Krok 1:Rozwój koncepcji i planowanie (Brainwork)
Jest to prawdopodobnie najważniejszy krok. Zanim zdobędziesz aparat, potrzebujesz wizji. Rozważ te elementy:
* motyw/historia: Jaką historię chcesz opowiedzieć? Czy to nastrój (melancholia, wzmocnienie, kapryśne)? Czy to konkretna narracja? Hołd? Narysuj inspirację z filmów, książek, sztuki, muzyki, a nawet osobistych doświadczeń.
* nastrój i atmosfera: Jak chcesz, aby widz * poczuł *, kiedy patrzy na zdjęcie? Użyj przymiotników (marzycielski, odważny, tajemniczy, radosny, surrealistyczny), aby to zdefiniować.
* Lokalizacja: Gdzie odbędzie się sesja? Czy może to być studio (kontrolowane środowisko), na zewnątrz (naturalne i wszechstronne) lub interesująca przestrzeń wewnętrzna? W razie potrzeby rozważ zwiad i zezwolenia.
* Wybór modelu: Wybierz model, który pasuje do Twojej wizji i wyraża wyrażanie pożądanych emocji. Rozważ ich wygląd, osobowość i chęć współpracy. Jeśli pracujesz z przyjacielem, nadal traktuj to profesjonalnie.
* Wardrobe &Styling: Ubranie, włosy i makijaż powinny uzupełniać motyw i nastrój. Pomyśl o kolorach, teksturach i tym, jak przyczyniają się do ogólnej estetyki. Rozważ współpracę ze stylistą.
* rekwizyty: Rekwizyty mogą zwiększyć zainteresowanie wizualne, wspierać narrację i dostarczać modelu coś do interakcji. Przykłady:vintage obiekty, kwiaty, tkaniny, maski, balony.
* Plan oświetlenia: Jak użyjesz światła, aby kształtować nastrój i podkreślić swój temat? (Więcej na ten temat później)
* szkic i nastrój: Wizualizacja twoich pomysłów ma kluczowe znaczenie. Utwórz tablicę nastroju z obrazami, które Cię inspirują (kolory, pozy, oświetlenie, lokalizacje itp.). Naszkicuj szorstkie kompozycje i konfiguracje oświetleniowe. Pinterest i inne zasoby online są do tego świetne.
Przykład:
* Motyw: Seria portretowa inspirowana obrazami prerafaelitów.
* nastrój: Romantyczny, eteryczny, melancholijny.
* Lokalizacja: Ogród lub leśny.
* Model: Ktoś z długimi, płynącymi włosami i delikatnymi cechami.
* Wardrobe: Płynąca, inspirowana vintage sukienka w stonowanych kolorach.
* rekwizyty: Kwiaty, vintage książka, klasa ptaków.
* oświetlenie: Miękkie, rozproszone naturalne światło lub softbox do naśladowania naturalnego światła w pomieszczeniu.
Krok 2:przekładnia (aparat i sprzęt)
* kamera: Każda lustrzanka lustrzankowa lub bezlusterkowa, która pozwala kontrolować przysłona, czas otwarcia migawki i ISO będą działać. Jakość obiektywu odgrywa większą rolę niż ciało kamery dla portretów.
* soczewki:
* 50 mm: Wszechstronny, świetny do strzałów z całego ciała i talii. Oferuje naturalną perspektywę.
* 85 mm: Klasyczny obiektyw portretowy. Kompresuje perspektywę, tworząc pochlebny wygląd. Doskonały do rozmycia tła (Bokeh).
* 35 mm: Dobry do portretów środowiskowych, pokazujący więcej otoczenia.
* Zoom soczewki (np. 24-70 mm, 70-200 mm): Oferuj elastyczność dla różnych kompozycji bez zmiany soczewek.
* oświetlenie:
* naturalne światło: Złota godzina (krótko po wschodzie słońca i przed zachodem słońca) oferuje najbardziej pochlebne światło. Ogromne dni zapewniają miękkie, rozproszone światło.
* reflector: Podskakuje światło z powrotem na temat, wypełniając cienie. Niezbędne do pędów na zewnątrz.
* prędkość/strobe: Pozwala całkowicie kontrolować światło. Prawdopodobnie będziesz potrzebować modyfikatorów (softboxes, parasoli), aby zmiękczyć światło.
* Światła ciągłe (panele LED): Łatwiej zobaczyć, jak światło będzie wyglądało w czasie rzeczywistym, dobre dla początkujących.
* statyw: Dla ostrych obrazów, szczególnie w słabym świetle.
* tła (opcjonalnie): Do pędów studyjnych. Może to być papier, tkanina lub malowane płótna.
* Miernik światła (opcjonalnie): Dla dokładnej ekspozycji podczas stosowania sztucznego światła.
* akcesoria: Taśma, klipy, szpilki bezpieczeństwa (do regulacji garderoby), krawaty włosów, makijaż, stołek krokowy (do pozowania).
Krok 3:Techniki oświetlenia (klucz do nastroju)
Kreatywne oświetlenie jest najważniejsze. Eksperymentuj z różnymi konfiguracjami:
* naturalne światło:
* rozproszone światło: Znajdź odcień lub użyj scrima (półprzezroczystego materiału), aby zmiękczyć ostre światło słoneczne.
* Podświetlenie: Umieść temat z słońcem za nimi, tworząc sylwetkę lub miękki blask wokół włosów. Użyj reflektora, aby odbijać światło na twarzy.
* oświetlenie obręczy: Podobnie jak podświetlenie, ale światło wypasuje krawędzie tematu, tworząc jasny zarys.
* sztuczne światło:
* Konfiguracja jednorodka: Zacznij od jednego źródła światła i modyfikatora (Softbox, parasol). Umieść go pod kątem 45 stopni do tematu, aby uzyskać klasyczne oświetlenie portretowe.
* Konfiguracja dwóch świateł: Użyj jednego światła jako głównego światła, a drugiego jako lampka wypełniającego, aby zmniejszyć cienie.
* Rim Light: Umieść światło za przedmiotem, aby stworzyć efekt halo.
* żele kolorowe: Dodaj kolorowe żele do swoich świateł, aby stworzyć dramatyczne i artystyczne efekty. Pomyśl o chłodnym, nastrojowym wyczuciu lub pomarańczowym, aby uzyskać ciepło.
* Modyfikatory kreatywnego oświetlenia:
* gobos: Użyj obiektów, aby rzucić cienie lub wzory na temat. Przykłady:liście, żaluzje, koronka.
* pryzmaty: Trzymaj pryzmat przed obiektywem, aby stworzyć efekty tęczowe lub zniekształcenia światła.
* woda lub szkło: Odbij światło przez wodę lub szkło, aby uzyskać ciekawe wzory.
* dym/mgła: Dodaj atmosferę i dramat do swoich portretów.
Krok 4:pozowanie i wyrażenie (łączenie z przedmiotem)
* komunikat: Porozmawiaj ze swoim modelem podczas sesji zdjęciowej. Wyjaśnij swoją wizję i podaj im jasne instrukcje.
* Direct, nie dyktuj: Oferuj wskazówki, ale pozwól modelowi wyrazić własną osobowość.
* Zacznij od prostych pozów: Stopniowo gromadzi się do bardziej złożonych pozy.
* Kąty i perspektywa:
* Poziom oczu: Tworzy bezpośrednie i angażujące połączenie.
* niski kąt: Sprawia, że temat wydaje się potężny i dominujący.
* Wysoki kąt: Sprawia, że temat wydaje się wrażliwy lub mały.
* Umieszczenie ręki: Zwróć uwagę na umieszczenie ręki. Unikaj niezręcznych lub rozpraszających pozycji. Niech wchodzą w interakcje z rekwizytami lub własnym ciałem.
* Wyrażenia twarzy:
* kontakt wzrokowy: Niezbędne do tworzenia połączenia.
* Subtelne uśmiechy: Często bardziej angażujące niż szerokie uśmiech.
* emocje: Zachęcaj model do wyrażenia emocji, które próbujesz przekazać. Daj im podpowiedzi lub scenariusze do przemyślenia.
* Ruch: Włącz ruch do swoich pozycji, aby uzyskać bardziej dynamiczny charakter. Niech chodzą, tańczą lub obracają.
* Ćwicz: Ćwicz pozując siebie przed lustrem, aby zrozumieć, jak wyglądają różne pozy.
Krok 5:Kompozycja (układanie elementów)
* Zasada trzeciego: Podziel ramkę na dziewięć równych części i umieść kluczowe elementy wzdłuż linii lub na skrzyżowaniach.
* wiodące linie: Użyj linii w środowisku, aby poprowadzić oko widza w kierunku tematu.
* Symetria: Stwórz zrównoważone i harmonijne kompozycje.
* przestrzeń ujemna: Użyj pustej przestrzeni wokół tematu, aby stworzyć poczucie spokoju lub izolacji.
* kadrowanie: Użyj elementów na pierwszym planie (drzewa, drzwi, łuki), aby oprawić obiekt.
* głębokość pola: Użyj płytkiej głębokości pola (szerokie otwór), aby zacierać tło i odizolować obiekt. Użyj głębszej głębokości pola (wąska przysłona), aby pokazać więcej otoczenia.
* Cropping: Eksperymentuj z różnymi uprawami, aby podkreślić niektóre aspekty obrazu. Rozważ także przycinanie w przetwarzaniu po przetwarzaniu.
* Szukaj interesujących wzorów i tekstur: Włącz interesujące wzorce i tekstury w tle lub na pierwszym planie, aby dodać wizualne zainteresowanie.
Krok 6:Techniki kreatywne (dodanie Flaira)
Tutaj naprawdę pozwalasz świecić swojej kreatywności!
* Podwójna ekspozycja: Połącz dwa lub więcej obrazów w jedno. Można wykonać w aparacie lub podczas przetwarzania po przetwarzaniu.
* Flare soczewki: Celowo stwórz rozbłysk obiektywów, strzelając w kierunku źródła światła.
* Motion Blur: Użyj powolnego czasu otwarcia migawki, aby uchwycić ruch. Może być używany do stworzenia poczucia szybkości lub marzenia.
* Lekkie malarstwo: Użyj latarki lub innego źródła światła, aby „pomalować” światłem podczas długiej ekspozycji.
* Efekty w aparacie: Przeglądaj wbudowane tryby kreatywne swojego aparatu (np. Monochrome, sepia, winieta).
* Techniki analogowe: Eksperymentuj z fotografią filmową, aby uzyskać unikalny wygląd.
* Refleksje: Użyj luster, wody lub innych odblaskowych powierzchni, aby stworzyć interesujące efekty.
* surrealizm: Twórz obrazy, które przeciwstawiają się rzeczywistości poprzez nietypowe kompozycje, techniki edycji i rekwizyty.
* Portrety makro: Zbliż się i osobiście z funkcjami podmiotu, aby uzyskać wyjątkową perspektywę.
Krok 7:Przetwarzanie końcowe (końcowe akcenty)
* oprogramowanie: Adobe Lightroom i Photoshop są standardem branżowym. Inne opcje obejmują przechwytywanie jednego, zdjęcie Affinity i GIMP (bezpłatne).
* Podstawowe korekty:
* Ekspozycja: Popraw ogólną jasność obrazu.
* kontrast: Dostosuj różnicę między wyświetleniami i cieniami.
* Podprawy i cienie: Dostosuj jasność wyświetleń i cieni.
* białe i czarne: Ustaw białe i czarne punkty na obrazie.
* klarowność i tekstura: Dodaj lub zmniejsz ostrość i szczegóły.
* Vibrance &Neatation: Dostosuj intensywność kolorów.
* Gradowanie kolorów: Dostosuj tony kolorów obrazu, aby stworzyć określony nastrój.
* retuszowanie: Usuń wady, gładką skórę i ulepsz funkcje (używaj oszczędnie).
* unikanie i spalanie: Rozjaśnij lub ciemnienie określone obszary obrazu, aby zwiększyć nacisk lub kształt.
* Filtry i ustawienia wstępne: Użyj filtrów i ustawień wstępnych, aby szybko zastosować określony wygląd obrazu.
* wyostrzenie: Wyostrz obraz, aby optymalne oglądanie.
* Redukcja szumu: Zmniejsz szum na obrazie, szczególnie w ujęciach w słabym świetle.
* Kreatywne efekty:
* Dodawanie tekstur: Nakładaj tekstury na obraz, aby uzyskać wygląd vintage lub grunge.
* Dodanie wycieków światła: Symuluj wycieki światła, aby uzyskać nostalgiczny charakter.
* Tworzenie selektywnego koloru: Desaturuj cały obraz, z wyjątkiem jednego lub dwóch kolorów.
* Dodawanie winiet: Zaciemnij krawędzie obrazu, aby zwrócić uwagę na centrum.
* Zapisz w wysokiej rozdzielczości: Zapisz ostateczny obraz w formacie o wysokiej rozdzielczości (JPEG lub TIFF) do drukowania lub udostępniania online.
Krok 8:Krytyka i rafina (uczenie się i uprawy)
* Uzyskaj informacje zwrotne: Podziel się swoją pracą z innymi fotografami i poproś o konstruktywną krytykę.
* Przeanalizuj swoją pracę: Spójrz na swoje zdjęcia krytycznie. Co działa dobrze? Co można poprawić?
* przestudiuj innych fotografów: Przeanalizuj pracę fotografów, których podziwiasz. Jakich technik używają? Jak tworzą swój unikalny styl?
* Eksperyment ciągle: Nie bój się próbować nowych rzeczy i przekraczać swoje granice.
* objęcie niepowodzenia: Nie każde zdjęcie będzie arcydziełem. Ucz się na swoich błędach i ćwicz dalej.
Kluczowe wskazówki dotyczące sukcesu:
* Ćwicz, ćwicz, ćwicz: Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
* Poznaj podstawy: Opanuj podstawy narażenia, składu i pozowania.
* Opracuj swój własny styl: Nie kopiuj innych fotografów. Znajdź swój wyjątkowy głos i wizja.
* Bądź cierpliwy: Fotografia kreatywna wymaga czasu i wysiłku.
* baw się dobrze! Ciesz się procesem tworzenia sztuki.
w podsumowaniu:
Creative Portret Photography to podróż eksperymentów i wyrażania siebie. Podążając za tymi krokami i ciągle przekraczając swoje twórcze granice, możesz tworzyć oszałamiające i unikalne portrety, które opowiadają historię i uchwycają istotę swojego tematu. Powodzenia i baw się dobrze tworząc!