zaawansowane oprogramowanie do retuszowania, komponowania i tworzenia efektów specjalnych.
* przechwytywaj jeden: Kolejne popularne oprogramowanie do przetwarzania surowego.
* gimp (bezpłatny): Potężna, bezpłatna alternatywa dla Photoshopa.
* Podstawowe korekty:
* Ekspozycja: Dostosuj ogólną jasność obrazu.
* kontrast: Dostosuj różnicę między wyświetleniami i cieniami.
* Podprawy: Dostosuj jasność najjaśniejszych obszarów obrazu.
* Shadows: Dostosuj jasność najciemniejszych obszarów obrazu.
* białe: Dostosuj biały punkt obrazu.
* czarne: Dostosuj czarny punkt obrazu.
* Clarity: Dodaje obraz i ostrość. Używaj oszczędnie.
* vibrance/nasycenie: Dostosuj intensywność kolorów.
* Bilans biały: W razie potrzeby popraw równowagę białej.
* retuszowanie:
* retuszowanie skóry: Wygładzaj niedoskonałości skóry, ale uważaj, aby jej nie przesadzić. Utrzymuj naturalną teksturę.
* Ulepszenie oka: Wyostrz oczy i dodaj odrobinę jasności.
* unikanie i spalanie: Rozjaśnij lub ciemnienie określone obszary obrazu, aby stworzyć większy wymiar i głębokość.
* Gradowanie kolorów:
* Dostosuj tony kolorów obrazu, aby stworzyć określony nastrój lub styl.
* Użyj ustawień o ocenianie kolorów lub stwórz własne.
* wyostrzenie:
* wyostrz obraz, aby wydobyć szczegóły.
* Uważaj, aby nie nadmiernie wybierać, co może tworzyć niechciane artefakty.
* Redukcja szumu:
* w razie potrzeby zmniejszyć szum na obrazie.
* Uważaj, aby go nie przesadzić, co może zmiękczyć obraz.
vi. Przykłady (jak mam * ten * strzał)
Powiedzmy, że ktoś pyta:„Jak dostałeś ten strzał?” Oto jak możesz odpowiedzieć, korzystając z powyższej frameworka:
* Przykład 1:naturalne światło, na zewnątrz
„Chciałem miękkiego, marzycielskiego portretu. Strzeliłem to około godziny przed zachodem słońca podczas Złotej godziny. Mój temat stał w otwartym cieniu w pobliżu drzewa, aby uniknąć ostrego światła słonecznego. Użyłem obiektywu 50 mm na f/2.0, aby stworzyć płytką głębokość pola i rozmyć tło. Moje ISO było o 200, a czas otwarcia migawki na 1/250. Miałem mojego przyjaciela reflectora, aby odrzucić trochę światła. I pomyśl o szczęśliwej pamięci.
* Przykład 2:Portret studyjny z Flash
„To był strzał w studio, którego celem jest klasyczny, dramatyczny wygląd. Użyłem konfiguracji dwóch świateł. Kluczowym światłem był stroboskop z softbox umieszczony pod kątem 45 stopni do obiektu. Zapewnienie ostrości było stroboskopem z parasolem umieszczonym na przeciwnej stronie, aby wypełnić cienie. Sygnania).
vii. Kluczowe wyniki
* Practice czyni idealne: Im więcej strzelasz, tym lepiej będziesz w zrozumieniu światła, pozowania i kompozycji.
* eksperyment: Nie bój się próbować nowych rzeczy i przełamać zasady.
* Ucz się od innych: Przestudiuj pracę fotografów, których podziwiasz i spróbuj zrozumieć, w jaki sposób osiągnęli swoje wyniki.
* baw się dobrze: Fotografia powinna być przyjemna. Jeśli nie dobrze się bawisz, pokaże to w twojej pracy.
* Bądź cierpliwy: Tworzenie świetnych portretów wymaga czasu i wysiłku. Nie zniechęcaj się, jeśli nie dostaniesz go od razu.
w podsumowaniu: Dobre portrety to coś więcej niż tylko ustawienia. Chodzi o połączenie, wizję i zdolność do uchwycenia czegoś prawdziwego i znaczącego.