Storyboard to jedna z metod planowania z wyprzedzeniem i bardzo pomaga w procesie przedprodukcyjnym. Wizualizując swoje ujęcia za pomocą scenorysu, możesz zobaczyć, jak Twoje ujęcia pasują do siebie, zanim nakręcisz jedną stopę filmu lub klatkę wideo, co zapobiegnie marnowaniu zarówno czasu, jak i materiału filmowego. Dobry scenorys pozwala pokazać załodze, co masz na myśli, i oszczędza przed próbami przekazania tego, czego chcesz, za pomocą rozwlekłych wyjaśnień i sfrustrowanych gestów rąk. Kiedy pokażesz swojemu reżyserowi i operatorowi swoje tablice, od razu będą wiedzieć, jakiego rodzaju ujęcia potrzebujesz i jak wykadrować obiekty.
Podczas nauki o kręceniu filmów, płacenia składek jako asystent produkcji lub inny członek ekipy, a nawet po prostu przeszukiwanie Internetu, być może widziałeś misternie szczegółowe storyboardy profesjonalnych artystów. Tablice takie jak te są ładne, ale nie musisz być utalentowanym artystą, aby skutecznie tworzyć storyboardy. Nawet proste figurki z patyków mogą dać ludziom dobre wyobrażenie o tym, jak będzie wyglądać twoja sekwencja ujęć, na przykład ilustracja na rysunku 1.
Powyższy przykład może być prymitywny, ale wyraźnie pokazuje dwa ujęcia z jedną postacią bliżej kamery. Innymi słowy, podstawowe umiejętności artystyczne są w porządku. Musisz jednak wiedzieć, w jaki sposób zamierzasz kadrować tematy swojego filmu. Podstawowa wiedza na temat ujęć kamery w połączeniu z kilkoma prostymi sztuczkami perspektywicznymi pozwoli Ci odwzorować scenę w łatwy do odczytania, wizualny skrót.
Różne rodzaje ujęć
Zacznijmy od krótkiego zestawienia podstawowych ujęć i ich wyglądu:
Strzał z daleka
Ogólnie rzecz biorąc, długie ujęcie obejmuje całe ciało obiektu lub obiektów.
Średni strzał
Średnie ujęcie zazwyczaj przedstawia fotografowaną osobę w dowolnym miejscu, od kolan do tuż nad talią i w górę. Pamiętaj, aby nie odcinać poddanych w kolanach, ani w żadnym innym połączeniu ciała – wygląda to niezręcznie i słabo skomponowane. Spróbuj umieścić je tuż nad lub pod danym złączem.
Zbliżenie
Zbliżenia to miejsca, w których najczęściej widzimy emocjonalną treść sceny. Pozwalają nam z bliska zobaczyć twarze bohaterów, a tym samym ich stan umysłu. Zbliżenia są zwykle oprawione od klatki piersiowej w górę. Czasami jednak mogą być oprawione od czoła do podbródka, a nawet obejmować tylko oczy fotografowanej osoby. Nazywamy to ekstremalnym zbliżeniem.
Ekstremalne zbliżenie
ECU, jak są czasami pisane, dodają dramatyzmu. Te ujęcia czerpią największe korzyści z bardzo wąskiej ostrości. W większości są one używane oszczędnie, ale pojedynczy ECU może dodać prawdziwy cios do sceny.
Mistrzowski strzał
Krótka uwaga na temat głównego ujęcia:jest to termin odnoszący się do ujęcia, które trwa przez całą scenę i pokazuje wszystkie widoczne postacie. To najbardziej konserwatywny sposób inscenizacji sceny. Pomyśl o mistrzowskim ujęciu, jak o oglądaniu spektaklu z zewnątrz. Widzisz cały zestaw i położenie bohaterów względem siebie na scenie. W starszych filmach i produkcjach wielokamerowych, takich jak sitcomy, sceny często zaczynają się od głównego ujęcia, aby zorientować publiczność, a wszystkie pozostałe ujęcia na scenie odnoszą się do tego ujęcia.
Większość produkcji jednokamerowych nie opiera się tak bardzo na głównym ujęciu. Jednak pamiętanie o głównym ujęciu może pomóc w zaplanowaniu reszty listy ujęć. Na przykład, w scenie przedstawiającej rozmowę między dwojgiem ludzi, możesz zdecydować się na przycięcie do zbliżeń każdej rozmawiającej osoby oraz do wstawienia ujęcia przedmiotu, o którym mówią, a następnie przyciąć do głównego ujęcia po każdym z nich . To bardzo prosty sposób edycji sceny.
Jest też kilka specjalnych ujęć, których możesz chcieć użyć w swoim scenorysie. Oto kilka przykładów.
POV
POV, czyli ujęcie z punktu widzenia, jest właśnie tym:pozwala widzom zobaczyć, co dzieje się oczami postaci. Najłatwiejszym sposobem wskazania tego jest pokazanie postaci patrzącej na coś, a następnie przycięcie tego, na co patrzy, pod odpowiednim kątem, aby wyglądało to tak, jakby kamera była na miejscu tej postaci. W naszym przykładzie storyboardu (patrz rysunek 2) kobieta pracuje przy swoim biurku, gdy pies rodzinny wchodzi do ramy (A). Kobieta spogląda w dół (B) i widzi, że pies patrzy na nią, machając ogonem (C). Zwróć uwagę, jak zestawienie ujęć przekazuje widzom POV kobiety i psa.
Zdjęcia POV są zwykle używane oszczędnie, chociaż zdarzały się filmy z całymi sekwencjami kręconymi z punktu widzenia postaci. W rzeczywistości film noir z 1947 roku Lady in the Lake został nakręcony w całości z punktu widzenia głównego bohatera.
Przedstawianie ruchu kamery
Teraz, gdy omówiliśmy kilka podstawowych ujęć, przyjrzyjmy się kilku ważnym ruchom kamery i sposobom przedstawiania ich na stronie:
Obrót/pochylenie
Panoramowanie i pochylanie polega na obrocie w bok lub w górę/w dół aparatu na statywie lub w punkcie obrotowym. To jeden ze sposobów na umieszczenie aparatu na innym obiekcie bez przechodzenia do innego ujęcia. Może być również używany do śledzenia postaci lub postaci, gdy poruszają się w ramce.
Ujęcie panoramiczne można utworzyć, umieszczając najpierw kilka klatek, aby pokazać, gdzie kamera się rozpocznie, a gdzie skończy, a następnie dodaj strzałki opisujące ruch kamery. Na rysunku 3 widzimy ujęcie panoramiczne dla prostej sceny dialogowej.
Jak pokazano, kamera najpierw przechodzi od jednego zestawu znaków do drugiego, a potem z powrotem. Strzałki pokazują kierunek ruchu.
Śledź
Innym sposobem śledzenia obiektów jest ujęcie śledzące. Ten rodzaj ujęć polega na przesunięciu całego aparatu z jednego miejsca do drugiego i często podąża za poruszającym się obiektem. Śledzenie może obejmować przesuwanie kamery z torami lub na wózku lub można to zrobić z ręki.
Na rysunku 4 kamera śledzi biegnącą matkę. Zwróć uwagę na strzałkę wskazującą kierunek kamery.
Powiększ
Powiększanie to ruch obiektywu aparatu, a nie ruch samego aparatu. Powiększanie oznacza dostosowywanie obiektywu do kadrowania bliżej obiektu, podczas gdy zmniejszanie oznacza odwrotnie:dostosowywanie obiektywu do większej ilości sceny. (Patrz rysunek 5)
Ramka wewnętrzna wskazuje, gdzie zaczyna się ujęcie. W miarę postępu akcji kamera wysuwa się, jak pokazują strzałki. Zewnętrzna ramka pokazuje, gdzie kończy się ujęcie — na szerokim kącie pokazującym całe pomieszczenie i wszystkie postacie w kadrze.
Pokaż
Co zrobić, jeśli nie potrzebujesz samej kamery do poruszania się, ale chcesz pokazać postacie poruszające się w kadrze, wychodzące lub przechodzące przez kadr podczas ujęcia? Prostym sposobem na to jest rysowanie strzałek. (Patrz rysunki 6 i 7)
Strzałki mogą również przedstawiać mniejsze ruchy w kadrze, takie jak obracanie głowy. Coś, czego nie widać, porusza się w scenie, nazywa się ujawnieniem.
Zasada 180 stopni
Teraz, gdy omówiliśmy podstawy, oto kilka innych rzeczy, o których należy pamiętać podczas konfigurowania ujęć. Po pierwsze, być może słyszałeś, jak ludzie mówią o „nie przekraczaniu linii”, gdy przygotowują scenę. Używają slangowego określenia zasady lub linii działania 180 stopni, co jest bardzo ważną zasadą praktyczną dla kręcenia filmów. Zademonstrujemy tę zasadę za pomocą prostej sceny dialogowej. Tutaj, główne ujęcie, pokazuje Billa i Carol siedzących razem przy stole (patrz rysunek 8). Teraz wyobraź sobie tę scenę z góry, z prostą linią biegnącą przez środek badanych (patrz rysunek 9).
Utrzymanie kamery po tej samej stronie tej linii – czyli linii 180 stopni – zapewni ciągłość wizualną i zapobiegnie dezorientacji widzów.
Teraz widzimy ten sam schemat z kilkoma możliwymi rozmieszczeniami kamer (Rysunek 10). Zwróć uwagę, że kamery dla A, B i C znajdują się po tej samej stronie linii.
Umieśćmy ujęcia A, B i C w scenorysie. Będzie wyglądał jak na rysunkach 10a, 10b i 10c.
Ta sekwencja strzałów jest zgodna z zasadą 180 stopni. Bill i Carol prowadzą rozmowę. Najpierw mamy mistrzowskie ujęcie ich dwojga, pokazujące widzom, gdzie są w scenie i gdzie są względem siebie nawzajem (rysunek 10a). Następnie zbliżenie Billa (rysunek 10b), a potem jedno Carol (Rysunek 10c.) Kiedy poszczególne ujęcia są edytowane razem, Bill i Carol wydają się być naprzeciw siebie, tak jak w głównym ujęciu.
Spróbujmy teraz zestawić strzały A, B i D z diagramu. Scenorys będzie wyglądał dezorientująco, jak na rysunkach 11a, 11b i 11d.
Ta sekwencja ujęć jest dezorientująca, ponieważ łamie zasadę 180 stopni. Zauważ, że Bill i Carol wyglądają teraz tak, jakby byli zwróceni w tym samym kierunku, zamiast patrzeć na siebie przez stół? Trzymanie kamery po jednej stronie akcji oszczędzi Ci wielkiego bólu głowy w montażowni!
Kilka ostatnich wskazówek
Teraz, gdy jesteś wyposażony w odniesienia wizualne i podstawowe słownictwo ujęć, oto kilka innych rzeczy do zapamiętania. Jak właśnie widzieliśmy, dobry scenorys może uniemożliwić reżyserowanie scen, które są dezorientujące lub wizualnie monotonne. Kiedy wcześniej zilustrujesz swoje ujęcia, zobaczysz, jak będą się ciąć. Z drugiej strony nie przesadzaj z dziesiątkami różnych strzałów. Pamiętaj, że każde ujęcie wymaga czasu na przygotowanie, co oszczędza czas i pracę załogi.
Wreszcie, zawsze opłaca się ćwiczyć! Możesz to zrobić, nawet jeśli nie masz własnego skryptu do pracy. Obejrzyj scenę z Twojego ulubionego filmu. Usiądź z ołówkiem i papierem i przejdź przez ujęcie po ujęciu. Skopiuj każde ujęcie na swój papier, korzystając z przykładów z tego artykułu jako odniesienia – pamiętaj, że kreski są w porządku.
Podczas rysowania zastanów się nad wyborem ujęcia. W jaki sposób dobór ujęć wpływa na ogólny nastrój sceny? Czy jest dużo emocjonalnych zbliżeń, czy reżyser używa szerokich ujęć, by oddać dystans lub samotność? Czy trzyma się ściśle głównego ujęcia, czy scena jest pełna ruchu? Spojrzenie na prace innych reżyserów może wiele nauczyć o tworzeniu scen. Nie musisz nawet podnosić aparatu, aby to zrobić!