1. Planowanie i przygotowanie:
* koncepcja i nastrój: Pomyśl o uczuciu, które chcesz wywołać. Czy to melancholijne, potężne, tajemnicze, czy coś innego? To poinformuje o twoim oświetleniu i pozowaniu wyboru.
* Temat: Wybierz temat, którego cechy i osobowość nadają się do niskiej estetyki. Silna struktura kości często działa dobrze. Omów koncepcję ze swoim tematem, aby zrozumieli nastrój, do którego dążisz.
* Wardrobe: Ciemne ubranie jest niezbędne. Pomyśl czarny, ciemny blues, głębokie czerwone lub brązowe. Unikaj jasnych kolorów lub rozpraszających wzorów. Tekstury mogą zwiększyć zainteresowanie, takie jak aksamit, skóra lub przewód.
* tło: Mroczne tło jest kluczowe. Może to być czarne tło (materiał, bezproblemowy papier, malowana ściana), bardzo ciemnoszare, a nawet naturalnie ciemne środowisko, jeśli możesz je znaleźć. Celem jest zminimalizowanie światła odbijającego się z tła.
* Lokalizacja: Wybierz przestrzeń, w której możesz kontrolować światło. Środowisko studia wewnętrznego jest idealne.
2. Gear:
* kamera: Każdy aparat, który umożliwia ręczną kontrolę przysłony, czas otwarcia migawki i ISO, będą działać. DSLR lub aparat bezlusterkowy jest preferowany dla większej kontroli.
* obiektyw: Południe portretowe jest idealne (około 50 mm, 85 mm lub 135 mm). Szerszy otwór (f/2.8, f/1.8, a nawet szerszy) pomoże z płytką głębokością pola i kontrolą nad narażeniem.
* źródło światła (niezbędne):
* Studio Strobe/Flash: Oferuje najwięcej kontroli i mocy. Będziesz także potrzebować wyzwalacza do synchronizacji lamp błyskowych z aparatem.
* Bezgrebu Bardziej przystępna i przenośna opcja. Może być stosowany na aparacie lub poza kamerą.
* Ciągłe światło (panel LED, światło wolframowe): Łatwiej zobaczyć efekty w czasie rzeczywistym, ale często mniej potężne. LED są lepsze niż wolfram z powodu zużycia ciepła i energii.
* Modyfikator światła (niezbędny): To kształtuje i rozprasza światło.
* softbox: Duża softbox stworzy bardziej miękkie, bardziej rozproszone światło, ale nadal kierunkowe. Dobrze na delikatny, niski wygląd.
* parasol: Mniej precyzyjne niż softbox, ale nadal przydatne do zmiękczenia światła.
* snoot: Modyfikator w kształcie rurki, który skupia światło na małej, kontrolowanej wiązce. Doskonałe do dramatycznych wydarzeń.
* Grid: Przyczepiają się do softbox lub odbłyśnika i zwęża wiązkę światła.
* drzwi stodoły: Regulowane klapy, które pozwalają kształtować światło.
* Light Stand (jeśli używasz lampy błyskowej poza kamerą): Aby ustawić źródło światła.
* reflector (opcjonalnie): W razie potrzeby można w razie potrzeby podnosić odblasek (biały, srebrny lub złoto) odbić się od nieco światła z powrotem w cienie. Jednak użyj go oszczędnie, aby utrzymać efekt niskiego klucza.
* statyw (zalecany): Zwłaszcza jeśli używasz wolniejszych czasów otwarcia migawki, aby kompensować mniej światła.
* Miernik światła (opcjonalnie): Aby uzyskać dokładne odczyty ekspozycji (szczególnie ważne w przypadku strobów). Miernik aparatu również może działać, ale dedykowany miernik światła jest bardziej precyzyjny.
3. Ustawienia aparatu (zacznij tutaj, dostosuj w razie potrzeby):
* Tryb: Tryb ręczny (m).
* apertura: Zacznij od szerszego otworu (np. F/2.8, f/4 lub f/5.6). Pomoże to rozmyć tło i stworzyć płytką głębokość pola, skupiając uwagę na twarzy pacjenta.
* Sprawa migawki: Zacznij około 1/125 lub 1/200 sekundy. Dostosuj w razie potrzeby, aby kontrolować światło otoczenia. W przypadku strobów czas otwarcia migawki kontroluje przede wszystkim światło otoczenia, a nie lampę błyskową.
* ISO: Utrzymuj ISO tak niskie, jak to możliwe (np. ISO 100 lub 200), aby zminimalizować hałas.
* Bilans biały: Ustaw go odpowiednio dla swojego źródła światła (np. Flash, wolfram, światło dzienne lub niestandardowe). Strzelaj w RAW, aby łatwo go dostosować w przetwarzaniu po przetwarzaniu.
* Focus: Jednopunktowy autofokus (AF-S lub jeden strzał) na oku pacjenta najbliżej aparatu.
4. Konfiguracja oświetlenia (klucz do niskiego key):
* jedno źródło światła (najczęstsze): To jest rdzeń niskiego wyglądu.
* Umieszczenie: Umieść źródło światła na * stronę * obiektu, nieco za nimi. Nazywa się to „oświetleniem obręczy” lub „oświetleniem bocznym”. Światło powinno pasać się po twarzy podmiotu, tworząc dramatyczne cienie.
* wysokość: Wysokość światła wpłynie na kształt cieni. Eksperymentuj z wyższymi i niższymi pozycjami.
* odległość: Im bliżej źródła światła, tym bardziej miękkie światło (ale także intensywniejsze). Im dalej, tym trudniejsze światło.
* Power: Zacznij od ustawienia o niskiej mocy na lampce błyskowej lub ciągłym i stopniowo je zwiększ, aż uzyskasz pożądany poziom oświetlenia.
* pomiar: Zrób strzał testowy i sprawdź swój histogram. Chcesz, aby większość tonów została przesunięta na lewą stronę histogramu (ciemniejsze odcienie), ale chcesz również upewnić się, że nie przycinasz cieni (całkowicie tracisz szczegóły w najciemniejszych obszarach). Dostosuj otwór, czas otwarcia migawki, ISO i/lub światła moc, aż uzyskasz pożądaną ekspozycję.
* dwa światła (bardziej zaawansowane):
* światło kluczowe: Pierwotne źródło światła, ustawione jak opisano powyżej (z boku, nieco za nimi).
* wypełnij światło: Bardzo słabe światło (lub odbłyśnik) umieszczone po przeciwnej stronie obiektu, aby delikatnie podnieść cienie. Światło wypełnienia powinno być * znacznie * słabsze niż światło kluczowe. Celem jest ledwo go zobaczyć. Zbyt dużo światła wypełnienia zrujnuje efekt niskiego klucza.
* Ważne rozważania:
* Feathering: Cel światło, aby krawędź wiązki światła spadła na twój temat. To maksymalizuje miękkość światła.
* światło Faloff: Oświetlenie o niskim kluczu opiera się na szybkim porzuceniu światła, co oznacza, że intensywność światła szybko się zmniejsza, gdy odchodzi od podmiotu. Przyczynia się to do ciemności na obrazie.
* eksperyment! Nie ma żadnego „właściwy” sposób. Zagraj w umiejscowienie, moc i modyfikatory, aby znaleźć to, co działa najlepiej dla twojego tematu i nastroju, który próbujesz stworzyć.
5. Pozowanie i skład:
* pozowanie: Rozważ pozy, które podkreślają cienie i kąty twarzy. Kątowe twarze, dramatyczne wyrażenia i przemyślane gesty działają dobrze. Pomyśl o tym, jak światło spadnie na funkcje pacjenta.
* Kompozycja:
* Zasada trzeciego: Klasyczna zasada, ale nie bój się jej złamać.
* przestrzeń ujemna: Pozostawienie pustej przestrzeni wokół tematu może zwiększyć nastrój.
* wiodące linie: Użyj linii na scenie, aby przyciągnąć oko widza do tematu.
* Skoncentruj się na oczach: Upewnij się, że oczy są ostre i skupione. Są oknem na duszę.
6. Strzelanie i recenzja:
* Zrób mnóstwo strzałów: Eksperymentuj z różnymi pozycjami, pozycjami świetlnymi i ustawieniami.
* Regularnie przejrzyj swoje obrazy: Sprawdź histogram, ostrość, kompozycję i ogólny nastrój na ekranie LCD aparatu. W razie potrzeby dokonaj korekt.
* Chimping jest w porządku! Nie bój się sprawdzać swoich strzałów i dokonywać korekt. Jest to szczególnie ważne podczas pracy z Strobes.
7. Przetwarzanie (niezbędne):
* surowe przetwarzanie: Jeśli nakręcisz RAW, użyj oprogramowania takiego jak Adobe Lightroom, przechwytywaj jeden lub podobny do dostosowania ekspozycji, równowagi białej, kontrastu i jasności.
* Korekty ekspozycji: Dostosuj ekspozycję, aby zapewnić, że obraz jest wystarczająco ciemny, ale nadal ma szczegóły w cieniu.
* kontrast: Zwiększ kontrast w celu zwiększenia dramatu.
* Clarity: Dostosuj jasność, aby wydobyć szczegóły na twarzy pacjenta. Uważaj, aby go nie przesadzić.
* cienie i wyróżnienia: Możesz selektywnie dostosować cienie i podświetlenia, aby dopracować oświetlenie.
* Gradowanie kolorów: Rozważ subtelną ocenę kolorów, aby poprawić nastrój. Fajne tony (blues, fiolety) często dobrze współpracują z niskoefigującymi portretami.
* Dodge and Burn: Użyj narzędzi Dodge i Burn, aby selektywnie rozjaśnić i przyciemnić obszary obrazu, dodatkowo kształtując światło i ulepszając funkcje pacjenta.
* wyostrzenie: Zastosuj wyostrzenie oczu i innych kluczowych szczegółów.
* Redukcja szumu: W razie potrzeby zastosuj redukcję szumów, aby zmniejszyć hałas wprowadzony przez wysokie ustawienia ISO.
Wskazówki dotyczące sukcesu:
* Ćwicz! Eksperymentuj z różnymi konfiguratorami oświetleniowymi, pozami i technikami po przetwarzaniu.
* start proste: Zacznij od jednego źródła światła i stopniowo dodaj złożoność.
* Zwróć uwagę na szczegóły: Najmniejsze szczegóły mogą mieć duży wpływ na niskim portrecie.
* mniej jest więcej: Oprzyj się chęci przetrwania sceny. Objąć ciemność.
* Obserwuj mistrzowskie portrety: Przestudiuj pracę fotografów, którzy wyróżniają się przy niskich portretach. Zwróć uwagę na techniki oświetlenia, pozowania i przetwarzania.
* Nie bój się niedoskonałości: Portrety niskie często mają dla nich pewną surowość. Nie staraj się o doskonałą gładkość i sztuczność.
Podążając za tymi krokami i ćwicząc, będziesz na dobrej drodze do tworzenia oszałamiających portretów, które uchwycają poczucie tajemnicy, dramatu i emocji. Powodzenia!