Niesamowite portrety twórców obrazów miały premierę na Tribeca 2019, a kilka nowych filmów dokumentalnych w harmonogramie potwierdza wartość intymnych opowieści.
Na tegorocznym festiwalu filmowym Tribeca kilka nowych filmów dokumentalnych ujawnia moc opowiadania historii za pomocą kamery. Oto nasze przemyślenia.
Martha:filmowa opowieść
Kiedy New York Post Fotograf Martha Cooper przeczesywał Alphabet City w poszukiwaniu obrazów wypełniających w latach 70., sztuka uliczna była wschodzącym, efemerycznym aktem transgresji. Graffiti nie było jej tematem jako fotograf — jeszcze. Miała coś wspólnego z tymi anonimowymi outsiderami, którzy tworzyli własne światy na ceglanych ścianach. Ich gra tworzyła radość z tego, co było wokół. Coopera pociągnęło wtedy zdumienie, zwłaszcza że należało do dzieciaków, które bawiły się w zniszczonych dzielnicach, podczas gdy nowojorska gospodarka nieruchomościami szwankowała. Obrazy, które Cooper znalazł między wiadomościami, były magiczne w codziennej ponurości. Możesz rozpoznać niektóre z dzieci, które sfotografowała:chłopca trzymającego tryskający hydrant przeciwpożarowy, młodego mężczyznę z gołębiem na dłoni na tle panoramy Nowego Jorku. Artyści tacy jak Shepherd Fairey i Banksy przywłaszczyli sobie obrazy Coopera w hołdzie.
Wiele wczesnych prac Coopera w Nowym Jorku zawierało w tle pogrubione tagi. Później znalazła pokrewne dusze u artystów graffiti i zasłynęła dokumentowaniem ich pracy w swojej książce fotograficznej Sztuka metra . Pierwszy pełnometrażowy film dokumentalny Seleny Miles, Martha:Opowieść obrazkowa, nawiązuje do szeroko zakrojonego wpływu tego tomu, nazywanego przez wielu entuzjastów i artystów sztuki ulicznej „Biblią”.
Film natychmiast przyciąga widzów do „Marty” Cooper i jej twórczości. W wieku 34 lat została pierwszą kobietą, która kiedykolwiek pracowała jako fotograf pracowniczy w Opublikuj i zaczął budować skarbnicę wylewnych prac skatalogowanych w Martha:A Picture Story . Każda szybko trafiona archiwalna sekwencja slajdów i zwinny, wymagający krój to haczyk w tym zaraźliwie żywym dokumencie. Martha:historyjka obrazkowa to film o tym, jak kultura wizualna rozprzestrzeniła się przed internetem. Ekscytacja związana z odkrywaniem tej kultury — a dla Coopera, jak to było zobaczyć ją po raz pierwszy i rozpowszechnić — jest sercem filmu. Ścieżka dźwiękowa pełna funku i groove pasuje zarówno do energii Cooper, jak i jej zadziwionych wielbicieli.
Miles jest australijskim filmowcem samoukiem, który nakręcił czysty film hi-fi dzięki Martha:A Picture Story . Widzowie mogą zobaczyć współczesną Cooper w wieku 70 lat, jeżdżącą z zakapturzonymi artystami graffiti, dyskutującą o impulsach dla swojej pracy. Pośpiech, który sprawił, że nocą wróciła na ulicę z tymi anonimowymi postaciami, jest tak silny i lekki. Kiedy kuratorka mówi Cooperowi, że ludzie nie traktują uśmiechniętych twarzy tak poważnie, jeśli chodzi o zdjęcia, jej śmiech odbija się od zatęchłej białej galerii wokół nich. Cooper zwiedza wolnostojące, chronione przez bramę mury z graffiti w Miami i zastanawia się, czy jej zdjęcia mogą być nadal aktualne, gdy medium jest tak ograniczone i łatwe do umieszczenia na Instagramie. Martha:historyjka obrazkowa dowodzi użyteczności duchów takich jak Cooper, gdy miasta uszlachetniają, a niesankcjonowane tagi i murale — zapis historii narodu — są zamalowywane.
Znajdź pozostałe pokazy publiczne tutaj.
Wszystko, co mogę powiedzieć
Shannon Hoon, frontman Blind Melon, był znany w swoim wewnętrznym kręgu z tego, że kręcił większość każdej chwili od 1990 roku do dnia swojej śmierci w 1995 roku. Te sugestywne i prywatne chwile zostały połączone przez reżyserów Danny'ego Clincha, Taryn Gould i Colleen Hennessy, która również przypisuje Hoonowi. jako reżyser. Rezultatem jest słodko-gorzki i rozdzierający hołd dla niezaprzeczalnego potencjału Hoona jako filmowca.
Koledzy Hoona z zespołu nieustannie go wyrzucają, że „bawi się jego kamerą wideo” przed występami o wysoką stawkę; jego ukochana z liceum, Lisa, żąda, by przestał się toczyć, gdy są sami. Chwile w całym filmie delikatnie przeciwstawiają się ich narzekaniom i potwierdzają najwyższą wartość kamery jako posłańca. Piosenkarz/gitarzysta nagrywa telewizję, gdy rozbłysły wieści o zamieszkach w Los Angeles, a reporter wspomina o „fotografie amatorskim” (George Holliday), który nakręcił i opublikował kluczowe nagranie, w którym policja biła Rodneya Kinga. Teledysk Blind Melona do „No Rain” jest powodem, dla którego singiel osiągnął siódme miejsce na listach przebojów Billboard rok po wydaniu albumu, dowiadujemy się z materiału filmowego Hoona.
Jego wrażliwość waha się od cierpliwie neorealistycznej, przez czule głupkowatą, aż po rażąco osobistą. Hoon, mieszkaniec Środkowego Zachodu, jawi się jako niezachwiana, ale delikatna dusza. Spuszcza złą recenzję do toalety przed kamerą i nagrywa rozmowę telefoniczną ze swoim tatą w przeddzień wyroku więzienia za jazdę pod wpływem. Hoon oszukuje przed kamerą, gdy jedzie przez kraj Amiszów w pobliżu swojego rodzinnego miasta Lafayette u progu przeprowadzki do Los Angeles, pływa w basenie ze swoimi nowymi, sławnymi kolegami z zespołu i odbiera pierwszy telefon w sali porodowej z Lisa i jego córeczka. To także małe, znudzone chwile pomiędzy nimi, które uświadamiają nasze zmysły, kim był południe i co oznaczał dla niego jego aparat.
Wszystko, co mogę powiedzieć mówi to bezpośrednio. Reporter pyta Hoona o religijne odniesienia w tekstach takich piosenek jak „Holyman”, a on odpowiada wymownie:nie wierzy w religię, ale opisuje swoje doświadczenie Boga jako „siedzenie samotnie i rozmawianie z kimś”, rytuał, którego przestrzega. ze swoim aparatem. Hoon jest widziany i najlepiej poznany przez aparat, bez którego nigdy nie jest. Ta komunia była czymś, czym chciał się podzielić ze światem. Jest pod sam koniec, kiedy mówi to wprost. „Chcę dostać się do filmu” – wyznaje. Blind Melon jest za duży, życie jest zbyt zajęte, mówi. I wystarczająco trudno jest wyjść na prostą w trasie po próbie odwyku z powodu narkotyków i alkoholu. Hoon nagrał się w hotelowym łóżku, mówiąc Lisie przez telefon, jak bardzo musi wysiąść z autobusu wycieczkowego i być tam, gdy ich córka wypowiada swoje pierwsze słowa. To ostatnia klatka archiwum Hoona, zrobiona kilka godzin przed tym, jak nie odpowiada w autobusie w dniu jego śmierci.
Pełne szacunku channelingi wykonane przez zespół filmowców — zwłaszcza montaż Goulda — były nie mniej niż duchowym przedsięwzięciem. Efektem ich opieki jest przerażający film, który jest wierny wizji Hoona wyrażonej w jego obrazach i słowach. Po tym, jak został tak pochłonięty światem Hoona, można sobie wyobrazić, że muzyk jest zachwycony kształtem, jaki przybrała jego praca. Gdyby tylko zakończenie mogło się zmienić.
Znajdź pozostałe pokazy publiczne tutaj.
Dziecko z Coney Island
Na każdą niedoszłą osobę publiczną, która jest uzdolniona i zainteresowana opowiadaniem własnej historii, inna nie jest w stanie zsyntetyzować swoich doświadczeń i przemówić do innych. Od tych sił mogą zależeć całe kariery. Media notorycznie wykorzystują niezrozumianych graczy NBA jako główne linie plotek i dramatów. Kiedy Zatella Beaty głęboko wzrusza Iversona ukazał się w 2014 roku, publiczność w końcu wchłonęła całą historię za zuchwałą powierzchownością 11-krotnej gry NBA All Star. Filmy takie jak jej przekraczają lata dźwięków słyszanych przez fanów.
Jest chwila w Dziecko z Coney Island kiedy Stephen A. Smith wyjaśnia to doskonale. Powodem, dla którego Stephon Marbury był tak znienawidzony przez fanów Knicks, jak mówi, jest to, że nigdy nie nawiązał silnej relacji z kimś — dziennikarzem, trenerem — kto mógłby rozpowszechniać przesłanie o tym, kim jest i skąd pochodzi. Filmowcy Coodie Simmons i Chike Ozah (film Kanye Westa „Through The Wire”) zrobili to dla Marbury z poruszającą głębią w Dziecko z Coney Island. W tym dokumencie nie można zaprzeczyć, że przyjaciele i rodzina Marbury'ego odczuwają pilną potrzebę przekazania jego przemiany dzięki wywiadom nakręconym pod bardzo różnymi kątami w żywych sceneriach dostosowanych do każdego tematu. Nawet claymation jest używany do artykulacji scen z presji awansu Marbury do Minnesoty Timberwolves w wieku 20 lat.
Raper i bliski towarzysz Fat Joe, matka i rodzeństwo Marbury oraz koledzy z dworu zapewniają uderzający zakres emocjonalny. Film toczy się z prędkością ulicznej piłki w Nowym Jorku, opowiadając historię butów do koszykówki o dobrych intencjach, ale nieudanych za 15 dolarów (LeBron zrujnował wszystko swoją negatywną recenzją), jego standardowego starcia osobowości z niesławnie trudnym trenerem Knicks, Larrym Brown i jego pragnienie od wczesnego dzieciństwa, by wykupić swoją rodzinę z biedy z kontraktem NBA. Widzimy dzisiejszego Marbury'ego w ciele, kiedy wyjeżdża do Chin na wygnanie i staje się nową osobą po śmierci ojca prawie całkowicie odepchnęła go od koszykówki.
Sceny nakręcone w zakładzie fryzjerskim na Coney Island po przejściu Stephona na emeryturę pokazują, że mieszkaniec Nowego Jorku wyraża swoje cele w sposób, którego nigdy wcześniej nie potrafił. Mówi małemu chłopcu, który ma zamiar dołączyć do NBA, że na pewno mógłby to zrobić, albo mógłby zostać prezydentem, jeśli chce. „Wiesz, że mój dokument będzie o tobie” – mówi mu Marbury.
Znajdź pozostałe pokazy publiczne tutaj.
Szorty The Queen Collective
Aby ochrzcić wysiłki Queen Latifah mające na celu wychowanie filmowców i przyspieszenie równości płci i rasy za kamerą, dwa krótkie filmy dokumentalne wyświetlane w Tribeca przed debiutem w Hulu w ten weekend. „Ballet After Dark” zapowiada charakterystyczny głos reżysera B. Moneta o profilu Tyde-Courtney Edwards. Założyła tak zatytułowany program terapii tańcem dla osób, które przeżyły traumę. Gdy Edwards opowiada swoją historię, tancerze wydają się interpretować atak i następstwa w sposobach sztuki performance. Forma ociera się o eksperymenty, a pomysłowe elementy chronią ugruntowaną narrację. To jest trudna do osiągnięcia równowaga. Monet udowadnia, że można to zrobić z elegancją. Sekwencje baletowe nakręcone w dużym opuszczonym budynku przypominają przerwy w dokumencie Heidi Ewing i Rachel Grady z 2012 roku Detropia, kiedy pokazano młodego śpiewaka operowego testującego akustykę ruiny podczas krótkich przerywników. Natchniona choreografia działa jak oczyszczenie zarówno dla podmiotu, jak i widza, który doświadcza korzyści płynących z terapii tańcem w instynktowny, aktywny sposób.
B. Monet mówiła na scenie o tym, jak mentoring oparty na procesach za pośrednictwem The Queen Collective za pośrednictwem Procter &Gamble zmienił jej życie. Na premierze pojawiła się u boku Haley Elizabeth Anderson, która wyreżyserowała krótkometrażowy „If There Is Light”. Film przedstawia matkę poruszającą się po piekle bezdomności w Nowym Jorku podczas choroby oczami swojej 14-letniej córki Janiyah, która szczerze opowiada o filmie. Oba filmy krótkometrażowe The Queen Collective świadczą o nieustępliwym wytrwałości, o czym filmowcy powiedzieli, że nauczyli się, gdy połączyli się z pustymi kontami bankowymi i nadal pracowali, mimo że czuli się niewidoczni. Latifah powiedziała reżyserowi Dee Rees we wstępie w piątek, jak kobiety w zespołach jej projektów są spragnione mentoringu. Chce pomóc.