Steven Soderbergh znalazł -radarowy sposób na doskonalenie kinematografii przy jednoczesnym ugruntowaniu statusu twórcy filmowego.
Dla wielu osób spoza Hollywood (których, spójrzmy prawdzie w oczy, większość z nas w tej branży) pojęcia pseudonimów i regulaminów gildii nie mają większego sensu. Jeśli napisałeś, wyreżyserowałeś lub zmontowałeś film, powinieneś otrzymać za to uznanie. Jeśli sam nakręciłeś film, powinieneś zostać uznany za operatora. Wydaje się całkiem proste.
Jednak, jak dowiedział się młody Steven Soderbergh, gdy włamywał się do branży – najpierw z niezależnym hitem Seks, kłamstwa i taśma wideo , a później z uznaniem krytyków i komercyjnie Traffic — nie zawsze zdobywasz uznanie, na jakie możesz chcieć lub na które zasługujesz.
Z powodu problemów z Gildią Pisarzy na początku swojej kariery Soderbergh był zmuszony wymyślić pseudonim, aby uzyskać uznanie za pracę operatorską nad swoimi filmami. Wybrał imię „Peter Andrews” jako hołd dla pierwszego i drugiego imienia swojego ojca. (I, co ciekawe, był również zmuszony wymyślić pseudonim za swoją pracę montażową, do której wybrał „Mary Ann Bernard” na cześć swojej matki).
Od tej wczesnej decyzji „Peter Andrews” kręcił prawie wszystkie filmy Soderbergha, co czyni go jednym z najbardziej płodnych pracujących DPsów, z przebojowymi tytułami, takimi jak Ocean’s Eleven , Erin Brockovich , Magiczny Mike , Logan Szczęściarz i wiele innych.
Ale co dzieje się za obiektywem tego uznanego operatora filmowego/reżysera i jak te dwie osobowości współpracują ze sobą, aby stworzyć tak w pełni ukształtowanego autora filmów, który przez lata tak wizualnie bawił publiczność? Przyjrzyjmy się bliżej.
Kinematografia autorska
Muszę przyznać, że zagłębianie się w filmografię Stevena Soderbergha było absolutną rozkoszą. Nie tylko tworzy przyjemne i zapadające w pamięć filmy, ale jest także klasycznym przykładem tego, jak zwarta, szybka i kontrolowana historia może być przedstawiona, gdy za kamerą stoi prawdziwy autor filmów.
Ponieważ Soderbergh zarówno reżyseruje, jak i kręci (i często edytuje) własne projekty, naprawdę masz wrażenie, że widzisz w pełni zrealizowaną wizję, która uwzględnia każdy moment i kadr. Soderbergh pochyla się nad swoimi umiejętnościami autorskimi wcześnie i często w całej swojej karierze, ponieważ polega na inteligentnych, ciasnych ujęciach, a nie na obszernym opisie sceny. Na przykład jeden z jego pierwszych wielkich hitów, Poza zasięgiem wzroku zawiera scenę otwierającą, która rozgrywa się w całości pomiędzy dwoma postaciami w bagażniku samochodu. Spróbuj zostać reżyserem i zaprezentuj oświetlenie i nakręć tę scenę swojemu operatorowi i zobacz, jak zareagują!
W przeciwieństwie do typowej kinematografii, w której celem jest uzyskanie jak największej ilości materiału filmowego na kolejnym etapie procesu filmowego, Soderbergh działa szybko i intensywnie wykorzystuje zbliżenia i szybkie ujęcia. Często faworyzuje również nietradycyjne ujęcia o ustalonej pozycji na rzecz bardziej eksperymentalnych sposobów wprowadzania widzów do sceny, co pozwala na szybszą pracę na planie bez konieczności korzystania z największych i największych konfiguracji.
Styl kinowy Hyperlink
Podczas gdy poniżej przejdziemy nieco dalej do tego, jak Soderbergh wykorzystuje kolor w swoich zdjęciach, to super-cut wideo z jego pracy za obiektywem na Ocean's Trylogia to świetny sposób na opowiedzenie o jego kinowym stylu hiperłączy oraz o tym, jak wykorzystuje różne kąty ujęć i wygląd, aby połączyć rozproszone perspektywy. W wielu swoich filmach Soderbergh stosuje styl zwany „multinarracją” lub „kinem hiperłączy”.
Ten styl kinowy rodzi złożone narracje pełne różnych perspektyw, skomplikowanych zwrotów akcji i przeplatających się wątków, które przeskakują w czasie zarówno do tyłu, jak i do przodu. A dla wielu operatorów kręcenie scen w tym stylu może być bardzo zagmatwane i trudne w nawigacji, jeśli nie masz bardzo silnej relacji z reżyserem.
Ponieważ jednak Soderbergh jest jego własnym DP, jest w stanie w pełni uchwycić chaotyczną naturę kina hiperłącza, gdy konstruuje te wyszukane — i często niezwykle kreatywne i niekonwencjonalne — struktury ujęć, które są nieszablonowe, oszałamiające wizualnie i bardzo bogaty w kolor. Możesz to zobaczyć na własne oczy w powyższym klipie, który pokazuje bogactwo kolorów, kąty ujęć i eksperymentalne techniki Oceanu franczyza.
Umyte palety kolorów
Soderbergh naprawdę błyszczy, jak używa kolorów, aby wprowadzić widzów głębiej w swój świat kina, a także dostarczać wizualnych wskazówek, dokąd może zmierzać narracja i jak widzowie powinni się czuć w stosunku do niektórych postaci i wydarzeń.
Soderbergh dopracował do perfekcji swój własny, wyprany profil kolorystyczny, który wydaje się prawdziwy, ale wciąż jest wystarczająco sensacyjny, by przyciągnąć widzów niektórymi z bardziej dziwacznych elementów wielu podziemi, które często pojawiają się w jego filmach. Przykłady takie jak Ocean przychodzą mi na myśl filmy, a także chropowate tekstury Traffic i jasno rozmyte światła sceniczne Magic Mike .
Jak widać na powyższym filmie (skomponowanym przez Fandora), Soderbergh lubi tworzyć kolorowe poświaty, nasycając postaci w scenach jednym rozpoznawalnym odcieniem, który tworzy kompleksowo poprzez oświetlenie na planie, ustawienia w aparacie, a często także własne. koloryzacja postprodukcyjna. Te wskazówki pomagają widzom lepiej łączyć się ze scenami, postaciami i emocjami, którymi może się później bawić, gdy kolory stają się bardziej kontrastowe ze sobą.
Montaż Soderbergh
Dla tych, którzy znają filmowy termin „montaż”, powiedziałbym, że Soderbergh stał się jedną z najbardziej wpływowych postaci, które przekształciły tę technikę z jej wczesnych francuskich korzeni Nowej Fali w znacznie bardziej praktyczne, nowoczesne narzędzie filmowe. W przeciwieństwie do bardzo irytujących stylów montażowych z lat 60. i 70., Soderbergh stosuje tę technikę w sposób wyraźny, płynny, zrewolucjonizował sposób, w jaki filmowcy mogą szybko przechodzić między scenami, wychodzić z nich i przechodzić między nimi bez utraty zrozumienia przez widzów.
Jako operator Soderbergh doskonale to pokazuje w swoich nowszych filmach — takich jak Pralnia — gdzie jest w stanie przeskakiwać między scenami obejmującymi czas, przestrzeń i lokalizację na całym świecie, aby pomóc połączyć złożone, ustrukturyzowane narracje. Możesz zobaczyć ten kontrolowany chaos na overdrive w zwiastunie powyżej.
Ten „Montaż Soderbergha” wymaga wnikliwego oka do kinematografii, gdzie kadrowanie każdego ujęcia musi być idealnie skomponowane, aby dopasować i ułatwić widzowi przejście do następnego ujęcia, niezależnie od tego, czy jest na tym samym planie, czy wykorzystuje tych samych aktorów. A Soderbergh musi to zrobić w swoim szybkim stylu filmowania — często dla prawie każdej sceny filmu.
Przyszłość kinematografii na smartfony
Wreszcie, podczas gdy Soderbergh cieszył się uznaniem zarówno za swoją wczesną pracę, jak i nagrodzone Oscarem wysokobudżetowe przedsięwzięcia, ostatnio reżyser/autor zdjęć zwraca uwagę na powrót do swoich korzeni i pracę jako niezależny filmowiec DIY, który jako jeden z pierwszych przyjął możliwości kinematografii smartfonów.
W rzeczywistości, mając na swoim koncie dwie ostatnie funkcje nakręcone iPhonem, Soderbergh wydaje się być skoncentrowany na tworzeniu filmów na smartfonie, jako opłacalna alternatywa niezależna, a także prawdziwa opcja dla znanych reżyserów i gwiazd.
Jego praca za telefonem z aparatem (że tak powiem) na obu Unsane (o czym możesz przeczytać więcej tutaj) i High Flying Bird zostały docenione za kreatywną i stylizowaną kinematografię, uwzględniającą ograniczenia i możliwości aparatu smartfona.
Jeśli interesuje Cię perspektywiczna kariera filmowa, rozważ podążanie za przykładem Soderbergha. Jego statyczne, szerokokątne podejście do funkcji smartfonów jest prawdopodobnie najlepszym przykładem tego, dokąd branża może zmierzać w ciągu najbliższych kilku lat i dziesięcioleci.