Polerowanie zgrubnego cięcia
Twoim celem z surowym cięciem jest ułożenie ujęć w kolejności, w której chcesz opowiedzieć swoją historię. Są szanse, że jeśli tworzysz narrację, zdecydowałeś o kolejności swoich scen w fazie przedprodukcyjnej, a teraz musisz tylko śledzić swój scenorys tak, jakby był to przepis i odpowiednio składać klipy, wybierając „najlepsze” ujęcie dla każdej sceny. Wiele filmów dokumentalnych „pisze się”, gdy bohaterowie opisują tematykę. Tak czy inaczej, w przybliżeniu, układasz nagrane wideo i powiązany dźwięk w kolejności, w jakiej chcesz opowiedzieć historię, wycinając wszystko, co nie posuwa historii do przodu.
Teraz nadszedł czas, aby wypolerować surowe cięcie, aby uzyskać gładki, błyszczący wykończony produkt. W przeciwieństwie do surowego cięcia, w którym łączyłeś ze sobą materiał filmowy, aby zobaczyć, jak zestawienie i synchronizacja klipów współpracowały ze sobą, polerowanie wymaga wyjęcia „cyfrowego szkła powiększającego” i pracy nad bardziej stopniową regulacją poziomu klatka po klatce .
Przyjrzyjmy się siedmiu aspektom ostatecznej edycji, którą nazwiemy polską edycją.
1. Piętro w pokoju edycji
Zaczniemy od jednego z najtrudniejszych kroków:zabicia ulubionych. Nie jest to trudne technicznie, ale jest to trudne psychologicznie. Ogólna zasada jest taka, że należy wyciąć wszystko, co nie posuwa fabuły do przodu. Ale co z tym nieplanowanym ujęciem rzadkiego dzięcioła z kości słoniowej, który wyleciał z dżungli i wylądował na głowie tygrysa bengalskiego, który wszedł na scenę podczas magicznej godziny, gdy akurat się toczyła kamera? Utnij to! Trudno być obiektywnym przy tych zmianach, zwłaszcza jeśli to ty nakręciłeś film. Wiele razy musisz słuchać innych, którzy mówią ci, że coś nie działa. Ciekawie jest oglądać na DVD rozszerzone fragmenty głównych hollywoodzkich filmów reżysera, aby zobaczyć sceny wycięte z oryginalnych filmów kinowych. Dziewięć i pół razy na dziesięć okaże się, że usunięcie tych scen było właściwe.
2. Całkowity czas pracy
W większości przypadków, szczególnie w przypadku płatnej pracy edycyjnej, będziesz mieć ograniczenie TRT lub całkowitego czasu pracy, którego musisz przestrzegać. Najdobitniejszym tego przykładem może być segment telewizji. Jeśli robisz godzinny program dla Public Broadcasting Service (PBS), będzie to nie 60 minut, ale 52 minuty i trzydzieści sekund – ani o jedną klatkę dłużej ani krócej. Jeśli kręcisz film ślubny lub krótki film na festiwal filmowy, możesz mieć więcej swobody. W przeciwnym razie musisz znać swoje parametry i pamiętać o nich podczas polerowania na drodze do ostatecznego cięcia.
3. Ciągłość i przejścia
Łączymy ciągłość i przejścia, ponieważ sprawdzając ciągłość między klipami, możesz zdecydować się na użycie jednego lub drugiego przejścia, aby pomóc w zapewnieniu ciągłości. Jak już wielokrotnie mówiliśmy na stronach magazynu i witryny Videomaker, najczęściej używane przejście będzie proste. Ale jeśli edytujesz film dokumentalny i chcesz podzielić zamknięty, mówiący wywiad (ujęcie statyczne, na statywie, ze średnim zbliżeniem), może się okazać, że będziesz musiał użyć przenikania krzyżowego, zwłaszcza jeśli tego nie zrobisz. nie ma wielu cutawayów lub rolki B. Ponadto, używając renderowanych przejść, takich jak przenikanie krzyżowe, pamiętaj, że możesz dostosować długość przejść, jeśli masz wystarczająco dużo głów i ogonów w klipach, na które wpływasz. Nie zawsze używaj domyślnego rozpuszczania krzyżowego 30 klatek na sekundę. Może długie, trzysekundowe przenikanie krzyżowe doda emocji tej scenie. A może błyskawiczne wyczyszczenie dziesięciu klatek pozwoli lepiej zrozumieć twój punkt widzenia. Użyj tylu klatek, ile potrzebujesz, aby jak najlepiej przejść między klipami.
4. Realistyczne efekty dźwiękowe
Mogłeś dodać efekty dźwiękowe podczas procesu zgrubnego cięcia, ale efekty dźwiękowe, ADR (automatyczna lub automatyczna wymiana dialogów, czyli pętla), Foley (odtwarzanie i synchronizacja przypadkowych dźwięków, takich jak kroki) i inne dźwięki nienat zwykle występują po „blokada obrazu” po zakończeniu edycji wizualnej. Nie ma sensu tracić czasu na wstawianie elementów dźwiękowych do scen, które możesz wyciąć, więc zwykle zaczynasz wzbogacać dźwięk po dość solidnym, zgrubnym cięciu. Tutaj wciąż obowiązuje stare powiedzenie „mniej znaczy więcej”. To nie „duże” dźwięki, takie jak wybuchy i wystrzały, sprawią, że twoja praca będzie doskonała; to subtelne dźwięki. Widzowie mogą nawet nie zauważyć dźwięków tła, takich jak ptaki, wiatr, ruch uliczny i szczekanie psów w oddali, ale zauważą, jeśli ich tam nie ma. Te małe dźwięki są naturalnie wszędzie wokół nas, każdego dnia. Zatrzymaj się na chwilę i po prostu posłuchaj swojego słyszalnego otoczenia. Teraz pomyśl o umieszczeniu tych dźwięków w swojej pracy. Czy masz scenę w podejrzanej, miejskiej okolicy? Cóż, spraw, aby policyjna syrena wydawała się dobiegać z daleka, a nie z przodu, i masz początek bogatego pejzażu dźwiękowego.
5. Osłodź swój dźwięk
Słodzenie dźwięku to czasochłonny, a może nawet bolesny proces, ale jest tak ważny. Większość filmów nie do zniesienia na festiwalach filmowych przypisuje swój upadek słabemu dźwiękowi. Dobry dźwięk zaczyna się oczywiście na miejscu, ale kończy na dosładzaniu. Czy poziomy dla każdego elementu dźwiękowego są idealne? Twój miernik VU (jednostka objętości) lub audiometr jest tutaj twoim przyjacielem, ale nie ostatecznym autorytetem. Ucho redaktora i zdrowy rozsądek powinny określić najlepszy poziom decybeli dla każdego elementu audio. Głównym celem jest zbadanie każdej jednostki dźwiękowej indywidualnie, a następnie razem z innymi dźwiękami w scenie, aby upewnić się, że poziomy są idealne.
6. Edytuj z rytmem
Ta sekcja nie pojawia się pod koniec tego artykułu, ponieważ została uchwalona jako ostatnia; dobry montażysta myśli o rytmie, jeszcze zanim po raz pierwszy usiądzie przy stanowisku montażowym. Redaktor powinien zawsze mieć świadomość rytmu. Producent/reżyser Jim Jarmusch często słucha różnych rodzajów muzyki przed montażem iw jego trakcie, aby wprowadzić go w „rytmiczny nastrój”, jakiego oczekuje podczas montażu. Dobrzy redaktorzy często golą lub dodają tylko jedną klatkę, jedną trzydziestą (lub jedną dwudziestą czwartą) sekundy, aby utrzymać rytm. To jest procedura klatka po klatce. Idealny rytm może zwrócić lub przerwać uwagę publiczności.
7. Uzyskaj ocenę z kolorem
Korekcja kolorów jest celowo ostatnia. Powinien to być ostatni krok z kilku powodów. Podobnie jak w przypadku efektów dźwiękowych, dostrajanie koloru klipu nie ma większego sensu, jeśli będziesz go edytować dopiero później. Co więcej, nowe, wysokiej klasy korektory kolorów lub aplikacje do gradacji kolorów, takie jak Apple Color, są samodzielnymi aplikacjami, a nie wtyczkami lub efektami, które działają w edytorze. Stopniowanie jest dla obrazu tym, czym osładzanie dla dźwięku. Zasługuje na ogromną ilość czasu, aby go odpowiednio dopracować. To nie jest dostosowanie jednym kliknięciem. Dobra ocena może mieć znaczenie między dobrym filmem a świetnym filmem.
Redaktor współpracujący Morgan Paar to koczowniczy producent, strzelanka i
redaktor, który obecnie uczy produkcji wideo w szkole średniej.