Wraz z nadejściem fotografii cyfrowej, więcej fotografów niż kiedykolwiek zaczęło nazywać siebie fotografami, a wielu z nich zaczęło nawet dla siebie. Teraz, gdy ci sami producenci aparatów cyfrowych oferują coraz lepsze opcje wideo wbudowane w każdą iterację swoich flagowych aparatów fotograficznych, coraz więcej fotografów dodaje słowo „twórca filmów” do naszych wizytówek i skupia się na wszystkim, od krótkich filmów po filmy fabularne. Ale bycie prawdziwym filmowcem wymaga czegoś więcej niż tylko zdolności do tworzenia wspaniałych obrazów.
Nawet pokój pełen kolegów autorów zdjęć filmowych w końcu zmęczy się dwiema godzinami oszałamiających, ale niezwiązanych ze sobą obrazów. I nawet najpiękniejszy lub najprzystojniejszy model, który może wyglądać oszałamiająco na zamrożonej stronie, miałby trudności z utrzymaniem Twojej uwagi przez ponad 120 minut bez jakiegoś łuku charakteru i rozwoju osobistego.
Tutaj wchodzi scenariusz. Podczas gdy wielu twierdzi, że film jest sportem reżyserskim, a aktorzy zdobywają największą sławę, nic z tego nie byłoby możliwe bez scenarzysty. Choć może on być najniższą osobą na totemie, jeśli chodzi o plan (zakładając, że pisarz ma nawet prawo na planie), to jego wkład decyduje o potencjale produktu końcowego. Filmowanie to zdecydowanie sport zespołowy. A wszystkie działy muszą uderzać we wszystkie cylindry, aby osiągnąć coś naprawdę wspaniałego. Mimo to świetny scenariusz może czasami przezwyciężyć kiepską reżyserię lub kiepską grę aktorską, ale nawet najwięksi bohaterowie nie są w stanie tchnąć życia w słabe dialogi i bezcelowe spiski.
Jak więc pisarze to robią? Jeśli wejście do kreatywnego świata polega na umiejętności opowiedzenia wspaniałej historii w jednej, oszałamiającej klatce, jak opowiedzieć historię, która będzie odtwarzana z szybkością 24 klatek na sekundę w ciągu dwóch godzin? Cóż, tak jak podczas nauki fotografii, pierwszym krokiem jest rozpoczęcie od podstaw.
Po pierwsze, wyłączenie odpowiedzialności. Jak wszystkie aspekty sztuki oryginalnej, zasady są stworzone po to, by je łamać. Prawdopodobnie jako fotograf rozpocząłeś swoją podróż od nauki podstaw przysłony, przysłony i ASA (lub ISO) i odkryłeś, jak „poprawnie” naświetlać zdjęcie. Jest również tak samo prawdopodobne, że gdy zacząłeś poprawiać się i tworzyć coraz lepsze prace, zacząłeś łamać niektóre z tych ustalonych zasad i zacząłeś myśleć nieszablonowo. Taki jest proces twórczy. Ale niezależnie od tego, jak daleko odbiegamy od normy, podstawowe zrozumienie podstawowych elementów naszego rzemiosła zapewnia solidną podstawę, na której możemy eksperymentować i znaleźć swój własny, prawdziwy głos.
Tradycyjny hollywoodzki scenariusz również na ogół spełnia pewne normy. Nazywamy to strukturą opowieści. Niezależnie od gatunku, w większości filmów są zazwyczaj podstawowe rytmy fabularne, które pomagają widzom odnieść się do emocji, które chcemy przekazać. I chociaż istnieje chałupniczy przemysł książek o pisaniu scenariuszy i mnóstwo nowych terminów na stronach każdego z nich, wszystkie one w zasadzie rozpływają się w tych samych podstawowych pojęciach.
Potrzeba kontra Potrzeba
Pierwszą rzeczą, którą należy sobie uświadomić podczas tworzenia żywej postaci, jest to, że ludzie są skomplikowani. Wydaje się to oczywiste, ale zrozumienie tego może często leżeć u podstaw tego, co odróżnia przeciętny film od świetnego. Nie zawsze działamy racjonalnie. Czasami robimy rzeczy, które na pozór wydają się być sprzeczne z naszym najlepszym interesem, ale po namyśle mogą wydawać się wręcz predestynowane. Czyni nas nieprzewidywalnymi. Sprawia również, że nasze postacie są niezapomniane.
Często ta dychotomia wynika z odwiecznej walki między potrzebą i chcę . Filmy, podobnie jak samo życie, są często wynikiem zderzenia tych dwóch sił. Weźmy na przykład „Ojciec chrzestny”. O czym jest film? Na najbardziej podstawowym poziomie jest to historia Michaela Corleone przechodzącego od uczciwego weterana wojennego do króla podziemi. To BARDZO uproszczony sposób opisu fabuły. Po zamachu na swojego ojca, dona Corleone, Michael musi przejąć przywództwo w rodzinnym biznesie przestępczości zorganizowanej i zawiesić własne życie cywilne, aby zapewnić przetrwanie klanu.
Tak więc w tym przypadku Michael chce jest jasne. Chce utrzymać rodzinę razem i wymanewrować wszystkie rywalizujące rodziny, aby zapewnić pozycję swojej rodzinie.
Z drugiej strony jego potrzeba jest znacznie mniej wyraźna, ale stanowi siłę napędową całego filmu. To również sprawia, że historia rozkwitającego don mafii może być powiązana z globalną publicznością, która być może nawet nie słyszała o mafii do czasu premiery filmu.
Michael Corleone potrzebuje tego, czego potrzebują prawie wszyscy mężczyźni. Musi sprawić, by jego ojciec był dumny. W przeciwieństwie do swoich braci, nieobliczalnego Sonny'ego i wrażliwego Fredo, Michael niekoniecznie jest przeznaczony do życia w rodzinnym biznesie. Ma możliwość budowania życia poza tym światem ze swoją piękną narzeczoną i nie wykazuje zainteresowania podążaniem śladami ojca. Ale pomimo grzechów ojca Michael nadal jest synem ojca. Kocha swojego ojca. Nie chce, aby spuścizna jego ojca została splamiona. Podobnie jak jego bracia, rozpaczliwie pragnie zdobyć miłość ojca. Tak więc, wbrew interesowi własnego bezpieczeństwa, zapewnia tę miłość, wkraczając, gdy rodzina najbardziej go potrzebuje. W ten sposób zaspokaja swoją potrzebę, jednocześnie na powierzchni, realizując swoje pragnienia.
Struktura aktu
Większość pełnometrażowych scenariuszy zajmuje około 120 stron. Każda strona odnosi się do około jednej minuty czasu ekranowego. To nie jest nauka ścisła. Strony zawierające wiele dialogów mogą zająć mniej niż minutę czasu wyświetlania. Sceny pełne akcji mogą być tylko jedną stroną, ale zabierają piętnaście minut czasu ekranowego, gdy reżyser i choreograf kaskaderski wykorzystają swoją magię. Ale z reguły jedna strona to jedna minuta.
Scenariusze filmów fabularnych, w przeciwieństwie do sztuk teatralnych czy scenariuszy telewizyjnych, mają zazwyczaj strukturę trzyaktową. Pierwszy akt, liczący około 30 stron, przedstawia naszą historię i naszych bohaterów. Wytycza ślady tego, co ma nadejść. Nasz drugi akt, sedno opowieści, liczy około 60 stron. To tutaj rozwija się większość działki, a my budujemy do naszej wypłaty. Ta wypłata pojawia się na ostatnich trzydziestu stronach trzeciego aktu. Zbudowaliśmy naszą historię i naszą postać, teraz nadszedł czas, aby doprowadzić to wszystko do ekscytującego i niezapomnianego zakończenia.
Story Beats
Początek, środek i koniec. Całkiem proste. Tę podstawową strukturę zobaczysz we wszystkim, od zdobywcy Oscara po reklamę butów sportowych. Ale w scenariuszu kinowym struktura fabuły jest na ogół dalej podzielona na bity lub punkty fabularne. Są to odrębne momenty emocjonalnej podróży postaci, które pojawiają się w trakcie filmu i zmieniają bieg opowieści bohatera i/lub ujawniają informacje o jego postaci.
Dokładne bity będą nazywane różnymi rzeczami przez różnych scenarzystów, ale zawsze odnoszę się do nich w ten sam sposób, w jaki mój pierwszy instruktor scenopisarstwa nauczył mnie więcej lat temu, niż chciałbym wspomnieć publicznie, niezwykle przydatne w pisaniu skryptów przez lata.
#1 – Pytanie
Zasadniczo, o czym będzie twoja historia? Jaka jest większa walka, którą chciałbyś zbadać w ciągu najbliższych kilku godzin? Należy to ustalić natychmiast i zazwyczaj pojawia się na pierwszych trzech stronach.
Użyjmy jako przykładu historii miłosnej o facecie, który ponownie uczy się kochać po złym rozstaniu. Może otwierasz ujęcie mężczyzny budzącego się samotnie w łóżku. Wciąż przyklejona z prawej strony łóżka, ponieważ lewa była „jej stroną”. Kilka porozrzucanych w ramkach zdjęć przedstawiających go z byłą żoną na pobliskim kominku. Pusta butelka Jacka Danielsa na podłodze przy łóżku. Jego cień o godzinie piątej wyrósł już po północy.
Od razu ustaliłeś dla publiczności, że ten człowiek ma złamane serce. Publiczność już wie, że jego życie trochę się rozpadło. Widzą, że wciąż nosi pochodnię utraconej miłości. I wiedzą, że to, co nastąpi, będzie miało coś wspólnego z romantyczną fortuną postaci.
Oczywiście to tylko jeden przykład. Może zamiast tego piszesz horror o bezludnej kryjówce na wyspie? W takim przypadku musisz natychmiast wprowadzić złowieszczy nastrój. Pomyśl o scenie otwierającej „Get Out” z Lakeithem Stanfieldem idącym ciemną podmiejską drogą. A może piszesz komedię typu „40-letnia dziewica”, w której opowiadasz historię związku mężczyzny z seksem lub jego braku. W takim przypadku otwierasz ujęcie, na którym wspomniany mężczyzna budzi się rano w pokoju pełnym dekoracji o subtelnych kształtach fallicznych, wstaje z łóżka, aby odsłonić… cóż, pewna niespełniona część jego anatomii urosła z dnia na dzień.
https://www.youtube.com/watch?v=zk98cBLiusU
#2 – Nowa możliwość
Mniej więcej po dziesięciu minutach jest to nasza pierwsza wskazówka, że życie naszej postaci może się potencjalnie zmienić. Na razie nic konkretnego. Ale jakaś osoba lub okazja wchodzi w historię, która ostatecznie wpłynie na trajektorię łuku postaci. On lub ona niekoniecznie uzna to za okazję. Ale publiczność tak.
W naszym przypadku zakochanego mężczyzny może to być punkt w historii, w którym przypadkowo spotyka piękną kelnerkę w lokalnej knajpce. W tym momencie pojawi się wiele „słodkich” scen. Albo, w filmie o napadzie na bank, być może jest to moment, w którym złodzieje po raz pierwszy zdają sobie sprawę z luki w systemie bezpieczeństwa banku. Lub w klasycznej komedii romantycznej, takiej jak „Kiedy Harry poznał Sally”, w której dwójka głównych bohaterów spotyka się jako przyjaciele w scenie otwierającej i wyrusza w podróż razem, po około dziesięciu minutach otrzymujemy pierwszą wzmiankę o podstawowym pytaniu o ich związek i cały film…
#3 – Zmiana planów
Kończąc akt pierwszy i wprowadzając nas do aktu drugiego, mamy zmianę planów. To jest punkt fabularny, w którym dzieje się coś, co niekoniecznie oznacza, że protagonista osiągnie swój cel, ale oznacza, że status quo, na lepsze lub na złe, ulegnie zmianie.
W „Kiedy Harry poznał Sally” przechodzimy od tych dwóch głównych bohaterów, którzy są słabo zaznajomieni i ogólnie wrogo nastawieni do siebie nawzajem, do zaprzyjaźnienia się. W przypadku naszego filmu o napadzie jest to moment, w którym podejmują stanowczą decyzję o obrabowaniu banku. W naszej hipotetycznej historii zakochanego mężczyzny może to być moment, w którym naprawdę przyznaje, że pociąga tę ładną kelnerkę i zaprasza ją na randkę.
Lub, w przypadku jednego z najlepszych wszech czasów „Absolwenta”, Benjamin Braddock zabiera panią Robinson do domu po przyjęciu rodziców, tylko po to, by skonfrontować się z nieco więcej, niż się spodziewał.
Zmiana planów wprawia w ruch fabułę i drugi akt.
#4 – Pierwsza wskazówka wzrostu
Zwykle najbardziej subtelne z historii bije, około strony 45 zazwyczaj otrzymujemy lekką wskazówkę, która przypomina widzom, że postać porusza się w określonym kierunku. Pamiętaj, nasza historia istnieje zarówno na poziomie potrzeb, jak i na poziomie pragnienia. Ta fabuła jest doskonałą okazją do pokazania, że postać podjęła kroki, aby osiągnąć to, czego naprawdę potrzebuje.
W naszej rozpaczliwej opowieści być może wracamy do mieszkania bohatera i widzimy, jak robi coś tak prostego, jak umieszczanie oprawionego w ramkę zdjęcia z byłą żoną twarzą w dół do szuflady. Być może posprzątał swoje mieszkanie w oczekiwaniu na wizytę kelnerki i chce zrobić dobre wrażenie. Są to obie subtelne rzeczy, ale wskazują, że zmierza on w kierunku przezwyciężenia złamanego serca.
#5 – Punkt bez powrotu
Nie ma odwrotu. Podczas gdy zmiana planów wprawia proces w ruch, a pierwsza oznaka wzrostu pokazuje pierwsze nieśmiałe kroki bohatera w kierunku zaspokojenia swojej potrzeby, punkt bez powrotu, pojawiający się na półmetku filmu, jest punktem, w którym postać w pełni zaangażowała się w podróż. Czy to planowo, czy przypadkowo, historia dobiegnie do końca. Nie ma już ucieczki.
Powiedzmy, że jest to moment, w którym nasz zakochany mężczyzna po raz pierwszy kocha się z piękną kelnerką. Po spotkaniu leży w jego ramionach i delikatnie szepcze „Kocham cię”. chce mężczyzny jest wychodzić na niektóre randki. Nadrzędna potrzeba mężczyzny jest uzdrowienie złamanego serca i odnalezienie odwagi, by ponownie się zakochać. Kiedy to mówi, jego historia zmierza do zakończenia. Albo będzie w stanie uleczyć swoje złamane serce i zaakceptować miłość tej kobiety, albo nie. Ale z opcją, która jest teraz oficjalnie na stole, będzie musiał dokonać wyboru.
Aby uzyskać bardziej dosłowny i pełen akcji przykład, spójrz na kultową scenę napadu na bank z „Heat”. Do tego momentu w filmie nasi bohaterowie mieli możliwość wycofania się z planu obrabowania banku. Aż do tego momentu wciąż istnieje możliwość, jakkolwiek odległa, że zahartowana postać gliniarza Ala Pacino i główny przestępca Roberta DeNiro nigdy nie będą musieli sprawdzać swojej determinacji. Ale kiedy wejdą do banku, kiedy polecą kule i zginą ludzie, nie ma odwrotu.
#6 – Fałszywe zakończenie
Podobnie jak pierwsza wskazówka wzrostu, fałszywe zakończenie, zwykle około strony 75, jest również wyrazem ruchu postaci. Zwykle wskazuje na regresję, jest to punkt w filmie, w którym widzowie są przekonani, że wszystko stracone.
Pomimo tego, że nasz zakochany bohater znajduje odwagę, by pójść na kilka randek z kelnerką, pomimo tego, że mówi mu, że go kocha, wciąż nie jest na tyle emocjonalnie, by przyznać, że ją kocha. Do pewnego stopnia wie, że tak naprawdę jest zakochany w tej nowej kobiecie. Ale wciąż tak bardzo boi się zranienia, że nieuchronnie robi coś głupiego, co prowadzi do ich zerwania i (tymczasowego) zakończenia ich zalotów.
Weźmy na przykład scenę z „Jerry'ego Maguire'a”, kiedy postać Renee Zellweger, Dorothy Boyd, w końcu zaczęła świtać, że jej romans z książką z obrazkami z niechęcią do intymności Jerry'ego Maguire'a może nie mieć najsolidniejszych podstaw. Pomimo swoich doskonałych umiejętności jako sprzedawca, Jerry nie może sprzedać kobiety, która zna go najlepiej, a ona postanawia, że nadszedł czas, aby ich związek dobiegł końca.
#7 – Konieczność i chęć zderzenia
Pamiętasz wcześniej w eseju, w którym wspomniałem, że potrzeby i pragnienia postaci nie zawsze są zgodne? To jest punkt, na końcu aktu drugiego i na początku aktu trzeciego, że te dwa elementy zderzają się ze sobą i prowadzą do ostatecznego zakończenia historii.
W naszym przykładzie „Jerry Maguire” Jerry uświadamia sobie, że jego wyrażona chęć odbudowania kariery i ponownego bycia na szczycie nie jest nawet w najmniejszym stopniu tak ważna, jak jego podstawowa potrzeba, aby nauczyć się dzielić prawdziwą intymność z kobietą, którą kocha. Kiedy Dorothy go opuszcza, szybko zauważa, że to, czego od początku myślał, że chciał, było w rzeczywistości tylko zasłoną dymną dla głębszej zmiany charakteru, której naprawdę potrzebował.
W naszej pogrążonej w miłości historii nasz bohater znalazł miłość, ale pozwolił jej prześlizgnąć się przez jego palce, ponieważ nie mógł przezwyciężyć własnego strachu. To jest moment, w którym odkryłby swój błąd i wyraźnie zmieniłby swoje cele, od wyjścia z randki do prawdziwego znalezienia odwagi, by znów kochać.
#8 – Punkt kulminacyjny
Wszystkie drogi prowadzą do tego. Stworzyliśmy naszą postać i obserwowaliśmy ich rozwój. Nasze potrzeby i pragnienia zderzyły się ze sobą, a postać dokładnie wie, jaki jest ich ostateczny cel. Teraz pytanie brzmi, jak to wszystko się skończy. Czy nasza kelnerka zabierze naszego bohatera z powrotem, gdy pojawi się w restauracji z bukietem róż? Czy Jerry Maguire rzeczywiście będzie w stanie sprzedać Dorothy Boyd swoje zaangażowanie w intymność, kiedy ma to największe znaczenie? Czy gliniarz Al Pacino w końcu złapie przestępcę Roberta Deniro, czy ucieknie? A kiedy w końcu przyjdą z bronią w ręku, aby zdobyć kolejną kreację Pacino, czy Tony Montana pójdzie tak, jak żył?
#9 – Rozdzielczość
Wszystko zostało powiedziane i zrobione. Historia zbudowała i dostarczyła ostateczną kulminacyjną scenę. Odpowiedzi na pytania. Nasza kelnerka przyjęła propozycję ślubną naszego bohatera. Bohater i złoczyńca odbyli ostatnią strzelaninę. Benjamin Braddock „uratował” Elaine Robinson z potencjalnie nudnego małżeństwa. Co teraz?
Jak wspomniałem wcześniej, nie każda opowiadana historia będzie podążać dokładnie za tymi bitami. Od każdej reguły są wyjątki. Nawet wyjątki w wyjątkach. Ale jeśli spojrzysz wstecz na większość głównych filmów z ostatniego stulecia, znajdziesz zaskakującą liczbę, której fabuła będzie ściśle podążać za powyższą trajektorią. Jeśli Twoim celem jest stanie się lepszym gawędziarzem, poświęć chwilę na ponowne obejrzenie kilku swoich ulubionych filmów. Wyjmij długopis i papier i nakreśl, jak ci filmowcy opowiedzieli swoją historię. Jakie części filmu były zmianą planów, punktem bez powrotu, punktem kulminacyjnym? Jaka minuta zaczynała się każda z tych scen? Jak pasowali do całej historii?
To tylko podstawy. Poświęć chwilę na zrozumienie podstaw, a następnie usiądź i stwórz własne arcydzieło.