Zrozumienie mojej filozofii (lub „Dlaczego to robię?”)
Zanim jeszcze odebrałem aparat, zadaję sobie pytanie: jaką historię chcę opowiedzieć? Portrety to coś więcej niż twarze; Chodzi o uchwycenie osobowości, nastroju i wglądu w czyjeś życie. Czy chcę przekazać siłę, podatność, radość, introspekcję czy coś innego? To prowadzi wszystko, co robię.
1. Temat:łączenie i współpraca
* rozmowa jest kluczem: Spędzam czas na rozmowach z tematem * przed * strzelaniem. Pomaga im to zrelaksować się, zrozumieć moją wizję i pozwala mi się o nich dowiedzieć. Mogę zapytać o ich hobby, pasje lub to, co sprawia, że czują się najbardziej komfortowo. Znajomość tych rzeczy informuje o pozycji, otoczeniu i ogólnym nastroju.
* Budowanie zaufania: Sesje portretowe mogą wydawać się bezbronne. Chcę, aby mój temat czuła się bezpiecznie i ufam, że reprezentuję je w pozytywny i autentyczny sposób. Kluczowe jest przekazanie jasnego kierunku i pozytywne informacje zwrotne.
* Współpraca, a nie dyktowanie: Nie mówię im tylko, co mają robić; Współpracuję. Zachęcam ich do oferowania sugestii i włączenia ich osobowości. Jeśli mają charakterystyczną pozy lub wyraz, chcę to uchwycić.
2. Światło:rzeźbiarz obrazu
* Zrozumienie cech światła: Światło to wszystko w fotografii. Myślę o:
* kierunek: Skąd pochodzi światło? Oświetlenie przednie może być płaskie, boczne oświetlenie tworzy cienie i głębokość, podświetlenie może być dramatyczne.
* Intensywność: Czy to ostre światło słoneczne czy miękkie, rozproszone światło? Ostre światło podkreśla tekstury, a miękkie światło minimalizuje niedoskonałości.
* Temperatura kolorów: Czy lekka ciepła (złota godzina) czy chłodna (cień)? Wpływa to na ogólny nastrój i odcienie skóry.
* naturalne światło to mój przyjaciel (często): Często wolę naturalne światło, szczególnie w „złotych godzinach” (krótko po wschodzie słońca i przed zachodem słońca). Jest pochlebny i tworzy piękne tony. Szukam otwartego odcienia lub używam dyfuzorów (takich jak scrim, a nawet cienki biały arkusz), aby zmiękczyć światło.
* sztuczne światło (w razie potrzeby): Jeśli strzelam do domu lub w nocy, używam sztucznych źródeł światła. Mogę użyć światła błyskowego (lampa lampy na kamerze) z dyfuzorem lub stroboskopem poza kamerą z modyfikatorem (softbox, parasol itp.), Aby ukształtować światło. Ostrożnie unikam ostrego, bezpośredniego lampy błyskowej, która może być niepochlebna.
* Zwracanie uwagi na cienie: Cienie dodają głębokość i wymiar. Zastanawiam się, gdzie spadają cienie i jak wpływają na twarz pacjenta. Czasami użyję odbłyśnika, aby odbijać światło w cieniu i rozjaśnić je.
3. Kompozycja:kierowanie oka
* Zasada trzeciego: Często używam zasady trzeciej, umieszczając oczy pacjenta lub kluczowe cechy wzdłuż przecinających się linii siatki.
* wiodące linie: Szukam linii w środowisku, które przyciągają oko widza w stronę tematu.
* przestrzeń ujemna: Pusta przestrzeń wokół obiektu może być równie ważna jak sam podmiot. Może stworzyć poczucie równowagi, izolacji lub wolności.
* kadrowanie: Korzystanie z elementów w środowisku (drzewa, drzwi itp.) Aby oprawić temat i zwrócić na niego uwagę.
* kontakt wzrokowy (lub jego brak): Bezpośredni kontakt wzrokowy tworzy połączenie z widzem. Odważna wzrok może stworzyć poczucie tajemnicy lub introspekcji.
* Kąty i perspektywa: Strzelanie pod nieco wyższym kątem może być pochlebne (często przesuwa twarz). Strzelanie pod niskim kątem może przekazać moc lub dominację.
4. Ustawienia i sprzęt (rzeczy techniczne)
* apertura: Zwykle strzelam z szerokim otworem (f/2.8, f/1.8, a nawet szerszym, w zależności od obiektywu), aby utworzyć płytką głębokość pola i zacierać tło. Pomaga to wyodrębnić temat i zwrócić na niego uwagę.
* Sprawa migawki: Dostosowuję czas otwarcia migawki, aby uzyskać odpowiednią ekspozycję, unikając rozmycia ruchu. Zazwyczaj dążę do czasu otwarcia migawki, która ma co najmniej 1/ogniskową (np. 1/50 sekundy dla obiektywu 50 mm). Jeśli temat się porusza, użyję szybszego czasu otwarcia migawki.
* ISO: Utrzymuję ISO tak niskie, jak to możliwe, aby zminimalizować hałas (ziarno). Zwiększę ISO tylko wtedy, gdy muszę osiągnąć szybszy czas otwarcia migawki lub szerszy otwór.
* wybór obiektywu: Wolę soczewki Prime (soczewki o stałej ogniskowej) dla portretów, ponieważ często są ostrzejsze i mają szersze otwory. Moje obiektywy są często 50 mm i 85 mm. 85 mm jest moim ulubionym, ponieważ pozwala mi być dalej od mojego tematu, co sprawia, że niektórzy ludzie są wygodniejsi.
* CZŁOWIEKA CZASU: Kamera pełnoklatkowego ogólnie daje najlepszy wynik ze względu na wysoką jakość obrazu i doskonałą wydajność w środowiskach o słabym świetle, ale nie jest to koniecznością. Ciało aparatu o dobrym zakresie dynamicznym jest bardzo ważne, ponieważ pozwoli to odzyskać informacje z wyśmienitych wyświetleń lub zmiażdżone cienie w postprodukcji, jeśli przypadkowo przekażysz lub niedoceniasz swój obraz.
* Focusing: Dokładne skupienie jest kluczowe. Używam jednopunktowego autofokusu i skupiam się na oku pacjenta, które jest najbliżej aparatu.
5. Pozowanie:przewodnictwo, nie wymuszanie
* naturalne i wygodne: Staram się pozami, które wydają się naturalne i wygodne dla tematu. Unikam sztywnych lub wymuszonych pozy.
* Subtelne korekty: Małe korekty mogą mieć duże znaczenie. Mogę poprosić ich, aby lekko przechylili głowę, przesunęła wagę lub rozluźnij ramiona.
* Hands: Zwróć uwagę na ręce! Mogą być wyraziste, ale mogą również wyglądać niezręcznie, jeśli nie są dobrze ustawione. Mogę mieć coś, aby coś trzymali, oprzeć im na kolanach lub delikatnie dotknąć ich twarzy.
* Eksperymenty: Zachęcam temat do wypróbowania różnych pozycji i wyrażeń. Możemy zacząć od klasycznej pozy, a następnie eksperymentować z czymś bardziej kreatywnym.
* Breaks: Zrób sobie przerwy! Pozowanie może być męczące. Ważne jest, aby dać temu tematowi szansę się zrelaksować i ładować.
6. Edycja (przetwarzanie pocztowe):Ulepszanie, a nie obezwładnianie
* Mój styl: Mój styl edycji jest ogólnie czysty i naturalny. Chcę ulepszyć obraz bez przetwarzanego przetworzonego.
* oprogramowanie: Do edycji używam Adobe Lightroom i/lub Photoshopa.
* Podstawowe korekty: Zaczynam od podstawowych korekt, takich jak ekspozycja, kontrast, atrakcje, cienie, białe i czarne.
* Korekta kolorów: Dostosowuję bilans białą i odcienie kolorów, aby stworzyć przyjemny ogólny wygląd.
* retuszowanie: Wykonuję minimalne retusz, koncentrując się na usuwaniu skazy i zakłóceń. Chcę zachować naturalną konsystencję skóry podmiotu.
* wyostrzenie: Dodaję odrobinę wyostrzenia, aby ulepszyć szczegóły.
* Cropping: Mogę przyciąć obraz, aby poprawić skład.
* Presets: Często używam niestandardowych ustawień, aby przyspieszyć mój przepływ pracy i zachować spójny wygląd na moich obrazach.
7. Ćwiczenie i eksperymenty:niekończąca się podróż
* Strzelaj regularnie: Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
* Eksperymentuj z różnymi technikami: Wypróbuj różne konfiguracje oświetleniowe, techniki pozowania i style edycji.
* przestudiuj pracę innych fotografów: Spójrz na pracę fotografów, których podziwiasz, i przeanalizuj, co sprawia, że ich obrazy są tak przekonujące.
* Uzyskaj informacje zwrotne: Podziel się swoją pracą z innymi i poproś o konstruktywną krytykę.
* Nie bój się porażki: Nie każdy strzał będzie arcydziełem. Ucz się na swoich błędach i naciskaj się, aby się poprawić.
Przykładowy scenariusz:„How I Got the Shot”
Temat: Młody muzyk, piosenkarz i autor tekstów.
Moja wizja: Chciałem uchwycić jej uduchowionego ducha i jej pasję do muzyki.
Konfiguracja:
* Lokalizacja: Przesunięta przestrzeń na strychu z odsłoniętą cegłą i dużymi oknami.
* światło: Miękkie, rozproszone światło słoneczne przechodzące przez okna.
* Gear: Canon 5D Mark IV, obiektyw 85 mm f/1.4.
* Ustawienia: f/2, 1/200 drugiego, ISO 200.
Proces:
1. rozmowa: Rozmawiałem z nią o jej muzyce, jej inspiracjach i jej marzeniach. Dowiedziałem się, że była bardzo introspekcyjną i ekspresyjną osobą.
2. pozowanie: Poprosiłem ją, żeby usiadła przy oknie z gitarą. Zachęciłem ją, by zamykała oczy i wyobrazić sobie, że występuje na scenie. Dokonałem subtelnych zmian w jej postawie i umieszczaniu ręki.
3. Strzelanie: Zrobiłem serię strzałów z różnych stron, skupiając się na jej twarzy i dłoniach. Zwróciłem szczególną uwagę na światło i cienie.
4. Edycja: Użyłem Lightroom, aby dostosować ekspozycję, kontrast i kolory. Dodałem do obrazu odrobinę ciepła, aby stworzyć bardziej zachęcający charakter. Zrobiłem minimalne retusz, aby usunąć kilka wad.
wynik: Portret, który uchwycił jej dusznego ducha i jej pasję do muzyki. Miękkie światło, przemyślany wyraz i gitara przyczyniły się do opowiedzenia jej historii.
Kluczowe wyniki:
* Połączenie jest najważniejsze. Prawdziwe połączenie z tematem przełoży się na bardziej autentyczny i przekonujący portret.
* Światło jest twoim najpotężniejszym narzędziem. Naucz się widzieć światło i wykorzystuj je na swoją korzyść.
* Kompozycja ma znaczenie. Użyj elementów kompozycji, aby poprowadzić oko widza i utworzyć zrównoważony i atrakcyjny wizualnie obraz.
* pozowanie polega na prowadzeniu, a nie wymuszaniu. Pomóż swojemu przedmiotowi poczuć się komfortowo i pewnie.
* Edycja dotyczy ulepszenia, a nie przytłaczania. Zachowaj autentyczność obrazu.
* praktyka czyni idealną. Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
Jest to kompleksowy przegląd, ale każda sesja portretowa jest wyjątkowa. Kluczem jest dostosowanie się, kreatywne i zawsze uczenie się. Powodzenia!