Zainteresowany zostać godnym uwagi reżyserem zdjęć? Najlepszym miejscem do rozpoczęcia jest studiowanie wielkich mistrzów kinematografii.
Zacznę od stwierdzenia, że najlepszym sposobem na opanowanie jakiejkolwiek części filmu jest po prostu wyjście i zrobienie tego. Zrób to i zakończ i spróbuj ponownie, aż zrobisz to dobrze. Jednak, chociaż może to być praktyczne podejście, zdecydowanie istnieje bardziej filozoficzne podejście:studiuj sztukę tworzenia filmów i ucz się od tych, którzy opanowali ją przez lata.
Patrząc konkretnie na kinematografię, możemy spojrzeć wstecz na rozległą i bogatą historię legendarnych reżyserów. Pomogli rozwinąć rzemiosło, a także ukształtować nowe style i techniki. Są także siłą napędową innowacji, które posuwają do przodu formę sztuki w każdym projekcie.
Mając okazję zrecenzować kilkunastu największych autorów zdjęć wszech czasów, oto moje propozycje. Wiele się nauczyłem o tym, jak odkryli i rozwinęli swój styl, jak tak umiejętnie pracują z kontrastami między ciemnością a światłem i jak nadal popychają sztukę kinematografii do przodu, nawet dzisiaj.
Znajdź swoją pasję
Jedną z najbardziej fascynujących części badania tych wszystkich godnych uwagi operatorów filmowych jest po prostu zbadanie, co ich wszystkich napędza. Nie trzeba dodawać, że życie operatora zdjęć nigdy nie jest łatwe. Wymaga ekstremalnej pasji i poświęcenia. Aby urzeczywistnić swoją wizję, musisz w pełni zanurzyć się w rzemiośle i pracować nad projektami 24/7.
Jednak, gdy słyszysz, jak znany operator, taki jak Robert Yeoman, mówi w powyższym filmie o znalezieniu swojej twórczej iskry, zaczyna to mieć trochę więcej sensu. A kiedy zagłębisz się w to, jak Yeoman kształtuje swój styl i wizję, jednocześnie pielęgnując innego introwertyka, takiego jak Wes Anderson, uzyskasz jasny obraz tego, jak głęboko sięga jego pasja.
Rozwijaj swój język filmowy
Podobnie, jeśli przyjrzysz się karierze innego znanego nowoczesnego operatora, takiego jak Rachel Morrison, zobaczysz, jak ci artyści są związani ze swoim rzemiosłem. Jak wielu DP, Morrison opowiada o tym, jak dorastała z aparatem w dłoni. Aby naprawdę wyróżniać się w kinematografii, musisz pasjonować się tym medium i nieustannie ulepszać swoją pracę.
Podróż filmowca kształtuje się również w tym, jak potrafią rozwinąć własny język jako środek do kinowej opowieści. W powyższym eseju wideo na temat Morrison możesz zobaczyć, jak subtelnie udało jej się stworzyć niepowtarzalny styl i wyglądać na wielu swoich filmach, stosując kilka takich samych technik fotografowania i palety kolorów.
Poznaj różne kąty
Interesujące jest również odkrywanie różnych kątów i obiektywów, których używają operatorzy, aby ożywić swoje światy. Niektórzy lubią fotografować bardzo płasko i makro, odkrywając subtelne niuanse twarzy i emocji. Tymczasem inni lubią pracować w szerokim kącie, aby uchwycić większe niż w rzeczywistości zestawy i nadać więcej kontekstu przestrzeni i akcji.
Patrząc na szerokokątny świat legendarnych DP, takich jak Wally Pfister, powyższe wideo jest doskonałym przykładem tego, jak będzie obiektywizował swoje filmy. W swojej wielorakiej współpracy z Christopherem Nolanem, a także w innych projektach, Pfister wykorzystuje swoje szerokie podejście, aby uchwycić wspaniałość swoich poddanych i pomóc ożywić zakres akcji.
Zostań postacią na scenie
Kolejna zabawna rada, którą uważam za naprawdę fascynującą, pochodzi od wschodzącej i przyszłej reżyserki, Reed Morano, która była w stanie uchwycić swoje postacie z niezwykłą szczerością i szczegółowością. Wynika to w dużej mierze z jej podejścia (które opisuje powyżej), aby „stać się postacią na scenie” za pomocą aparatu.
Dobry DP nie powinien być tylko naklejką na ścianę lub w tle konfliktu i akcji. Silny operator filmowy, taki jak Morano, chce być w środku sceny, poruszając się z postaciami, angażując się w nie i ich emocje oraz dając widzom perspektywę POV, jakby byli w pokoju.
Eksperymentuj wcześnie i często
Pod wieloma względami ci, którzy dopiero zaczynają przygodę z kinematografią, mają największe szczęście. Te wczesne lata to czas, kiedy operatorzy mają swobodę odkrywania i eksperymentowania z fascynującym medium filmowym. Jeśli przyjrzymy się innowacyjnej kinematografii i karierze Matthew Libatique, który pomógł ukształtować wiele bardziej mózgowych filmów, które kierował Darrenem Aronofskym, zaczynasz dostrzegać, jak wiele eksperymentów przeprowadzono w przeszłości.
Libatique wiele ze swoich innowacyjnych stylów i technik zawdzięcza swoim najwcześniejszym dniom, kiedy bawił się kamerami i majstrował przy różnych materiałach filmowych i szybkościach. Jego eksperymenty naprawdę udoskonaliły umiejętności, na których polegał przez całą swoją karierę.
Utwórz Lookbook
Spośród wszystkich operatorów, których przedstawialiśmy i przeprowadzaliśmy przez lata wywiady, Bradford Young udziela prawdopodobnie najlepszej rady, jaką kiedykolwiek słyszałem, każdemu, kto chce zająć się kinematografią, a nawet ogólnie filmowaniem. Stwórz lookbook! Jak stwierdza w powyższym filmie, nie tylko pomaga to rozwinąć własny wygląd i styl, ale także przygotowuje do przezwyciężenia nerwów związanych z rozpoczynaniem pracy w branży.
Jak wyjaśnia Young, lookbook nie musi być tak jasny i zwięzły, jak widać na powyższym przykładzie. Ze względów praktycznych praktyka lookbookingu w rzeczywistości pozwoli Twojemu kinowemu umysłowi i oku rozpoznać wyglądy i style, które możesz ostatecznie rozwinąć we własnych kompozycjach.
Użyj kinematografii do tworzenia dźwięku
Jeden z moich ulubionych przykładów potęgi kinematografii pochodzi z Cichego miejsca , przez DP Charlotte Bruus Christensena. W tym filmie Christensen dokonuje rzeczy nie do pomyślenia, tworząc dźwięk z niemej praktyki kinematografii.
Początkowo szkolony w stylu Dogme 95 i filozofii tworzenia filmów, Christensen przez lata wypracował naturalistyczne podejście do kinematografii. Jej podejście daje filmowcowi możliwość wykorzystania obrazów do przemawiania do widzów w sposób znacznie głębszy i głośniejszy niż tylko postacie i ruch.
Zrozumienie znaczenia kontrastu
Kolejnym ważnym wnioskiem z prześledzenia karier tak wielu cenionych operatorów filmowych jest to, jak wszyscy są skoncentrowani na kontraście i znaczeniu ciemności i światła. To naprawdę są absolutnie podstawowe elementy składowe tego, jak konstruowane są obrazy i ujęcia. Tak więc, podczas gdy operator może skupić się na innych elementach koloru i kompozycji, kontrasty są zawsze na pierwszym planie.
Chyba nie ma na to lepszego przykładu niż w przypadku wieloletniego operatora filmowego Stevena Spielberga Janusza Kamińskiego. Kamiński nakręcił tak znane sekwencje, jak otwierająca „modlitwę przy świecach” z Listy Schindlera . W powyższym wywiadzie Kamiński wyjaśnia, jak ważne są te kontrasty między światłem a ciemnością, które wpływają na jego zdjęcia, a także na to, kim jest jako artysta.
Użyj aparatu jako przedłużenia siebie
Ten cytat brzmi prawdziwie dla każdego wytrawnego DP, który spędził dużo czasu za kamerą. W pewnym momencie sztuka operatorska przestaje być zadaniem i staje się po prostu przedłużeniem samego siebie. Kamera w zasadzie staje się kończyną lub trzecim okiem, aby DP mógł oglądać i uchwycić otaczający ich świat.
Patrząc na przykładowe i zapierające dech w piersiach zdjęcia Ellen Kuras (która nakręciła jeden z moich ulubionych filmów Eternal Sunshine of the Spotless Mind ) na przykład możesz zacząć rozumieć, jak prawdziwe jest to pojęcie. Wystarczy spojrzeć na jej najsłynniejszy projekt, aby naprawdę poczuć, że jej aparat jest podobny do jej wizji, gdy oglądamy niektóre z urzekających, ale prawdziwie ludzkich momentów filmu, które przechodzą przed naszymi oczami.
Bądź współpracownikiem swojego reżysera
To chyba powinno być oczywiste, ale jeśli chcesz odnieść sukces jako operator, pracuj ze świetnymi reżyserami! Tak jest z pewnością w przypadku legendarnego Roberta Richardsona, który pracował z wielkimi reżyserami, takimi jak Oliver Stone i Quentin Tarantino. Jednak sztuka polega nie tylko na pracy ze świetnymi reżyserami. Właściwie to bycie świetnym współpracownikiem.
Richardson wielokrotnie znajdował pracę z niektórymi z największych nazwisk w branży ze względu na jego zdolność do bycia kreatywnym partnerem. Poza tym jest sprytnym sługą sztuki operatorskiej na planie. Potrzeba idealnego połączenia kompatybilności i komunikacji, aby współpracować ze świetnym reżyserem i pomóc urzeczywistnić jego wizję.
Pamiętaj, aby zawsze obsługiwać historię
Podobnie jak w powyższej radzie, kolejną zasadą świetnej kinematografii jest zawsze pamiętać, że historia jest na pierwszym miejscu. Patrząc wstecz na zdjęcia nieżyjącego już Michaela Chapmana, który był jednym z pierwszych współpracowników Martina Scorsese przy filmach takich jak Taksówkarz i czarno-biały Wściekły byk , w każdym kadrze mamy silne wyczucie historii.
W powyższym filmie Chapman przypisał sukces swojej pracy ciągłej koncentracji na obsłudze historii. Podzielił się swoim zainteresowaniem ze Scorsese i właśnie dzięki temu oboje odnieśli taki sukces.
Bądź częścią ruchu filmowego
Interesujące jest również spojrzenie wstecz na historię kinematografii, aby rozpoznać różne epoki i ruchy. Kiedy Caleb Deschanel zaczynał swoją karierę w filmie i kinematografii w latach 60. i 70., klasyczne Hollywood wciąż było normą. Jednakże, gdy wspinał się w górę, szybko znalazł się w nowym ruchu. Wraz z rówieśnikami, takimi jak Robert Richardson i Roger Deakins, Deschanel wprowadził kinematografię w nowy i nowoczesny hollywoodzki styl.
Nie oznacza to, że powinieneś po prostu kopiować to, co robią Twoi koledzy. Zamiast tego oznacza to, że podobnie jak Deschanel, ważne jest, aby zdać sobie sprawę, że nie musisz robić rzeczy w taki sam sposób, jak zawsze. Zamiast tego szukaj nowych stylów i technik na każdym zakręcie.
Pchaj dalej sztukę
Wreszcie, jednym z największych znaków rozpoznawczych tego, co sprawia, że pracujący DP jest prawdziwym mistrzem kinematografii, jest chęć popychania tej formy sztuki do przodu. Nad projektami na całym świecie pracują tysiące super utalentowanych DP. Jednak wyróżnienie się w wysoce konkurencyjnej branży wymaga pewnej chęci wykorzystania nowych technologii i możliwości.
Jako prawdziwy prowokator innowacji, musimy wspomnieć o niezłomnej chęci Stevena Soderbergha do pchania branży do przodu. Soderbergh współpracuje z wieloma swoimi projektami pod pseudonimem Peter Andrews. Podczas gdy wielu dyrektorów studia i reżyserów robi filmy większe, bardziej błyskotliwe i droższe, Soderbergh nadal wykorzystuje nową technologię wideo na smartfony, aby otworzyć się na tworzenie filmów dla nowej generacji ambitnych operatorów.