1. Zrozumienie swojego tematu i wizji:
* Preprodukcja jest kluczowa: Najlepsze portrety zaczynają się na długo przed podniesieniem aparatu.
* rozmowa: Porozmawiaj ze swoim tematem! Dowiedz się o ich osobowości, zainteresowaniach i jakiego rodzaju wizerunku chcą rzutować. Co sprawia, że czują się pewnie i wygodne?
* Cel: Za co jest portret *? Profesjonalny strzał w głowę ma inne wymagania niż osobisty projekt artystyczny.
* tablica nastroju: Stwórz tablicę nastroju z przykładami portretów, które podziwiasz. Pomaga to Tobie i Twojemu tematowi wizualizować pożądaną estetykę (np. Mroczne i nastrojowe, jasne i przewiewne, szczere, formalne). Rozważ kolory, style oświetlenia, pozowanie i ogólny charakter.
* Scouting Lokalizacja: W przypadku strzelania na miejscu, zwiadowaj wcześniej. Rozważ światło o różnych porach dnia, potencjalne zakłócenia i interesujące tła.
* historia: Każdy portret opowiada historię. Jaką historię chcesz opowiedzieć ten portret? Czy chodzi o siłę, wrażliwość, radość, mądrość itp.? Wyrażenie, pozę i ogólną atmosferę, powinny przyczynić się do tej historii.
2. Wybór przekładni:
* kamera: DSLR, kamery bezlusterkowe, a nawet smartfony mogą robić świetne portrety. Rozważ rozmiar czujnika. Większe czujniki (pełna ramka) zazwyczaj działają lepiej w słabym świetle i oferują płytszą głębokość pola.
* soczewki:
* klasyczny obiektyw portretowy: Popularne wybory 50 mm, 85 mm i 135 mm. Oferują pochlebną perspektywę (mniej zniekształceń) i pozwalają na przyjemne rozmycie tła (Bokeh).
* 50 mm: Wszechstronny i często przystępny cenowo. Dobry do portretów środowiskowych (pokazujący temat w ich otoczeniu).
* 85 mm: Uważany przez wielu za idealny obiektyw portretowy. Kompresuje się lekko, co tworzą pochlebny wygląd. Doskonałe separacja w tle.
* 135 mm: Jeszcze większa kompresja i rozmycie tła. Wymaga większej odległości między tobą a twoim przedmiotem.
* Zoom soczewki: Obiektywy 70-200 mm f/2.8 są bardzo popularne wśród fotografów portretowych. Oferują elastyczność w ramach i ogniskowej.
* prime vs. zoom: Obiektywy pierwszorzędne (stała ogniskowa) często mają szersze otwory (f/1.4, f/1.8), co pozwala na płytszą głębokość pola i lepszą wydajność niskiego światła. Soczewki zoom oferują wygodę, ale mogą nie być „szybkie” (szeroka apertura).
* oświetlenie: To jest ogromne.
* naturalne światło: Najpopularniejszy i często najpiękniejszy.
* złota godzina: Godzina po wschodzie słońca i godzinę przed zachodem słońca. Ciepłe, miękkie i pochlebne światło.
* Otwórz odcień: Umieść temat w cieniu budynku lub drzewa. Unikaj bezpośredniego światła słonecznego, które może powodować ostre cienie i mrużanie.
* Ogromne dni: Zapewnia miękkie, rozproszone światło, minimalizując cienie.
* sztuczne światło: Zapewnia większą kontrolę.
* Bezgazowe światła (miga): Przenośne i wszechstronne. Może być stosowany na kamerze lub poza kamerą (zdalnie uruchamiany). Użyj modyfikatorów (softboxy, parasoli), aby zmiękczyć światło.
* stroby studio: Potężniejsze niż błyskawice. Często używane w ustawieniach studyjnych. Wymagaj punktów zasilających.
* Ciągłe oświetlenie (diody LED): Stałe źródło światła. Łatwiej zobaczyć wpływ oświetlenia w czasie rzeczywistym. Przydatny zarówno w przypadku wideo, jak i still.
* Modyfikatory: Kształtować i zmiękć światło.
* softboxes: Twórz miękkie, rozproszone światło. Występuj w różnych kształtach i rozmiarach.
* parasole: Mniej precyzyjne niż softboxy, ale łatwiejsze do konfiguracji i bardziej przystępne.
* reflektory: Odbij światło na obiekcie, wypełniając cienie. Może być srebrny, biały lub złoty.
* dyfuzory: Zmiękczyć ostre światło słoneczne.
3. Ustawienia aparatu:
* apertura (f-stop): Kontroluje głębokość pola.
* szeroka apertura (np. f/1.4, f/2.8): Płytka głębokość pola. Rozmywa tło, izolując obiekt. Dobrze podkreślać oczy.
* wąska apertura (np. f/8, f/11): Większa głębokość pola. Utrzymuje więcej sceny. Dobry do portretów środowiskowych lub ujęć grupowych.
* Sprawa migawki: Kontroluje, jak długo czujnik aparatu jest narażony na światło.
* Szybszy czas otwarcia migawki (np. 1/200s, 1/500s): Zamraża ruch. Konieczne przy użyciu strobów lub strzelaniu w jasnym świetle.
* Wolniejszy czas otwarcia migawki (np. 1/60s, 1/30s): Może wprowadzić rozmycie ruchu. Wymaga stabilnego aparatu lub statywu.
* ISO: Kontroluje wrażliwość kamery na światło.
* Low ISO (np. 100, 200): Niższy szum, lepsza jakość obrazu. Idealny do jasnych warunków.
* High ISO (np. 800, 1600, 3200+): Wyższy hałas, ale pozwala strzelać w słabym świetle.
* Tryb pomiarowy: Jak kamera mierzy światło.
* Pomiar oceny/macierzy: Kamera analizuje całą scenę. Ogólnie dobry punkt wyjścia.
* Metry punktowe: Mierzy światło z małego obszaru. Przydatny w trudnych sytuacjach oświetlenia.
* Pomiar ważony w środku: Priorytetuje środek ramy.
* Tryb ostrości:
* jednopunktowy AF (AF-S lub jeden strzał): Koncentruje się na jednym punkcie. Dobry dla podmiotów statycznych. Skoncentruj się na oku najbliżej aparatu.
* Ciągłe AF (AF-C lub AI Servo): Ciągle dostosowuje koncentrację w miarę poruszania się przedmiotu. Dobry do ujęć akcji lub przedmiotów, które się zmieniają.
* Bilans biały: Zapewnia dokładne kolory.
* Auto White Balance (AWB): Kamera próbuje odgadnąć prawidłową równowagę białą. Często działa dobrze, ale czasami może być niedokładne.
* Custom White Balance: Użyj szarej karty lub białego obiektu, aby ręcznie ustawić równowagę białą. Dokładniejsze.
* strzelaj w surowym: Przechwytuje więcej danych niż JPEG, co daje większą elastyczność w przetwarzaniu końcowym.
4. Pozowanie i reżyserowanie:
* Zacznij od podstaw: Dobra postawa, zrelaksowane ramiona i lekkie zgięcie łokci lub kolan. Unikaj sztywnych pozy.
* kąty:
* Unikaj bezpośrednio skierowania się do kamery: Lekko obracanie ciała na bok jest ogólnie bardziej pochlebne.
* Eksperymentuj z wysokością aparatu: Strzelanie z nieco powyżej może być odchudzające. Strzelanie z dołu może sprawić, że temat wydaje się potężny.
* Tilt Head: Lekkie pochylenie głowy może zwiększyć zainteresowanie i zmiękczyć linię szczęki.
* Hands: Często najbardziej niezręczna część pozowania.
* Daj im coś do zrobienia: Trzymaj obiekt, opieraj na kolanach lub umieść w kieszeniach.
* Unikaj zaciśniętych pięści: Trzymaj ręce rozluźnione i lekko zakrzywione.
* Połączenie: Najważniejsze jest połączenie z tematem.
* rozmowa jest kluczem: Rozmawiaj z tematem podczas sesji. Przekaż im opinię i zachętę. Spraw, aby czują się komfortowo.
* Wywołaj prawdziwe emocje: Opowiedz żart, zadaj przemyślane pytanie lub poproś o coś, co ich uszczęśliwia. Najlepsze portrety rejestrują prawdziwy wyraz.
* Mirroring: Subtelnie odzwierciedlając postawę pacjenta może pomóc w budowaniu relacji.
* Mikro regulacje: Małe korekty mogą mieć duże znaczenie. Niewielkie przesunięcie podbródka, zmiana ręki, zmiana kąta ciała może poprawić skład.
5. Szczegółowe techniki oświetlenia:
* Konfiguracja jednorodka (studio): Świetny punkt wyjścia.
* Umieszczenie:
* 45-stopniowy kąt: Umieść światło pod kątem 45 stopni na obiekcie. To tworzy klasyczny portret z miękkim cieniem.
* Rembrandt Lighting: Umieść światło wysoko i lekko na bok, tworząc mały trójkąt światła na policzku naprzeciwko źródła światła.
* wypełnij światło (opcjonalnie): Użyj reflektora, aby odbijać światło z powrotem w cienie.
* konfiguracja dwóch świateł (studio): Dodaje więcej wymiarów.
* światło kluczowe: Główne źródło światła.
* wypełnij światło: Umieszczone po przeciwnej stronie światła kluczowego, przy niższej mocy, aby wypełnić cienie.
* oświetlenie obręczy (podświetlenie): Stawia światło za tematem, tworząc efekt halo wokół głowy i ramion. Może być dramatyczne.
* oświetlenie Clamshell: Umieszcza światło powyżej i poniżej tematu, tworząc równomierne, pochlebne światło. Często używane w fotografii piękności.
6. Kompozycja:
* Zasada trzeciego: Podziel ramkę na trzy, zarówno poziomo, jak i pionowo. Umieść kluczowe elementy (jak oczy) wzdłuż tych linii lub na skrzyżowaniach.
* wiodące linie: Użyj linii na scenie, aby przyciągnąć oko widza do tematu.
* przestrzeń ujemna: Pusta przestrzeń wokół tematu. Może stworzyć poczucie równowagi i zwrócić uwagę na temat.
* kadrowanie: Użyj elementów w scenie, aby oprawić temat (np. Drzwi, łuki, drzewa).
* Symetria vs. asymetria: Zastanów się, czy chcesz zrównoważony (symetryczny) czy dynamiczny (asymetryczny) skład.
7. Procesing (edycja):
* oprogramowanie: Adobe Lightroom i Adobe Photoshop to standardy branżowe.
* Podstawowe korekty:
* Ekspozycja: Dostosuj ogólną jasność obrazu.
* kontrast: Dostosuj różnicę między wyświetleniami i cieniami.
* Podprawy i cienie: Dostosuj jasność wyświetleń i cieni osobno.
* białe i czarne: Ustaw białe i czarne punkty, aby zapewnić pełny zakres tonalny.
* klarowność i tekstura: Dodaj lub zmniejsz ostrość i szczegóły. Używaj oszczędnie, ponieważ zbyt wiele może wyglądać sztucznie.
* Korekta kolorów: Dostosuj równowagę białą, wibrację i nasycenie.
* retuszowanie skóry:
* Separacja częstotliwości: Technika, która pozwala wygładzić skórę bez utraty tekstury. (Bardziej zaawansowane)
* Stemping pędzla i klonów: Usuń wady i rozproszenie uwagi.
* Dodge &Burn: Subtelnie rozjaśniają i przyciemniają obszary, aby poprawić formę i dodać wymiar.
* wyostrzenie: Wyostrz obraz jako ostatni krok.
* Cropping: Udostępnij kompozycję.
8. Różne style i rozważania dotyczące portretów:
* strzały: Skoncentruj się na twarzy i ekspresji. Czyste tło. Strój zawodowy. Dobre oświetlenie.
* Portrety środowiskowe: Pokaż temat w ich środowisku, opowiadając historię o ich życiu lub pracy. Rozważ tło i sposób, w jaki odnosi się ono do tematu.
* szczere portrety: Uchwyć temat w naturalnym, niepoponowanym momencie. Wymaga cierpliwości i obserwacji.
* Portrety mody: Podkreśl odzież i stylizację. Zwróć uwagę na pozowanie, oświetlenie i pochodzenie.
* Portrety buduarowe: Skoncentruj się na zmysłowości i pięknie. Wymaga komfortowych i ufnych relacji z tematem.
Ważne wskazówki dotyczące sukcesu:
* Ćwicz, ćwicz, ćwicz: Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
* przestudiuj innych fotografów: Przeanalizuj pracę fotografów, których podziwiasz. Co sprawia, że ich portrety są tak przekonujące?
* Uzyskaj informacje zwrotne: Podziel się swoją pracą i poproś o konstruktywną krytykę.
* Bądź cierpliwy: Tworzenie wspaniałego portretu wymaga czasu i wysiłku.
* baw się dobrze: Ciesz się procesem! Twój entuzjazm będzie zaraźliwy.
* Szanuj swój temat: Ich komfort i godność są najważniejsze.
w podsumowaniu:mentalność „Jak mam strzał”:
1. koncepcja: * Co staram się osiągnąć dzięki temu portretowi?* (Historia, emocje, cel)
2. Planowanie: * Jak ożywić moją koncepcję?* (Temat, lokalizacja, oświetlenie, tablica nastroju)
3. Wykonanie: *Ustawienia kamery, pozowanie i połączenie*
4. Udoskonalenie: *Przetwarzanie po ulepszeniu i sfinalizowaniu obrazu.*
Koncentrując się na tych kluczowych elementach, możesz poprawić fotografię portretową i tworzyć obrazy, które są zarówno technicznie solidne, jak i emocjonalnie rezonansowe. Powodzenia i kręć!