Większość początkujących filmowców ma różne odmiany tego samego pytania; „Jak sprawić, by moje filmy wyglądały bardziej profesjonalnie? Więcej, kinowy?”. Od pokoleń filmowcy pytali:Jak uzyskać taki wygląd filmu?
To dobre pytanie. W końcu nic nie jest bardziej zniechęcające niż wkładanie serca i duszy w projekt tylko po to, by wyglądał jak czyjś tata robiący domowe filmy.
Jak więc uzyskać ten kinowy wygląd w dowolnej kamerze, przy każdym budżecie?
Uzyskiwanie wyglądu filmu – jak to się robi?
Nie szukaj dalej. Te 19 wskazówek sprawi, że Twoje filmy będą wyglądać mniej w domu, a więcej, cóż… w filmie.
Ten przewodnik jest przeznaczony dla początkujących, którzy dopiero zaczynają robić własne filmy, ale nie są pewni, jak uchwycić piękne, kinowe obrazy, które mogą dorównać jakości, jaką widzą w pracy zawodowej.
1. Klasa koloru
Największą różnicą między profesjonalnie wyglądającymi wizualizacjami a amatorsko wyglądającymi filmami jest gradacja kolorów. Ręce na dół. Zatrzymaj prasy.
Nie oznacza to, że wszystkie inne elementy twojego filmu nie są ważne. Oni są. To tylko po to, by zilustrować, jak wielką różnicę może mieć gradacja kolorów.
Stopniowanie kolorów i korekcja kolorów są zasadniczo wtedy, gdy poprawiasz i stylizujesz kolory swoich ujęć w poście.
Jedną z podstawowych wskazówek dotyczących gradacji kolorów jest fotografowanie w formacie RAW. RAW to po prostu nieskompresowany format pliku, który przechowuje wszystkie dane przechwycone przez czujnik, co pozwala tworzyć obrazy o wyższej jakości.
Fotografowanie w formacie RAW jest zazwyczaj tak proste, jak zmiana ustawień w aparacie.
Inną zaletą tego rozwiązania, poza obrazami o wyższej jakości, jest to, że Twoje ujęcia będą zawierały możliwie najmniej informacji. Dzięki temu będziesz mieć większą swobodę w ocenianiu ich kolorami w poście.
Tablice LUT mogą być niezwykle pomocne podczas korekcji kolorów własnego materiału filmowego. Zastosowanie ich do klipów może pomóc w szybkim dotarciu do świetnego punktu początkowego, dzięki czemu możesz po prostu dostroić swój materiał stamtąd.
Jeśli potrzebujesz świetnych darmowych LUT do łatwej korekcji kolorów, nie możesz się pomylić z tymi 7 darmowymi LUT od Lutify.me i 9 darmowymi LUT od FILM CRUX.
2. Kompozycja
Zasadniczo kompozycja to to, co znajduje się w kadrze, a także sposób rozmieszczenia elementów w ujęciu.
Istnieje nieskończona teoria na temat tego, co sprawia, że kompozycja jest dobra i które konkretnie aranżacje sprawdzają się najlepiej w danych okolicznościach, ale oto kilka szybkich i brudnych wskazówek dotyczących kompozycji, które pomogą Ci zacząć.
Zasada trójpodziału
Prawdopodobnie słyszałeś o tym wcześniej. Podziel ramkę na trzy części w poziomie i w pionie, a następnie umieść interesujące miejsca w miejscach, w których te linie podziału się przecinają. Ustaw ważne elementy, takie jak horyzont, wzdłuż samych linii.
Pokój główny
Jeśli postać wygląda w klatce w prawo, to zazwyczaj powinna być umieszczona w klatce w lewo. To sprawia, że ujęcie jest wygodniejsze dla widza, tworząc otwartą przestrzeń przed postacią, zwaną pokojem prowadzącym lub przestrzenią prowadzącą.
[Wskazówka] Linie leadów – Użyj naturalnych linii w swojej scenie, aby skierować oko widza na swój obraz. Może to być wszystko, od linii głębi w jedno- lub dwupunktowej perspektywie, po inne elementy lub elementy w ujęciu, które prowadzą do tematu lub interesującego miejsca.
Wyprostuj linie horyzontu
Jedną dobrą wskazówką jest wyprostowanie wszelkich linii horyzontu, które przecinają długość ujęcia. Najlepiej zrobić to podczas strzelania, chociaż w razie potrzeby można to zrobić pocztą.
Pamiętaj, że nie musisz przestrzegać żadnego z nich. Myśl o nich mniej jako o zasadach, a bardziej jako o wskazówkach. Jeśli nie wiesz, co robisz, to świetne miejsce na rozpoczęcie.
Ale jeśli chcesz myśleć o nich jako o zasadach, pamiętaj, że zasady mogą zostać złamane. Najlepszą radą byłoby jednak najpierw nauczyć się zasad, a następnie je złamać.
3. Skrzynka na listy
Jeśli kiedykolwiek widziałeś film Wesa Andersona lub Quentina Tarantino, na pewno widziałeś już wcześniej letterboxing.
Letterboxing to praktyka polegająca na przenoszeniu filmu nakręconego w formacie panoramicznym do formatu standardowego. Powoduje to utworzenie dwóch czarnych pasów lub matów na górze i na dole obrazu, które wiele osób kojarzy z kinowym wyglądem.
Teraz prawdopodobnie nie musisz brać filmu 16:9 i dopasować go do telewizora kineskopowego 4:3, i prawdopodobnie nie kręcisz na 70 mm, jak Tarantino zrobił dla The Hateful Eight, ale jeśli podoba ci się ten styl, możesz go dość łatwo emulować, korzystając z jednej z dwóch poniższych metod.
Ustawienia eksportu
Świetnym sposobem na uzyskanie skrzynki na listy jest wyeksportowanie filmu w żądanych proporcjach. Jeśli chcesz, aby Twój film był wyświetlany jako 2:40:1, po prostu ustaw kompozycję w NLE w tych ustawieniach, a następnie wyeksportuj gotowy film w ten sam sposób.
W zależności od tego, gdzie będzie wyświetlany Twój film, skrzynki na listy zostaną dodane automatycznie w zależności od oglądającego.
Szablony na listy
Innym świetnym sposobem na dodanie skrzynek na listy do filmu jest użycie szablonów skrzynek na listy. Są to zasadniczo obrazy w formacie letterbox (czarne paski), które można po prostu przeciągnąć i upuścić na wierzch materiału. Łatwo. Te wspaniałe bezpłatne skrzynki na listy oparte są na kultowych filmach, takich jak Zjawa i Nienawistna ósemka .
Teraz pamiętaj, której metody używasz, powinno być oparte na tym, jaki jest twój projekt. Dziewięćdziesiąt dziewięć razy na sto nikt nie zauważy ani nie przejmie się tym, jakiej metody użyjesz, ale w niektórych okolicznościach, kiedy Twój film jest wyświetlany, będzie miał wpływ na sposób jego wyświetlania.
4. Płytka głębia ostrości
Płytka głębia ostrości ma miejsce wtedy, gdy obiekt jest ostry, a pierwszy plan i tło ujęcia są nieostre. Tworzy to bokeh, estetyczną jakość rozmycia w nieostrych obszarach ujęcia.
Aby uzyskać płytką głębię ostrości, chcesz użyć obiektywu z niską przysłoną. Im niższa wartość przysłony, tym mniejszy obszar będzie ostry. Każda wartość niższa niż f2.8 zapewni przyzwoity efekt bokeh, ale f1.8 lub niższa będzie naprawdę wyglądać niesamowicie.
Pamiętaj, że im niższy f-stop, tym trudniej będzie utrzymać ostrość obiektu. Ćwicz z wyższym f-stopem, a następnie obniżaj się wraz z upływem czasu.
Soczewki stałoogniskowe są do tego idealne. Obiektywy stałoogniskowe przepuszczają więcej światła niż obiektywy zmiennoogniskowe, są zazwyczaj lepsze do filmowania w słabym świetle i mają wiele innych zalet dla filmowców.
Obiektyw stałoogniskowy 50 mm f1.8, czyli fajna pięćdziesiątka, jest idealny do fotografowania z małą głębią ostrości i prawdopodobnie powinien być pierwszym obiektywem w arsenale każdego nowego filmowca. Poza tym jest tani.
Inną rzeczą, o której należy pamiętać, jest to, że prawdopodobnie nie chcesz przez cały czas płytkiej głębi ostrości. Na przykład w przypadku ujęć szerokokątnych lub takich rzeczy, jak zdjęcia lotnicze lub krajobrazowe, prawdopodobnie chcesz, aby wszystko było ostre, więc w takich okolicznościach generalnie lepiej jest fotografować z wyższą wartością przysłony.
Kolejną wielką zaletą fotografowania z małą głębią ostrości jest to, że może pomóc ukryć miejsca fotografowania, które nie są optymalne. Jeśli tło jest rozmyte, ludzie będą mniej skłonni zauważyć, że to piwnica twojej babci.
5. Powolne śledzenie
Ujęcie śledzące to każde ujęcie, w którym aparat porusza się do przodu, do tyłu lub wzdłuż obiektu. Pomyśl o kamerze jak na szynach, co często ma na celu uzyskanie śledzenia ujęć w filmie.
Powolne, idealnie płynne ujęcia śledzące są zazwyczaj kojarzone z kinowym wyglądem. Mogą pomóc Ci łatwo zbudować napięcie, dać widzowi poczucie zachwytu lub podziwu i mogą wywołać mnóstwo wizualnego zainteresowania.
Aby je zdobyć, nie potrzebujesz wózka, szyn, slidera ani gimbala. Możesz korzystać z urządzeń przenośnych, ale jeśli to zrobisz, prawie na pewno będziesz chciał użyć…
6. Stabilizacja wypaczenia
Stabilizacja wypaczenia to efekt, który pomaga wygładzić drżący materiał w poście. Jeśli używasz Adobe Premiere lub After Effects, stabilizator wypaczenia jest już wbudowany. Jeśli nie, wersja stabilizacji wypaczenia jest prawdopodobnie już w twoim programie do edycji, a także dostępne jest oprogramowanie stabilizujące i wtyczki innych firm.
Nie polegaj na stabilizatorze warp. Prawie zawsze najlepiej jest zrobić ujęcie w aparacie, ale kiedy brakuje Ci sprzętu, pieniędzy i czasu, nie zawsze jest to możliwe.
7. Gimbale
Jeśli masz pieniądze na gimbala, to świetna inwestycja. Gimbal to w zasadzie ręczny lub montowany stabilizator kamery, zaprojektowany, aby pomóc Ci uzyskać płynne, kinowe ujęcia.
Różnica między drżącym ujęciem z ręki a płynnym, ustabilizowanym ujęciem to dzień i noc, co może dodać wiele warstw wartości produkcyjnej do Twojej pracy.
W rzeczywistości, poza aparatem, obiektywami i statywem, gimbal może być najlepszym pieniądzem, jakie możesz wydać na sprzęt fotograficzny.
8. Anteny
Nigdy wcześniej w historii zdjęcia lotnicze nie były dostępne dla niezależnych filmowców. Jeszcze dekadę temu dosłownie musiałeś wypożyczać helikopter, żeby robić zdjęcia z powietrza.
Czasy się zmieniły.
Teraz prawie każdy dostępny na rynku dron może pomóc Ci uzyskać zapierające dech w piersiach zdjęcia lotnicze do Twoich filmów.
Anteny doskonale nadają się do wykonywania ujęć. Gdy obiekt przenosi się do nowego miasta lub lokalizacji, ładna antena może pomóc nadać ton i klimat scenom, które nadejdą, jednocześnie pokazując to nowe środowisko.
Prawie każdy przebój filmowy wykorzystuje je do tworzenia nowych lokalizacji, ale anteny doskonale nadają się również do filmów podróżniczych, dokumentów przyrodniczych i oczywiście sportów akcji.
9. Zwolnione tempo
Wszystko wygląda lepiej w zwolnionym tempie. Pozdrowienia dla Dave'a Chappelle'a.
Jedynym problemem związanym ze spowolnieniem jest to, że łatwo dać się ponieść emocjom. Ponieważ nawet najbardziej przyziemne działania wyglądają niesamowicie w zwolnionym tempie, zaczynasz kręcić wszystko w ten sposób, aż do momentu, w którym to, co kręcisz, nie służy już historii.
Pamiętaj, najpierw historia.
Jeśli chcesz robić zdjęcia w zwolnionym tempie, wystarczy, że zrobisz zdjęcia z większą liczbą klatek na sekundę. Większość filmów jest kręconych w 24 klatkach na sekundę, co zazwyczaj kojarzymy z tym filmowym wyglądem.
W przypadku zwolnionego tempa po prostu sfotografuj około 60 klatek na sekundę, a następnie przekonwertuj je do 24 klatek na sekundę w poście. Dzięki temu materiał będzie odtwarzany z prędkością nieco mniejszą niż połowa. Im wyższa liczba klatek na sekundę, tym wolniej będzie odtwarzany z prędkością 24 kl./s.
10. Zarządzaj najciekawszymi treściami
Zdmuchnięte najciekawsze momenty to wielka tragedia, która spotkała niejednego początkującego filmowca. Zasadniczo dzieje się tak, gdy jasne części twojej sceny tracą wszystkie szczegóły, dopóki nie staną się całkowicie białe.
Dzieje się tak często w przypadku tanich aparatów lub podczas fotografowania jasnych scen bez odpowiedniego naświetlenia lub użycia filtrów UV. Prawidłowe wykonanie tych dwóch rzeczy sprawi jednak, że zdmuchnięte pasemka staną się przeszłością.
Właściwa ekspozycja
Zawsze powinieneś starać się odpowiednio wyeksponować swoje ujęcia, nawet jeśli zdmuchnięte światła nie stanowią problemu. Ekspozycja polega na zrównoważeniu liczby klatek na sekundę (zwykle 24 kl./s, jeśli filmujesz, aby uzyskać efekt filmowy), szybkości migawki (zwykle około dwukrotności liczby klatek na sekundę; 1/50, jeśli filmujesz 24 kl./s), ISO i oświetlenia.
Ten film pokaże Ci wszystko, dzięki czemu nigdy więcej nie będziesz musiał być w ciemności. Bum… karany.
Filtry UV
Filtry UV uratują Ci życie. Nie całkiem. Pomogą Ci jednak uchwycić najjaśniejsze momenty w Twoich ujęciach.
Filtr UV to w zasadzie mały obiektyw (że tak powiem), który przykręca się do końca obiektywu aparatu, aby wyrównać oświetlenie w ujęciu.
W pewnym sensie ściąga jasne obszary, aby zbliżyć się do ciemniejszych obszarów na zdjęciach, odfiltrowując część światła, które przedostaje się do czujnika aparatu.
11. Potężne strzały
Kiedy myślisz o epickich, większość ludzi wyobraża sobie ogromne, szerokie ujęcia. Kamera tocząca się nad urwiskiem ogromnego wodospadu, gdy stado żurawi przelatuje nad baldachimami poniżej.
Albo cokolwiek.
Tego typu ujęcia dodadzą Twoim filmom jeszcze większej wartości produkcyjnej. Ponownie, drony są do tego idealne. Mogą pochwalić się zasięgiem i skalą konkretnego środowiska w sposób, który jest trudny do wykonania podczas fotografowania z ziemi.
Kiedy robisz szerokie ujęcia, uważaj, aby nie poruszać aparatem zbyt szybko. Widz musi być w stanie wyraźnie zobaczyć, co się dzieje, aby te ujęcia odniosły pożądany efekt.
12. Ziarno filmu
Innym zaskakującym sposobem, aby Twój film wyglądał bardziej kinowo, jest dodanie ziarna filmowego.
Ziarno filmu to po prostu ziarno lub ziarnistość naturalnie powstająca podczas filmowania z przetworzonym filmem.
Aparaty cyfrowe oczywiście nie mają ziarna kliszy, więc jeśli chcesz uzyskać odpowiedni wygląd, najlepszą opcją jest uzyskanie nakładek ziarna kliszy.
Cinetic Studios ma kilka darmowych, ale jeśli naprawdę chcesz być pyskaty, Holygrain robi kilka pięknych, które z pewnością nadadzą Twoim filmom teksturową, estetyczną jakość.
13. Oświetlenie
Oświetlenie to, cóż… oświetlenie. Nie będę cię okłamywał. Oświetlenie jest nudne… ale jest ważne.
Zdziwiłbyś się, jak bardzo oświetlenie może wpłynąć na wygląd i styl ujęcia. Tę samą scenę można oświetlić na dziesięć różnych sposobów, z których każdy ma dramatyczny wpływ na nastrój, odczucie, wygląd i klimat gotowego produktu.
Możesz fotografować z dostępnym oświetleniem, jak Emmanuel Lubezki w The Revenant, lub ze stylizowanym oświetleniem, takim jak Nicolas Winding Refn w… cóż, wszystko, co robi Nicolas Winding Refn.
14. Flary obiektywu
Podobnie jak ziarno filmu, flary obiektywu były zjawiskiem stworzonym przez kręcenie za pomocą wadliwego sprzętu, który stał się estetyką wizualną, którą wielu filmowców celowo naśladuje w swojej pracy.
Rozbłysk obiektywu to tylko wizualny artefakt tworzony przez światło odbijające się wewnątrz obiektywu aparatu w celu stworzenia „rozbłysku” na nagrywanym filmie lub filmie.
Nadal możesz tworzyć flary obiektywu w większości nowoczesnych obiektywów, świecąc lub odbijając światło w aparacie lub strzelając w jasne źródło światła, takie jak słońce (pamiętaj, aby używać ochrony przed promieniowaniem UV, aby nie uszkodzić czujnika).
Większość obecnie produkowanych obiektywów jest jednak zaprojektowana tak, aby zapobiegać niepotrzebnym odblaskom, więc jeśli naprawdę chcesz uzyskać odpowiedni wygląd, zdobądź starszy obiektyw lub użyj cyfrowych flar lub nakładek.
Video Copilot sprzedaje niesamowitą wtyczkę do Adobe After Effects o nazwie Optical Flares, która została nawet użyta w filmach przez samego króla flary obiektywu, J.J. Abrams.
15. Anamorficzny
Mówiąc o J.J. Abrams, jeśli widziałeś któryś z jego filmów, zauważysz, że mają one do nich określony styl. Super 8 i Star Trek filmy mają przede wszystkim wyróżniający się anamorficzny wygląd, który stylistycznie oddaje hołd filmom Stevena Spielberga z lat 80.
Wygląd anamorficzny zazwyczaj kojarzy się z długimi poziomymi odblaskami obiektywu, aberracją chromatyczną i winietowaniem na zewnątrz obrazu oraz zniekształceniem, w którym krawędzie kadru wydają się bardziej skompresowane.
Dzięki temu proste linie na ujęciu wydają się pięknie zakrzywiać, gdy docierają do zewnętrznych krawędzi kadru.
I wyglądają fajnie.
Jeśli chcesz uzyskać podobny wygląd inspirowany anamorfami, ale nie możesz sobie pozwolić na fotografowanie soczewkami anamorficznymi, możesz naśladować wygląd w poście. Ten samouczek przedstawia różne elementy i sposoby ich tworzenia.
16. Redukcja szumów
Hałas to zmora istnienia niezależnego filmowca. To ten niechlujny, ziarnisty materiał, który zwykle pojawia się w ciemniejszych obszarach ujęcia i zwykle powstaje, gdy do matrycy aparatu nie dociera wystarczająca ilość światła.
Jeśli masz świetne oświetlenie i odpowiednio naświetlasz ujęcia lub aparat radzi sobie naprawdę dobrze w warunkach słabego oświetlenia, takich jak Sony a7s II, prawdopodobnie nie będzie z tym większego problemu.
Ale nie zawsze tak jest.
Jeśli potrzebujesz usunąć szumy ze swoich ujęć, możesz to zrobić w takim czy innym stopniu za pomocą wtyczki takiej jak Neat Video. Neat Video to wtyczka do redukcji szumów, która jest dostępna dla prawie każdego NLE, jakie możesz sobie wyobrazić, i działa całkiem nieźle.
Nie jest jednak idealny, a redukcja hałasu ma swoją cenę. Może zniekształcić szczegóły nagrania i pod pewnymi względami sprawić, że obraz będzie mniej atrakcyjny, ale są chwile, w których warto zapłacić za usunięcie niechcianego szumu.
17. Suwaki / Wózki
Chociaż gimbale są nowym królem ruchu kamer, a drony rządzą niebem, suwaki i wózki nadal mają swoje miejsce.
Suwak to w zasadzie urządzenie, które pozwala kamerze „przesuwać się” po nim ręcznie lub automatycznie.
Wózek to w zasadzie wszystko, na czym znajduje się kamera, na której się toczy.
Oba są świetne. Obydwa wahają się w cenach od „brudno tanie” do „dlaczego to kupujesz”? Oba mogą pomóc w uzyskaniu pięknych, kinowych ujęć.
18. Przejścia
Przejście to za każdym razem, gdy jeden strzał przechodzi w drugi. Może to być tak proste, jak proste cięcie, do czegoś tak skomplikowanego, jak cały ten film:
Stylizowane przejścia są idealne dla twórców filmów podróżniczych, w których cała koncepcja polega zazwyczaj na popisywaniu się miejsc w nowy lub spektakularny sposób, ale są one wykorzystywane w każdym aspekcie kręcenia filmów i mogą pomóc natychmiast podnieść postrzeganą wartość produkcyjną Twojej pracy.
Przejścia w aparacie mają miejsce, gdy robisz zdjęcie, aby stworzyć efekt przejścia w aparacie.
Możesz także pobrać przejścia, których możesz użyć w poście, który został już dla Ciebie stworzony.
Bądź bardzo ostrożny. Nadużywanie może być bardzo szkodliwe dla filmu, więc oto kilka dobrych wskazówek, których należy przestrzegać.
Najpierw historia
Ogólnie rzecz biorąc, zawsze chcesz skupić się na opowiadaniu najlepszej historii i podkreślaniu wszystkiego, co robisz, i pracy dla tego celu.
Nie nadużywaj
Umieszczenie w projekcie jak największej liczby przejść może być kuszące. Uważaj, aby ich nie nadużywać ani nie nadużywać, aby nie zmniejszyć ich wpływu.
Bądź konsekwentny
Jeśli jedno ujęcie przebiega od lewej do prawej, następne prawdopodobnie wyglądałoby najlepiej, przechodząc od lewej do prawej, a także przejście. Użyj swoich przejść, aby kierować wzrokiem widza i dodać wizualnego zainteresowania bez rujnowania estetyki.
19. Symulowany ruch kamery
Czasami po prostu nie masz gimbala, sliderów ani wózków, zwłaszcza gdy dopiero zaczynasz. Świetną sztuczką, która dodaje dynamiki nudnym ujęciom ze statywu, jest dodanie symulowanego ruchu kamery w poście.
Sztuka polega na tym, żeby być subtelnym. Ekstremalne ruchy aparatu na zdjęciach ze statywu w słupku wydają się fałszywe, ponieważ różne elementy ujęcia nie są właściwie paralaksowane (przecinają się przed sobą lub za sobą), jak w przypadku prawdziwego ruchu aparatu.
Powiększanie lub śledzenie ujęć i pomniejszeń można wykonać, po prostu tworząc kluczową klatkę skali ujęcia w NLE. Na przykład, jeśli skala na początku ujęcia wynosi „100”, ustaw klatkę kluczową.
Następnie przejdź do końca ujęcia i zmień skalę na „102”, co powinno automatycznie ustawić kolejną klatkę kluczową. Po odtworzeniu powinno to dawać złudzenie, że kamera powoli śledzi lub zbliża się.
Ujęcia z panoramowaniem lub przechylaniem można wykonać, ustawiając w ten sam sposób klatkę kluczową w pozycji ujęcia. Po prostu zwiększ skalę swojego strzału, aby nie został odcięty po bokach, na górze lub na dole podczas ruchu.
Wygląd filmu – podsumowanie
Najlepsi filmowcy nie tylko mają świetną wizję w głowach, ale są w stanie uzyskać najlepszą reprezentację tej wizji na ekranie, aby inni mogli ją zobaczyć.
Mam nadzieję, że ten post ci w tym pomoże.
Dodaj to do zakładek, często odwołuj się do tego, a jeśli znasz kogoś, kto zaczyna pracę w kręceniu filmów, mam nadzieję, że ten artykuł również im pomoże.