Dowiedz się więcej o nadawaniu tempa swojej historii na każdym etapie produkcji i jak możesz jej użyć, aby utrzymać właściwe tempo projektów filmowych i wideo.
Tempo to coś, co może być trudne do wyczucia. Co sprawia, że jeden film wydaje się szybki i zabawny, a inny powolny i pracochłonny? To coś więcej niż tylko liczba cięć czy czas między nimi. Tempo jest czymś praktycznym, a także czymś niematerialnym, które informuje, jak widzowie oglądają film i nadążają za historią na ekranie.
I to nie tylko z filmami. Każdy film — od spotu telewizyjnego przez recenzję produktu na YouTube po TikTok — naprawdę powinien skupiać się na jego tempie. Pytanie brzmi:jak definiujesz tempo i kontrolujesz je w swoich projektach? Chociaż odpowiedź może być nieco skomplikowana, nabiera sensu, gdy zaczniesz łączyć ze sobą wszystkie elementy tworzenia filmu — od scenariusza, przez kręcenie, po montaż.
Przyjrzyjmy się więc pięciu sekretom tempa i tego, jak możesz zapobiec starzeniu się projektów.
1. Skrypt i scenorys
Tempo naprawdę zaczyna się na długo, zanim zaczniesz tworzyć swoją edycję. Tempo projektu jest określone na najwcześniejszych etapach tworzenia konspektu i scenariusza. Masz moc, aby zacząć określać swoje tempo w fazie przedprodukcyjnej, planując sesję zdjęciową i edycję. Różne projekty mają mieć różne tempo.
Projekt lub scena, która ma wyrażać intensywność lub zamieszanie, zostanie zaplanowany i skonstruowany tak, aby zawierał wiele ujęć, wiele cięć i dużo ruchu. Podczas gdy projekt lub scena, która powinna być bardziej przemyślana i emocjonalna, może nadawać się do długich ujęć, powolnych ruchów i niewielu cięć. Ważne jest, aby zadać sobie pytanie o swoje tempo, a następnie skoncentrować się na nim wcześnie i często, gdy zarysujesz swoje projekty.
Po przejściu do skryptu możesz stworzyć tempo we własnym stylu pisania, a także w notatkach ze sceny (tj. „akcja wzrasta”, „tempo przyspiesza”). Możesz także zacząć tworzyć tempo w swoich scenorysach, które mają kluczowe znaczenie dla określenia sposobu wchodzenia i wychodzenia z każdej sceny. Pomoże to również określić, jakie ruchy i ruchy kamery potrzebujesz, aby stworzyć tempo i prędkość.
2. Strzelaj z zamiarem
Oprócz tworzenia scenariuszy scenariusza z myślą o tempie, ważne jest, aby podejść do rzeczywistej produkcji z tempem na pierwszym planie. Dobra produkcja filmowa to nie tylko umiejętności czy kompozycja. Tak naprawdę chodzi o intencjonalność. Ile myśli i skupienia możesz wnieść do każdej sceny i każdego ujęcia? Tempo rozwija się dzięki skomplikowanej równowadze wszystkich elementów tworzenia filmów połączonych razem.
Pojedyncze ujęcie to podstawa ogólnego tempa projektu. Jak pasuje do ujęcia przed i do ujęcia po? Czy aktorzy lub podmioty poruszają się z tą samą szybkością i intencjami? Czy Twoja kamera porusza się razem z nimi, czy pozostaje nieruchoma? Jak to ujęcie wpływa na emocje bohaterów i ogólną narrację? Jeśli potrafisz zadać sobie te pytania i masz na nie mocne odpowiedzi, możesz celowo kontrolować tempo.
3. Stwórz rozpęd poprzez ruch
Gdy już poczujesz, że dobrze rozumiesz, jak tempo będzie działać w Twoim projekcie, kręconym od ujęcia, możesz naprawdę zagłębić się w rozwijanie tego tempa, korzystając ze wszystkich narzędzi ze swojego arsenału filmowego. Jednym z najlepszych narzędzi do określenia ogólnego tempa projektu jest ruch. Ruch — zarówno postaciami, obiektami, jak i samym aparatem — może nadać rozmach od ujęcia do ujęcia i od sceny do sceny.
Aż trudno uwierzyć, że był czas, kiedy prosty ruch kamery od lewej do prawej uważano za rewolucyjny. Ale od czasu Wielkiego napadu na pociąg , zarówno operatorzy, jak i filmowcy znajdują nowe i kreatywne sposoby na nadanie rozmachu poprzez wprawienie kamery w ruch. Wraz z powyższym filmem na YouTube przeczytaj więcej o znaczeniu ruchu kamery.
4. Nie edytuj tylko sekwencji według sekwencji
Jednym z ogólnych problemów związanych z tempem w większości projektów filmowych jest niespójność między sceną i sekwencją. Tylko dlatego, że masz jedną dobrze rozegraną sekwencję akcji, która jest oszałamiająca wizualnie i dostarczana w zadowalający sposób, nie oznacza to, że zawsze będzie dobrze pasować do sekwencji emocjonalnej relacji w następnej scenie. Tempo polega na spójności i znalezieniu właściwej równowagi między różnymi stylami i szybkościami.
Wspaniały przykład właściwego tempa można zademonstrować powyżej, przeglądając filmy Christophera Nolana. Nolan, znany ze swoich mega hitów i franczyz, jest mistrzem w ustalaniu tempa i znajdowaniu równowagi między szybkim a wolnym. Co więcej, możesz zobaczyć świetne przykłady tego, jak Nolan wykorzystuje różne techniki strzelania, kadrowanie kompozycyjne i ścieżkę dźwiękową do rozwijania tempa. Kluczowe jest jednak to, że chociaż stosuje wiele różnych stylów i szybkości, zawsze znajduje sposób na połączenie każdej sekwencji i sceny z następną, aby nie czuć jakbyś oglądał kilka małych winiet. Zamiast tego wszystko jest płynnie częścią w pełni zrealizowanej całości.
5. Dodaj grafikę, efekty i ruch
Wreszcie, jako ostatni krok, jeden świetny sposób na majsterkowanie i dostosowanie tempa projektu pojawia się na końcowych etapach edycji, kiedy dodajesz grafikę, efekty i cyfrowy ruch. W wielu wspomnianych filmach Christophera Nolana można zobaczyć świetne przykłady takich elementów, jak drgania kamery. Jednak chociaż wiele z nich jest w aparacie i w prawdziwym życiu, dodanie dynamicznego wstrząsu po fakcie może być pomocnym narzędziem. Wstrząsy powodują napięcie i niepokój, a także przyspieszają tempo scen, które mogą się nieco przeciągać podczas kręcenia statyczną kamerą.
Omówiliśmy, jak można budować tempo ruchem. Możesz stworzyć ten ruch również po fakcie, jeśli zajdzie taka potrzeba. Dodając różne przejścia, grafikę lub efekty, możesz sprawić, że Twoje sceny będą o wiele bardziej żywe i żywe, zwłaszcza jeśli dodawane informacje są bardzo potrzebne w Twoim projekcie — na przykład tytuły lub niższe tercje. Więcej informacji na temat tworzenia tytułów, tekstu i ruchu znajdziesz w tym zestawieniu samouczków.