i. Przygotowanie (przed próbami/strzelaniem):
* Casting:
* Clear Vision: Miej bardzo jasne wyobrażenie o osobowości, motywacjach i roli każdej postaci w historii.
* dopasowanie jest kluczem: Obsada aktorzy, którzy mają nie tylko talent, ale także ucieleśniają istotę postaci. Poszukaj aktorów, którzy łączą się z materiałem. Nie szukaj tylko „najlepszego aktora”, ale „najlepszego aktora dla * tej * części”.
* Przesłuchania są kluczowe: Użyj przesłuchań, aby zobaczyć, w jaki sposób aktorzy interpretują materiał, ich zasięg i jak podejmują kierunek. Podaj im określone sceny i podpowiedzi, które pozwalają im pokazać różne aspekty postaci.
* Chemia odczytuje (jeśli dotyczy): Jeśli scena wymaga bliskich relacji (romantycznych, rodzinnych, przeciwnych), rozważ chemię odczytu między potencjalnymi członkami obsady.
* Analiza skryptu:
* Głębokie zrozumienie: Dokładnie przeanalizuj skrypt. Zrozum tematy, fabuła, łuki postaci i podtekst.
* Creation: Opracuj kompleksowe historie dla każdej postaci, nawet aspekty, które nie zostały wyraźnie określone w scenariuszu. Pomaga to aktorom budować wiarygodne i dopracowane portrety.
* jasne cele i motywacje: Zidentyfikuj cele postaci (to, czego chcą) i ich motywacje (dlaczego tego chcą) w każdej scenie i podczas gry/filmu.
* Komunikacja z aktorami (przed próbami):
* Udostępnij swoją wizję: Przekaż swoją wizję ogólnego projektu i konkretnych postaci z aktorami jak najwcześniej.
* Podaj kontekst: Podaj im odpowiednie informacje, materiały referencyjne lub badania, aby pomóc im zrozumieć świat historii.
* Zachęcaj do współpracy: Zaproś ich wkład i pomysły na temat ich postaci. To sprzyja poczuciu własności i inwestycji.
* Odpowiedz na pytania: Bądź dostępny, aby odpowiedzieć na ich pytania i rozwiązać wszelkie obawy, jakie mogą mieć.
ii. Proces próby/strzelania:
* Utwórz bezpieczne i wspierające środowisko:
* zaufanie: Zbuduj fundament zaufania ze swoimi aktorami. Muszą czuć się komfortowo, podejmując ryzyko i badając różne możliwości.
* szacunek: Traktuj je z szacunkiem, słuchaj ich pomysłów i cenij ich wkład.
* Atmosfera bez osądu: Stwórz środowisko, w którym czują się bezpiecznie, popełniając błędy bez obawy o krytykę lub wyśmiewanie. Błędy są częścią procesu odkrywania.
* Zachęcaj do współpracy: Ułatwić współpracę między aktorami. Praca zespołowa może często prowadzić do bogatszych i bardziej autentycznych występów.
* Skuteczna komunikacja i kierunek:
* wyraźny i zwięzły kierunek: Zapewnij jasny i zwięzły kierunek. Unikaj niejasnych lub mylących instrukcji.
* Specyficzne informacje zwrotne: Podaj konkretną i możliwą do działania informację zwrotną. Zamiast mówić „to nie było dobre”, spróbuj podkreślić gniew w tej linii, lekko podnosząc głos i zaciskając pięści ”.
* Unikaj mikrozarzenia: Nie próbuj kontrolować każdego drobnego detalu ich wydajności. Daj im miejsce na zwiedzanie i dokonaj własnych wyborów w ramach, które ustanowiłeś.
* Użyj czasowników przydatnych: Bezpośredni aktorzy z czasownikami opisującymi, co powinni * robić *, a nie uczucia, które powinni mieć. Zamiast „bądź smutny”, spróbuj „pamiętaj o czasie, gdy straciłeś psa”.
* Zrozum techniki działania: Zapoznaj się z różnymi technikami aktorskimi (np. Metoda aktorstwa, technika Meisner), aby lepiej zrozumieć, w jaki sposób aktorzy zbliżają się do ich rzemiosła.
* Posłuchaj uważnie: Słuchaj uważnie, co mówią aktorzy i jak to mówią. Zwróć uwagę na język ciała i mimikę.
* Pozytywne wzmocnienie: Uznaj i chwalcie dobrą robotę. Pozytywne wzmocnienie zachęca ich do dalszego odkrywania i podejmowania ryzyka.
* Rozwój postaci:
* Przeglądaj motywacje: Zagłębiaj się w motywacje i pragnienia postaci. Pomóż aktorom zrozumieć, co napędza ich postacie w każdej scenie.
* fizyczność i głos: Pracuj z aktorami nad ich fizycznością, głosem i manierami, aby stworzyć wiarygodne i odrębne postacie.
* Improwizacja: Użyj ćwiczeń improwizacji, aby pomóc aktorom odkrywać ich postacie i relacje w spontaniczny i twórczy sposób.
* Zakres emocjonalny: Pomoc aktorów w szerokim zakresie emocji. Zapewnij im techniki uzyskiwania dostępu i wyrażania tych emocji w sposób prawdziwy i wiarygodny.
* aspekty techniczne (dla filmu/telewizji):
* oznaczenia i blokowanie: Upewnij się, że aktorzy są jasni na ich oznaczeniach, blokowaniu i kątach aparatu.
* Ciągłość: Utrzymuj ciągłość wydajności i szczegółów między ujęciami.
* Pace and Rhythm: Pracuj z aktorami nad tempem i rytmem sceny.
* Zaufaj procesowi: Bądź cierpliwy i zaufaj procesowi. Rozwijanie dobrych wyników wymaga czasu.
iii. Postprodukcja (dla filmu/telewizji):
* Wybór ujęć: Wybierz ujęcia, które najlepiej uchwycić esencję sceny i występ postaci.
* Współpraca w edycji (jeśli to możliwe): Zaangażuj aktorów w proces edycji (gdzie można to zrobić), aby uzyskać swój wkład w końcowe wyniki.
Kluczowe cechy dyrektora/lidera, który ma dobre wyniki:
* empatia: Zdolność rozumienia i dzielenia się uczuciami innych.
* Cierpliwość: Chęć czekać na właściwy moment i pracować nad wyzwaniami.
* Umiejętności komunikacyjne: Zdolność do jasnego i skutecznego wyrażania pomysłów.
* Przywództwo: Zdolność inspirowania i motywowania innych.
* Vision: Jasna i przekonująca wizja projektu.
* znajomość rzemiosła: Głębokie zrozumienie aktorstwa, reżyserii i opowiadania historii.
* Elastyczność: Zdolność dostosowywania się do zmieniających się okoliczności.
* otwartość na współpracę: Chęć słuchania i włączenia pomysłów innych.
* Szacunek dla aktorów: Doceń ich talent, kreatywność i ciężką pracę.
Koncentrując się na tych kluczowych elementach, możesz stworzyć środowisko wspierające i współpracujące, które upoważnia aktorów do zapewnienia najlepszych wyników. Pamiętaj, że każdy aktor jest inny, więc bądź przygotowany do dostosowania podejścia do ich indywidualnych potrzeb i preferencji.