i. Fundacja:planowanie i przygotowanie
* 1. Burza mózgów i rozwój koncepcji:
* Inspiracja: Zanim nawet podnieś aparat, zacznij od inspiracji! Spójrz wszędzie:
* Strony fotograficzne/czasopisma: Przeglądaj strony takie jak 500px, Behance, Vogue i Photography Magazins.
* Pinterest: Minę złota dla pomysłów wizualnych. Utwórz tablicę nastroju do sesji zdjęciowej.
* sztuka i film: Obrazy, rzeźby, filmy i teledyski mogą zapewnić fantastyczną inspirację do kompozycji, oświetlenia i opowiadania historii.
* Życie codzienne: Obserwuj ciekawe światło, kolory, tekstury i historie w swoim otoczeniu.
* Klient (jeśli dotyczy): Omów ich osobowość, zainteresowania i to, co chcą przekazać w portretach. Jeśli strzelasz do przyjaciela, zastanów się, co czyni je wyjątkowymi.
* Definiowanie swojej koncepcji: Odpowiedz na te pytania:
* Jaką historię próbujesz opowiedzieć? Czy chodzi o siłę, wrażliwość, radość, tajemnicę itp.?
* Jaki jest ogólny nastrój/uczucie? Szczęśliwy, melancholijny, nerwowy, podobny do marzeń?
* Co odróżnia ten portret od standardowego portretu? (To jest klucz dla * Creative * Photography!) Czy jest to oświetlenie, lokalizacja, rekwizyty, pozowanie, przetwarzanie postów?
* tablica nastroju: Kompiluj obrazy, kolory, tekstury i pozy, które reprezentują twoją wizję. Będzie to nieocenione w przypadku komunikacji i skupienia się.
* 2. Zwiadowcze i pozwolenia:
* Znajdź idealne miejsce: Lokalizacja ma kluczowe znaczenie dla ustawienia sceny. Rozważać:
* światło: Jak światło pada o różnych porach dnia? Czy jest interesujące naturalne światło? Czy musisz przynieść własne światła?
* tło: Czy rozprasza się czy uzupełnia dla twojego tematu? Czy doda do historii, którą opowiadasz?
* Dostępność: Czy łatwo jest się do tego dostać? Czy to jest bezpieczne?
* estetyka: Czy lokalizacja jest zgodna z twoją koncepcją?
* zezwolenia: Jeśli strzelasz na własności publicznej lub prywatnej, sprawdź, czy potrzebujesz pozwoleń. Nie daj się grzywnąć ani nie zamknąć!
* 3. Przekładnia i wyposażenie:
* aparat i soczewki:
* CZŁOWIEKA CZASU: Niezbędna jest lustrzanka lustrzaka lub aparat bezlusterkowy z ręcznymi elementami sterującymi.
* soczewki:
* 50 mm: Wszechstronny „Nifty Fifty” dla ogólnych portretów.
* 85 mm: Idealny do pochlebnych portretów o płytkiej głębokości pola.
* 35 mm: Dobry do portretów środowiskowych, które pokazują więcej otoczenia.
* Zoom obiektyw (np. 24-70 mm, 70-200 mm): Oferuje elastyczność w ramach.
* oświetlenie:
* naturalne światło: Najlepsze światło to często miękkie, rozproszone naturalne światło (pochmurne dni lub otwarty odcień).
* reflektory: Odskoczyć światło z powrotem na temat i wypełnić cienie. Białe, srebrne i złoto to powszechne wybory.
* dyfuzory: Aby zmiękczyć ostre światło słoneczne.
* sztuczne światło (w razie potrzeby):
* Bezgazowe światła/lampy błyskowe: Przenośny i potężny.
* stroby studio: Mocniejszy i często używany z modyfikatorami.
* Modyfikatory: Softboxy, parasole, dania kosmetyczne, siatki, snoots - kształtują i sterują światłem.
* rekwizyty:
* Zbierz rekwizyty, które ulepszają Twoją koncepcję i zwiększają zainteresowanie wizualne. Rozważmy tekstury, kolory i ich symboliczne znaczenie.
* Inne niezbędne:
* statyw: Dla ostrych obrazów, szczególnie w słabym świetle.
* Miernik światła (opcjonalnie): Dla precyzyjnej kontroli ekspozycji podczas stosowania sztucznego światła.
* Wydanie migawki zdalnej: Aby uniknąć wstrząsu.
* dodatkowe baterie i karty pamięci: Zawsze bądź przygotowany!
* 4. Przygotowanie i komunikacja modelu:
* Casting (w razie potrzeby): Znajdź model, który pasuje do Twojej wizji. Rozważ ich wygląd, doświadczenie i zdolność do podjęcia kierunku.
* Udostępnianie tablicy nastroju: Podziel się swoją tablicą nastroju z modelką, włosami i wizażystą oraz stylistą. Zapewnia to, że wszyscy są na tej samej stronie.
* strój i styl:
* Wybierz odzież, która uzupełnia lokalizację, koncepcję i funkcje modelu. Unikaj rozpraszania wzorów lub logo.
* Rozważ włosy i makijaż, które zwiększają wygląd modelu i są zgodne z ogólną estetyką.
* komunikacja jest kluczowa: Porozmawiaj ze swoim modelem przed sesją. Wyjaśnij swoją wizję, daj im kierunek i spraw, że czują się komfortowo. Pozytywna energia przekłada się na lepsze zdjęcia.
ii. Sesja:przechwytywanie obrazu
* 5. Ustawienia aparatu:
* Tryb fotografowania: Tryb ręczny (M) jest wysoce zalecany do pełnej kontroli nad otworem, czasem otwarcia migawki i ISO. Priorytet przysłony (AV lub A) może również działać dobrze, jeśli interesujesz się przede wszystkim głębokością pola.
* apertura:
* szeroka apertura (np. f/1.4, f/2.8): Tworzy płytką głębokość pola, rozmywając tło i izolując podmiot. Dobry do portretów, które podkreślają model.
* wąska apertura (np. f/8, f/11): Tworzy głębszą głębokość pola, utrzymując więcej sceny. Dobry do portretów środowiskowych lub ujęć grupowych.
* Sprawa migawki: Ustaw czas otwarcia migawki wystarczająco szybko, aby uniknąć rozmycia ruchu. Ogólna wytyczna to 1/ogniskowa (np. 1/50 sekundy z soczewką 50 mm). Zwiększ prędkość, jeśli badany się porusza. Użyj statywu, jeśli chcesz użyć wolniejszych czasów otwarcia migawki.
* ISO: Utrzymuj ISO tak niskie, jak to możliwe, aby zminimalizować hałas. Zwiększ ISO tylko w razie potrzeby, aby osiągnąć odpowiednią ekspozycję.
* Bilans biały: Ustaw równowagę białą zgodnie z warunkami oświetlenia (np. Światło dzienne, pochmurne, wolfram). Możesz także strzelać w RAW i dostosować równowagę białych w przetwarzaniu po przetwarzaniu.
* Tryb ostrości: Użyj jednopunktowego autofokusu (AF-S lub jednego strzału) dla przedmiotów stacjonarnych. Użyj ciągłego autofokusu (AF-C lub AI Servo) dla poruszających się przedmiotów. Skoncentruj się na oczach na ostre portrety.
* Tryb pomiarowy: Pomiar oceny/macierzy jest zwykle dobrym punktem wyjścia. W razie potrzeby dostosuj kompensację ekspozycji. Pomiar punktów może być przydatny w trudnych sytuacjach oświetlenia.
* 6. Skład i pozowanie:
* Zasady składu:
* Zasada trzeciego: Podziel ramkę na dziewięć równych części i umieść kluczowe elementy wzdłuż linii lub na skrzyżowaniach.
* wiodące linie: Użyj linii, aby poprowadzić oko widza do tematu.
* Symetria i wzory: Utwórz atrakcyjne wizualnie kompozycje przy użyciu symetrii lub powtarzających się wzorów.
* przestrzeń ujemna: Użyj pustej przestrzeni wokół tematu, aby stworzyć poczucie równowagi i zwrócić uwagę na punkt centralny.
* kadrowanie: Użyj elementów na pierwszym planie, aby oprawić obiekt (np. Archways, drzewa, drzwi).
* pozowanie:
* naturalne i zrelaksowane: Najlepsze pozy wyglądają bez wysiłku. Zachęcaj swój model do relaksu i bycia sobą.
* kąty i linie: Użyj kątów i linii, aby stworzyć dynamiczne i interesujące pozy. Unikaj prostych pozycji, które mogą wyglądać sztywno.
* Umieszczenie ręki: Zwróć uwagę na umieszczenie ręki. Ręce mogą być wyraziste lub rozpraszające.
* Język ciała: Rozważ wiadomość, którą chcesz przekazać z pozą.
* eksperyment: Nie bój się wypróbowywać różnych pozycji i kątów. Podaj delikatne wskazówki i informacje zwrotne dla swojego modelu. Pokaż im przykłady pozów, które lubisz.
* Ruch: Włącz ruch do pozycji, aby uzyskać bardziej dynamiczny i naturalny wygląd (np. Chodzenie, obracanie, taniec).
* 7. Techniki oświetlenia:
* naturalne światło:
* Otwórz odcień: Zapewnia miękkie, nawet oświetlenie.
* złota godzina: Godzina po wschodzie słońca i godzinę przed zachodem słońca, kiedy światło jest ciepłe i złote.
* Podświetlenie: Umieść źródło światła za temat, aby uzyskać marzycielski, eteryczny wygląd. Użyj reflektora, aby odbijać światło z powrotem na twarz pacjenta.
* sztuczne światło:
* Konfiguracja jednorodka: Prosty i skuteczny sposób tworzenia dramatycznego oświetlenia. Eksperymentuj z pozycją i kątem światła.
* Konfiguracja dwóch świateł: Użyj kluczowego światła, aby oświetlić obiekt i światło wypełniające, aby zmiękczyć cienie.
* oświetlenie obręczy: Umieść światło za przedmiotem, aby stworzyć efekt halo wokół głowy i ramion.
* Creative Lighting: Użyj żeli, aby dodać kolor do świateł lub eksperymentuj z nietypowymi źródłami światła (np. Wróżki, neonowe znaki).
* 8. Techniki kreatywne w aparacie:
* Podwójna ekspozycja: Połączenie dwóch obrazów w jeden.
* Centencyjny ruch aparatu (ICM): Poruszanie aparatu podczas ekspozycji w celu stworzenia efektów rozmycia i abstrakcyjnych.
* Flare soczewki: Umożliwiając światło uderzenie w soczewkę bezpośrednio tworzenie rozbłysków i wycieków światła.
* Prisming: Trzymanie pryzmatu przed obiektywem, aby wywołać zniekształcenia i odbicia.
* Macro Photography: Bardzo blisko tematu, aby uchwycić drobne szczegóły.
* strzelanie przez obiekty: Używanie przedmiotów takich jak szkło, materiał lub kwiaty do tworzenia ciekawych efektów na pierwszym planie.
iii. Processing:udoskonalenie obrazu
* 9. Oprogramowanie:
* Adobe Lightroom: Doskonałe do globalnych korekt (ekspozycja, kontrast, równowaga biała itp.) I podstawowe retuszowanie.
* Adobe Photoshop: Aby uzyskać bardziej zaawansowane retusz, komponowanie i kreatywne efekty.
* przechwytywaj jeden: Kolejny popularny surowy procesor z potężnymi narzędziami do oceny kolorów.
* 10. Podstawowe korekty:
* Ekspozycja: Dostosuj ogólną jasność obrazu.
* kontrast: Zwiększ lub zmniejsz różnicę między atrakcjami i cieniami.
* Bilans biały: Popraw wszelkie odlewy kolorów.
* Podprawy i cienie: Odzyskaj szczegóły na wyświetleniach i cieniach.
* jasność i tekstura: Dodaj lub zmniejsz ostrość i definicję.
* Vibrans and Neatation: Dostosuj intensywność kolorów.
* 11. Retusz:
* retuszowanie skóry: Usuń wady, gładką konsystencję skóry i zmniejsz zmarszczki. Użyj lekkiego dotyku, aby uniknąć wyglądu nienaturalnie. Rozdział częstotliwości jest popularną techniką.
* Ulepszenie oka: Wyostrz oczy i dodaj subtelny światło.
* unikanie i spalanie: Rozjaśnij (Dodge) lub ciemne (spal) określone obszary obrazu, aby rzeźbić światło i dodać wymiar.
* 12. Gradowanie kolorów:
* tworzenie nastroju: Użyj koloru, aby poprawić nastrój i atmosferę obrazu.
* Harmonia kolorów: Wybierz kolory, które się uzupełniają i stwórz przyjemną wizualnie paletę.
* podzielone tonowanie: Dodaj różne kolory do wyświetleń i cieni.
* luts (tabele wyszukiwania): Zastosuj gotowe ustawienia kolorów, aby szybko osiągnąć określony wygląd.
* 13. Kreatywne efekty:
* Dodawanie ziarna: Symuluj wygląd filmu, dodając subtelne ziarno do obrazu.
* Vignetting: Zaciemnij krawędzie obrazu, aby zwrócić uwagę na centrum.
* Dodanie wycieków lub tekstur: Nakładka tekstur lub wycieki światła, aby stworzyć styl vintage lub brunobię.
* kompozycja: Łączenie wielu obrazów w jedno, aby stworzyć surrealistyczną lub fantastyczną scenę.
* 14. Wyostrzenie i eksport:
* wyostrzenie: Wyostrz obraz przed eksportem, aby zrekompensować miękkość wprowadzoną podczas przetwarzania. Użyj maski wyostrzania, aby uniknąć nadmiernego wyczerpania.
* Ustawienia eksportu: Wybierz odpowiedni format pliku (JPEG dla sieci, TIFF dla drukowania), rozdzielczości i przestrzeni kolorów (SRGB dla sieci, Adobe RGB dla drukowania).
Kluczowe wyniki dla kreatywnych fotografii portretowej:
* Conceptualize: Miej silną wizję, zanim zaczniesz. Poznaj historię, którą chcesz opowiedzieć.
* eksperyment: Nie bój się próbować nowych rzeczy.
* Ćwicz: Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
* Ucz się od innych: Przestudiuj pracę fotografów, których podziwiasz.
* Opracuj swój własny styl: Nie kopiuj innych. Znajdź swój własny unikalny głos.
* krytykować swoją pracę: Bądź szczery wobec siebie i zidentyfikuj obszary poprawy. Uzyskaj opinie od innych fotografów.
* baw się dobrze! Najważniejsze jest cieszenie się procesem tworzenia.
Postępując zgodnie z tymi krokami i ciągle ucząc się i eksperymentując, możesz stworzyć oszałamiające i unikalne kreatywne portrety, które wyrażają twoją artystyczną wizję. Powodzenia!