Tworząc film fabularny, będziesz kręcić sporo scen dialogowych. Dialog to sposób, w jaki widzowie uzyskują wgląd w twoje postacie, jednocześnie posuwając fabułę do przodu. Niepoprawne sfilmowanie tych scen wpłynie negatywnie na Twój film i sposób, w jaki ludzie go oglądają, więc omówimy kilka ważnych rzeczy, o których musisz pamiętać, gdy jesteś na planie w tych konkretnych momentach.
Filmowanie scen z intensywnymi dialogami nie różni się niczym od innych scen, które kręcisz na planie. Nagrywanie ich to bardziej sposób, w jaki chcesz, aby rozmowa została przekazana, a nie tylko nagranie w puszce. Wszystko, od tego, jak kierujesz aktorami po kadrowanie ujęcia, powinno służyć temu celowi. Oznacza to, że potrzebujesz wyraźnej wizji w swojej głowie, zanim kamery ruszą, i technicznej wiedzy, jak to zrobić.
Przemawianie poprzez działania
W przypadku nagrywania scen bez dialogów reżyserowanie aktorów polega na tym, aby powiedzieć im, aby przeszli z punktu A do B. Kiedy wrzucasz dialog do miksu, ściślejsza kontrola nad blokowaniem (stary termin sceniczny, który odnosi się do tego, gdzie są aktorzy i czym są). ponownie) jest konieczne.
Nie jest to pracochłonna praca, aby scena była interesująca w okresach przemawiania, działania blokujące, które dajesz aktorom, powinny służyć ogólnemu celowi sceny i temu, co masz nadzieję przekazać. Jeśli wykonane czynności nie pasują do ich dialogu, publiczność jest rozłączona. Zamiast angażować widzów, zostaną odepchnięci, próbując dowiedzieć się, co jest nie tak.
Sposób, w jaki filmujesz scenę dialogową, może mieć dramatyczny wpływ na ton sceny, sposób postrzegania postaci i odczucia widzów.
Załóżmy, że filmujesz scenę, w której grupa ludzi spotyka się potajemnie, aby spiskować przeciwko komuś. W takiej scenie zachęcaj aktorów, aby siedzieli blisko siebie, wpychając ich w kadr, aby dać poczucie, że są w tym wszystkim razem. Są obserwowani, muszą się spotykać w tajemnicy i zdecydowanie nie czują się komfortowo. Siedząc tak blisko, publiczność odczuje dyskomfort i intymność spotkania.
Posiadanie aktorów sprawdzających się przez ramiona i siadających zgarbionych, aby lepiej słyszeć, to świetny sposób na sprawienie, by wydawali się zdenerwowani i nadać scenie poczucie pilności. Ten rodzaj blokowania nadaje ton scenie, co z kolei wzmacnia dialogi w niej zawarte. Jeśli zrobisz tę samą scenę dialogową z głównymi bohaterami rozłożonymi w dużym pokoju i rozłożonymi na swoich miejscach, stworzy to drastycznie inny nastrój niż w naszym poprzednim przykładzie.
Ironiczna przepaść między dialogiem a blokowaniem aktorów nie zawsze jest złą rzeczą i są chwile, w których sprawdza się w opowiadanej historii. Jest to jednak decyzja, którą musisz podjąć z wyprzedzeniem i świadomie skierować swoich aktorów do występu. To nie powinno być przypadkiem, z którym trzeba się zmierzyć w postprodukcji.
Pracuj nad swoimi kątami…
Kąty, z których zdecydujesz się kręcić dialogi, mogą mieć tak samo duży wpływ na ton sceny, jak blokowanie. Jeśli filmujesz scenę, która ma być w szybkim tempie z poczuciem pilności, użycie długich, szerokich ujęć nie zadziała. Z drugiej strony, jeśli chcesz bardziej zrelaksowanego tonu sceny, seria ekstremalnych zbliżeń nie jest dobrym rozwiązaniem.
To, w jaki sposób kadrujesz aktorów, nie tylko nadaje ton, wpływa na to, jak widzowie postrzegają postać. W scenie konspiracji możesz wepchnąć większość aktorów w ciasne ujęcia, ale mieć ujęcie jednej osoby samotnie z dużą ilością miejsca. Sprawia to wrażenie, że jest samotnikiem, w jakiś sposób poza grupą. Wyróżnienie go pozwala odbiorcom wiedzieć, że ta osoba jest ważna i powinna być obserwowana.
Powiedzmy, że w grupie konspiracyjnej jest postać, która nie jest zbyt mądra. Skierowanie kamery w dół na tę postać sprawia, że widzowie czują, że patrzą na niego z góry. I odwrotnie, użycie kąta w górę na postaci sprawia, że wydaje się większy niż życie; wskazanie, że ta osoba może być liderem grupy.
Proste sztuczki z kamerą mogą przynieść ogromne rezultaty, jeśli chodzi o to, jak widzowie postrzegają twoje sceny dialogowe. Możesz stworzyć coś intymnego, niezręcznego, pokazać, kto rządzi i zapowiedzieć nadchodzące wydarzenia, a wszystko to, kreatywnie pracując nad swoimi perspektywami.
…Ale pamiętaj o zasadach
Używanie dynamicznych ujęć w celu wzmocnienia dialogów jest świetne, ale technicznych aspektów filmowania nie można zignorować. Podczas nagrywania scen rozmów należy pamiętać o pewnych „zasadach”, takich samych jak podczas kręcenia reszty filmu.
Nawet w bardziej intymnej scenie bardzo ważne jest wykonanie jakiegoś mistrzowskiego szerokiego ujęcia, aby pokazać wszystkie głośniki w scenie. To zmniejsza zamieszanie, pozwalając widzom wiedzieć, gdzie znajdują się głośniki podczas przeskakiwania między ciaśniejszymi ujęciami.
Po upewnieniu się, że stworzyłeś jasną wizję sceny, możesz zacząć pracować nad kątami, które chcesz, aby stworzyć ton sceny pasujący do dialogu. Zaplanowanie sesji w ten sposób zapewni, że film będzie technicznie sprawny, a jednocześnie zapewni przestrzeń do eksperymentowania. Inne zasady, o których należy pamiętać podczas filmowania dialogów, to:
- Zasięg strzelania! Potrzebujesz wielu kątów i wycięć, aby odpowiednio ukształtować swoją scenę w postprodukcji.
- Upewnij się, że mikrofony pozostają poza kadrem. Brzmi to oczywiste, ale w podekscytowaniu robieniem niesamowitych ujęć/kątów można o tym zapomnieć.
- Uwzględnij technika dźwięku w swoich planach ujęcia. Muszą znać układ, aby mogli przygotować swój sprzęt.
- Zachowaj zasadę 30 stopni. Różne kąty tego samego obiektu muszą się różnić o co najmniej 30 stopni, w przeciwnym razie skończysz z przerażającym skokiem. Podobnie, przestrzeganie zasady 180 stopni i trzymanie aparatu po jednej stronie akcji zapobiega nagłej zmianie miejsc przez obiekty
- Zachowaj spójność ze swoimi obiektywami w przypadku podobnych ujęć. Używanie różnych obiektywów aparatu jest tak samo przydatne, jak zmiana kątów, ale jeśli nie jesteś spójny z podobnymi ujęciami (tj. Używanie dwóch różnych obiektywów do zbliżeń), jest to zniechęcające dla odbiorców.
Utrzymuj ostrość z głębią ostrości i zdjęciami przez ramię
Typowym ujęciem scen dialogowych jest ujęcie ponad ramionami, co może być przydatne do pokazania interakcji między postaciami. Smutną rzeczywistością jest jednak to, że wielu młodych filmowców kręci je źle.
Osoba, która mówi, jest w centrum uwagi, więc upewnij się, że odzwierciedla to kadrowanie przez ramię. Dwie trzecie kadru powinno być przeznaczone wyłącznie dla mówcy, a pozostała jedna trzecia na postaci, która jest zwrócona tyłem do kadru. Połowa na pół nie działa, ponieważ sprawia, że oczy widzów odbijają się między nimi bez wyraźnego rozróżnienia, na kim się skupia. Poza tym nie chcesz zasłaniać głośnika czyimiś plecami.
Kiedy odwrócisz kamerę na drugą stronę scenografii, musisz trzymać aktorów po tych samych stronach kadru, przestrzegając wspomnianej powyżej zasady 180 stopni. Jeśli aktor jest po lewej stronie w jednym ujęciu, w drugim musi być po lewej stronie. Różnica polega na tym, czy widzisz go z przodu, czy z tyłu. Zapobiega to zamieszaniu i przerwom w osi. Upewnij się, że nagrywasz całą wymianę dialogów między aktorami z obu stron, a także w szerszym ujęciu. W ten sposób będziesz mieć większą kontrolę nad sceną podczas edycji.
Pamiętanie o głębi ostrości może również skoncentrować dialog tam, gdzie chcesz. Mała głębia ostrości w ujęciu znad ramienia sprawia, że ostrość jest skierowana prosto na rozmówcę. Z drugiej strony czasami ważniejsze jest podkreślanie reakcji danej osoby na dialog. W takich momentach głębia ostrości może się przydać, gdy zaczniesz od skupienia się na mówcy i przeniesiesz uwagę na słuchacza.
Utrzymuj komunikat w czystości
Celem dialogu w każdym filmie jest umożliwienie widzom wglądu w postacie i posunięcie fabuły do przodu. Jeśli potrafisz to zrobić bez dużego wysięgnika zwisającego w swoim strzale, jesteś na dobrej drodze. Wskazówki, które tutaj podaliśmy, mają na celu pomóc Ci przenieść te sceny na wyższy poziom i zaangażować odbiorców, ale nie podążaj za nimi kosztem jasności przekazu. Pamiętanie o tych rzeczach zaowocuje lepszą sceną i ogólnie lepszym filmem.
Pasek boczny
Dynamiczne używanie przekrojów
Jak w przypadku każdej sceny, potrzebne są krótkie ujęcia z głównej akcji. W przypadku dialogu, wspólne ujęcia to ujęcia aktorów reagujących na rozmowę, ale nie są to jedyne dostępne opcje, ani nie powinny być wszystkim, z których korzystasz.
Cięcie do zbliżenia rekwizytu podkreśli obiekt, do którego odnoszą się postacie, lub może posłużyć do pokazania widzom czegoś, czego postacie mogą nie wiedzieć. W scenie, w której jedna postać zapewnia drugą, że wyrzuciła jakiś przedmiot, możesz przejść do ujęcia przedmiotu w jego kieszeni, tym samym ujawniając widzom tajemnicę.
Innym świetnym zastosowaniem cutawayów jest złagodzenie napięcia sceny lub zapewnienie komediowej ulgi. Uważne wpatrywanie się w twarze dwojga ludzi podczas rozmowy zacznie szybko czuć się niezręcznie, a intensywność może osiągnąć punkt, w którym widzowie poczują się nieswojo. W takich przypadkach przecięcia (nawet jeśli są niczym innym jak ujęciami różnych rzeczy w scenie) mogą zepsuć wszystko, aby widzowie łatwiej je przetrawili.
Pomyśl o rzeczach, które mogą wskazać punkt odniesienia dla twoich odcięć w scenach dialogowych. Nie ograniczaj się tylko do strzałów reakcji. Zamiast tego użyj innych elementów wizualnych, aby opowiedzieć swoją historię w bardziej dynamiczny sposób.
Jordan Maison jest filmowcem i montażystą, który wykorzystał swoje talenty do tworzenia treści internetowych dla Disney Studios, a także witryn z filmami i grami wideo.