10 wskazówek dotyczących fotografowania na scenie (aby uzyskać piękne obrazy)

Być może nadszedł czas, aby wkroczyć na nowy etap swojej fotograficznej podróży:fotografię sceniczną, podczas której rejestrujesz wykonawców na scenie podczas koncertów, przedstawień, recitali tanecznych i nie tylko.

Gatunek ten łączy w sobie niektóre umiejętności fotografii studyjnej, portretowej, a nawet sportowej. Gdy światło jest często słabe, a akcja szybka, staniesz przed wyzwaniem robienia ostrych ujęć i musisz dobrze zrozumieć sterowanie aparatem. Fotografia sceniczna sprawdzi Twoje umiejętności, ale gdy wykonasz świetne ujęcie, wyniki mogą być bardzo nagradzanie.

Omówmy dziesięć wskazówek, które pomogą Ci osiągnąć tę wydajność poleceń.

1. Uzyskaj pozwolenie

Oto kluczowa rzecz do zapamiętania podczas kręcenia występu na scenie:przedstawienie jest na scenie. Nie jesteś przedstawieniem. Jeśli twoja obecność przeszkadza wykonawcom, rozprasza publiczność lub w inny sposób zwraca na ciebie uwagę, nie tylko przeszkadzasz, ale ryzykujesz, że zostaniesz wyrzucony. A nawet jeśli tak się nie stanie, jest mało prawdopodobne, że zostaniesz zaproszony z powrotem, a inni fotografowie mogą zostać pozbawieni możliwości udziału w przyszłych pokazach.

Nie bądź tym facetem.

Złym pomysłem jest pokazanie się na występie z profesjonalnie wyglądającym aparatem i długimi obiektywami bez uprzedniej zgody. Możesz nie zostać wpuszczony do środka, a jeśli tak, możesz zostać poproszony o pozostawienie swojego drogiego sprzętu. Jeśli jakoś wślizgniesz się do środka i zostaniesz złapany później, będzie brzydka scena. A jeśli jakimś cudem nakręcisz całe show, a później zechcesz opublikować swoje ujęcia, ryzykujesz pozwanie, ponieważ nie miałeś prawa do robienia zdjęć… czyli… no cóż… nie chodźmy tam.

Ponownie, nie bądź tym facetem – kropka.

2. Bądź „foto ninja”

Kiedy robisz zdjęcia sceniczne, Twoim mottem powinno być „minimalne zakłócenia”. Oto kilka rzeczy, które możesz zrobić, aby uzyskać ujęcia, pozostając niewidocznym dla wykonawców i publiczności.

• Ubierz się w ciemną odzież. Ponieważ podczas występu na scenie światła w domu są zazwyczaj wyłączone, noszenie ciemnych ubrań pomoże ci ukryć się w cieniu i być mniej zauważalnym.
• Bądź ukradkiem i cicho. Wyłącz wszystkie elementy rozpraszające aparat, w tym sygnały dźwiękowe, światła, a może nawet tylny ekran LCD. Jeśli twój aparat ma cichy tryb migawki, użyj go. Jeśli musisz szykować swoje strzały, rób to między aktami i w taki sposób, aby Twój ekran nie był widoczny dla publiczności lub wykonawców. Nie stań ​​między publicznością a występem, nawet jeśli to zapewni Ci najlepszy kąt.
• Nigdy nie używaj flasha chyba że wcześniej uzyskałeś pozwolenie od kierownika sceny.
• Nagraj próbę generalną kiedy możliwe. Zakładając, że możesz to zrobić, jest to najlepsza opcja. Bez publiczności będziesz mieć znacznie więcej swobody w poruszaniu się, znajdowaniu dobrych kątów, być może użyj lampy błyskowej, jeśli najpierw sprawdzisz, a czasami otrzymasz wiele „ujęć” tej samej sceny, tańca lub numeru muzycznego. Wyjątkiem od tej reguły mogą być koncerty, ponieważ na próbie generalnej zabraknie dynamiki wykonawców i reakcji publiczności na występ na żywo, co zwykle widać na ujęciach. Jednak w większości przypadków kręcenie próby generalnej znacznie rozszerzy to, co możesz zrobić.

3. Poznaj program

Jak w przypadku każdego rodzaju fotografii akcji, wiedza o tym, co się wydarzy, pomoże Ci przewidzieć i uzyskać najlepsze ujęcia. Przeczytaj program, porozmawiaj z kierownikiem sceny, poznaj fabułę sztuki i zrób wszystko, co możesz, aby lepiej poznać i zaplanować swoje ujęcia.

4. Przeprowadź „ankietę w witrynie”

Jeśli to możliwe, udaj się wcześniej do teatru lub miejsca, w którym odbędzie się wydarzenie. Weź aparat i znajdź najlepsze punkty obserwacyjne.

Czy możesz strzelać z tych miejsc i nadal nie przeszkadzać? Czy istnieje wiele miejsc, z których możesz strzelać, i czy możesz przemieszczać się z jednego do drugiego bez zwracania na siebie uwagi? Jak długi lub szeroki obiektyw będzie potrzebny, aby uzyskać dobre zdjęcia z tych miejsc? Czy może być tam ktoś, kto pokaże ci oświetlenie przed pokazem, abyś mógł zorientować się, z czym się spotkasz?

Jeśli nie możesz być na miejscu wcześniej, przynajmniej przyjedź tam jak najwcześniej w dniu przedstawienia. Wstrząsanie nim, gdy program już trwa, prawie zawsze wpłynie negatywnie na jakość twoich ujęć.

5. Weź odpowiedni sprzęt

Dwa największe wyzwania w fotografii scenicznej to zazwyczaj:

1. Zbliżyć się wystarczająco blisko
2. Wystarczająca ilość światła do pracy

A odpowiedni sprzęt może pomóc. Najlepszym wyborem będzie aparat o silnym działaniu przy słabym oświetleniu i minimalnym hałasie. Jasny obiektyw f/2,8 też robi różnicę.

Fotografuję Canona, a dwa obiektywy, które zwykle noszę podczas fotografowania na scenie, to zoom Canon EF 24-105mm f/4L IS i Canon EF 70-200mm f/2.8L IS. Było wiele przypadków, w których życzyłem sobie zoomu 100-400 mm.

Twoje potrzeby w zakresie ogniskowej będą podyktowane odległością od sceny. Bliżej jest prawie zawsze lepiej, a jeśli możesz być na uboczu (i nie naruszać zasady „minimalnych zakłóceń”), to prawie zawsze jest to najlepsze.

Powinienem również zwrócić się do czytelników, którzy mogą być rodzicami, którzy wybierają się na przedstawienie swojego dziecka, recital taneczny lub inne występy sceniczne. Prawdopodobnie będziesz brać aparat typu „wskaż i strzelaj” bez wymiennych obiektywów i fotografować z dowolnego miejsca w kinie. Nie ma w tym nic złego. Mamy nadzieję, że twój aparat ma dobry zoom optyczny i nie ma zbyt dużego opóźnienia migawki. Przyjedź tam wcześnie i usiądź w pierwszym rzędzie, jeśli możesz. Jeśli nie musisz siedzieć na swoim miejscu w teatrze, może uda Ci się znaleźć lepsze miejsce do robienia zdjęć i być mniej zauważalnym.

Dowiedz się, co możesz z tego artykułu, a co najważniejsze, zachowaj jak najmniej rzucania się w oczy podczas robienia zdjęć. Wiem, że będziesz chciał wstać, kiedy mały Johnny wejdzie na scenę w swoim uroczym kostiumie małej postaci i możesz zapomnieć wyłączyć lampę błyskową i oślepić wszystkich wybuchem światła w zaciemnionym teatrze. Moja prosta rada:nie bądź takim rodzicem. Przy odrobinie szczęścia zawodowiec będzie strzelał z boku. Poszukaj tej osoby i podaj jej swój adres e-mail. Jeśli jesteś dla nich miły, istnieje duża szansa, że ​​wyślą ci gwiezdne zdjęcie Johnny'ego.

6. Użyj odpowiednich ustawień i techniki

Wspomniałem już, że jedną z najtrudniejszych rzeczy w fotografii scenicznej jest praca przy słabym oświetleniu (szczególnie, gdy w grę wchodzi akcja). Prawdopodobnie będziesz także strzelał z ręki. Utrzymanie wystarczająco krótkiego czasu otwarcia migawki przy słabym oświetleniu będzie wymagało albo otwarcia przysłony (zwracając uwagę na głębię ostrości), podniesienia ISO (zwracając uwagę na poziom hałasu) lub obu.

Poniższe ustawienia aparatu działają dla mnie dobrze w większości przypadków, chociaż będziesz musiał dokonać korekty w zależności przede wszystkim od tego, ile światła musisz pracować. Nie jest niczym niezwykłym, że światła zmieniają się od bardzo jasnych do bardzo przyciemnionych, gdy zmienia się scena, aktor przechodzi do innej części sceny lub (na koncercie rockowym) światła migają i gasną podczas zmiany kolorów. Rozważ więc te ustawienia fotografii scenicznej jako punkt wyjścia.

• Tryb priorytetu przysłony – (Av w Canonie, A w Nikonie, różni się w innych aparatach.) Zwykle będziesz chciał, aby przysłona była jak najszerzej otwarta, jednocześnie zachowując odpowiednią głębię ostrości.
• Automatyczne ISO – Niech ISO „pływa”, aby poradzić sobie z różnymi zmianami oświetlenia. Jeśli okaże się, że twoje ISO pozostaje prawie takie samo dzięki wydajności, możesz ustawić je w tym miejscu, ale zawsze staraj się utrzymywać je na jak najniższym poziomie. Dowiedz się, kiedy aparat generuje niedopuszczalne szumy i ustaw górne limity Auto ISO tuż poniżej tej wartości. Jeśli tego nie zrobisz, później może się okazać, że ISO poszło dużo wyżej (i że wszystkie twoje strzały są bardzo głośne!).
• W Priorytecie przysłony czas otwarcia migawki będzie również unosić się na wodzie. Ilość akcji na scenie, ogniskowa obiektywu, którego używasz, oraz prędkość potrzebna do zamrożenia akcji będą dyktować, co jest dopuszczalne. W sztuce, w której aktorzy stoją nieruchomo i mówią, możesz ujść na sucho z 1/30, jeśli masz w aparacie obiektyw ze stabilizacją obrazu lub stabilizację obrazu w ciele. Jeśli fotografujesz tancerzy baletowych, którzy kręcą się i skaczą, i chcesz ich zamrozić, możesz potrzebować 1/500 lub więcej, aby wykonać zadanie. Sprawdź, czy Twój aparat pozwala ustawić minimalny czas otwarcia migawki podczas korzystania z priorytetu przysłony.
• Tryb ostrości – To znowu będzie zależeć od ilości działań, z którymi masz do czynienia. Jeśli akcja jest powolna, pojedyncze zdjęcie jest w porządku. (Pamiętaj, aby wyłączyć sygnał dźwiękowy blokady ostrości!). Jeśli musisz śledzić szybszy ruch, ciągłe skupianie się może bardzo pomóc. Nowsze kamery mogą mieć ostrość śledzącą ruch gałek ocznych, co może działać naprawdę dobrze – z wyjątkiem sytuacji, gdy występuje wiele osób i znajduje się w pobliżu. Wtedy autofokus może nie wiedzieć, na której osobie się skupić. Poznaj tryby ustawiania ostrości aparatu, aby wybrać najlepszy w danej sytuacji.
• Pomiar – To będzie zależało od oświetlenia, które napotkasz. Zwykle trzymam się pełnego pomiaru oceniającego, a aparat wykonuje całkiem niezłą robotę. Czasami jednak, gdy wykonawca może być jasno oświetlony reflektorem, a tło jest bardzo ciemne, kamera może zostać oszukana i wykonawca zostanie prześwietlony. W takich przypadkach lepszym wyborem może być pomiar centralnie ważony lub nawet pomiar punktowy.
• Zatwierdź to Pamięci – Często przechowuję różne ustawienia aparatu w każdym z trybów pamięci mojego aparatu (C1, C2, C3), dzięki czemu mogę szybko zmieniać złożone ustawienia, obracając pokrętło, gdy sytuacja się zmienia.

7. Kompozycja jest zawsze kluczowa

Jak w przypadku każdej fotografii, kompozycja jest najważniejsza. Stosuj dobre praktyki kompozycyjne; pamiętaj o zasadzie trójek, linii wiodących, zasadzie szans i tak dalej. I pamiętaj, aby sprawdzić granice pod kątem rozpraszających elementów.

Nakręć szerokie ujęcia, które pokazują całą scenę, a następnie przejdź do środkowych i bliskich ujęć, które podkreślają jednego aktora lub wykonawcę. Zastanów się nad wyrazem twarzy, aby uchwycić emocje wykonawcy. Nie przeocz naprawdę ciasne ujęcia szczegółów, takich jak buty tancerza baletowego „na pointe” lub dłonie gitarzysty rockowego naprawdę „rozdrabniające siekierę”.

8. Pracuj ze światłem

Oświetlenie sceniczne może być trudne, zwłaszcza gdy próbujesz fotografować z dobrą dokładnością kolorów. Różne typy oświetlenia będą miały różne temperatury w stopniach Kelvina. Nastrój jest często tworzony za pomocą kolorowych żeli i innych elementów sterujących kolorem oświetlenia.

Czasami będziesz chciał spróbować poprawić te zmiany kolorów, czasami możesz chcieć uchwycić scenę tak bliską oryginalnemu kolorowi, jak to możliwe (tj. ciemnoniebieski odcień zaprojektowany do symulacji sceny nocnej). A innym razem możesz chcieć uwydatnić kolor lub skierować go w innym kierunku.

Teraz jest jeden kluczowy element, który zapewni Ci niezbędną kontrolę nad kreatywnością:

Nagrywaj w formacie RAW! Istnieje wiele powodów, dla których powinieneś robić zdjęcia w formacie RAW, ale fotografia sceniczna może znajdować się na samym szczycie listy. Podczas kręcenia nie chcesz regulować balans bieli lub próbować odgadnąć, co może być najlepsze. Fotografowanie w formacie RAW oznacza, że ​​korekty balansu bieli można zapisać do późniejszej edycji. Zazwyczaj po prostu zostawiam ustawienie balansu bieli na Auto i pomijam je podczas fotografowania. Później, podczas edycji, mogę to dostosować, jak mi się podoba. Jeśli seria ujęć została wykonana w tych samych warunkach oświetleniowych, mogę dostosować pierwsze ujęcie, wybrać wszystkie kolejne ujęcia i zsynchronizować balans bieli z pierwszym skorygowanym ujęciem. Bazinga!

Należy pamiętać o jednej rzeczy:nie należy polegać na ekranie LCD do oceny balansu bieli. Zawsze pokaże obraz JPEG z wyborem balansu bieli aparatu, a ponieważ będziesz fotografować w formacie RAW, możesz później dokonać dramatycznych zmian.

Na przykład w jednym teatrze oświetlenie sceniczne było bardzo ciepłe. Ustawiłem aparat na balans bieli Tungsten, aby odtwarzanie na LCD wyglądało lepiej, ale nadal robiłem zdjęcia w formacie RAW. Później, podczas edycji, ustawienie Tungsten dało lepsze odcienie skóry, więc użyłem tego jako punktu wyjścia. Gdyby to jednak nie zadziałało, mógłbym edytować mój balans bieli, aby uzyskać zupełnie inny wynik.

Kiedyś koleżanka zastąpił mnie na ceremonii rozdania dyplomów na scenie teatralnej. Potem przesłali mi zdjęcia do edycji i zobaczyłem, że całą ceremonię nakręcili w formacie JPEG. Ach! Teatr miał mieszane oświetlenie, trochę wolframowe, trochę fluorescencyjne. Obrazy JPEG miały bardzo mały potencjał do regulacji, a odcienie skóry były okropne. Myślałem nawet o zamianie całego zestawu na czarno-biały.

9. Opowiedz historię

Nie wiem, czy każde zdjęcie opowiada jakąś historię, ale kiedy fotografuję spektakl, recital taneczny, występ czy koncert, na scenie na pewno jest opowieść. Twoim zadaniem jako fotografa jest opowiedzenie tej historii swoimi zdjęciami. Oto kilka pomocnych wskazówek:

• Poznaj historię – Jeśli uczestniczysz w przedstawieniu, poznaj wcześniej fabułę. To samo dotyczy tańca. Prawie cały balet jest zbudowany wokół historii. Numery do tańca współczesnego są zwykle zaprojektowane tak, aby wywoływały znaczenie i nastrój. Gitarzysta rockowy wprowadzi w nastrój swoją muzyką, a tekst piosenki może opowiedzieć pewną historię. Jak możesz wydobyć te historie ze swoich zdjęć? Rejestrując mimikę, ruch, szczytowe działanie?
• Zamrozić lub rozmyć? – Nie każdy ruch musi być zamrożony. Rozmycie poruszających się osób może wzmocnić wrażenie akcji w scenie.
• Nastrój światła – Dobrzy fotografowie uczą się „widzieć światło” i wiedzą, jak jego kolor, kierunek, miękkość, ostrość i inne właściwości wpływają na nastrój i opowieść. Wiedzą o tym również dobrzy projektanci oświetlenia teatralnego i ciężko pracują, aby oświetlić sceny, aby wywołać odpowiedni nastrój i uatrakcyjnić fabułę. W przeciwieństwie do studyjnej sesji zdjęciowej, w której jako fotograf możesz ustawiać światła, podczas fotografowania występu na scenie będziesz pracować z wyborem oświetlenia innej osoby. Zwróć szczególną uwagę na to, co zrobili i spróbuj uchwycić to na swoich obrazach.

10. Ulepsz dzięki dobrej edycji

W czasach filmowych po sesji miałeś tylko nieprzetworzone negatywy. Było wiele kroków, zanim można było spojrzeć na swój obraz jako gotowy wydruk i wiele możliwości twórczych korekt po drodze. Dziś, korzystając z aparatów cyfrowych, wystarczy kliknąć migawkę i od razu wyświetlić wynik na ekranie LCD.

Moim zdaniem zbyt wielu fotografów jest zadowolonych z obrazu prosto z aparatu (SOOC); po tym pierwszym kliknięciu uważają, że ich praca została wykonana. Wielu wykwalifikowanych instruktorów fotografii będzie głosić, jak ważne jest „zrobienie tego dobrze w aparacie” i wyrażać wyraźny niesmak z powodu konieczności spędzania czasu za ekranem komputera.

Jak można się domyślić, drwię z tych ludzi. Ansel Adams nie robił zdjęć cyfrowych, ale myślę, że jego cytat jest wart rozważenia:

Osobiście uważam, że nie skończysz z obrazem, dopóki nie skończysz, a to obejmuje edycję. Może to być szczególnie prawdziwe podczas robienia zdjęć występów scenicznych. Nie będziesz mieć kontroli nad sceną, która rozgrywa się przed tobą, będziesz mieć ograniczone możliwości zmiany swojego punktu obserwacyjnego lub perspektywy, będziesz pracować z cudzym, często szybko zmieniającym się oświetleniem, scena może być słabo oświetlona i będziesz miał trudności z żonglować czasem otwarcia migawki, głębią ostrości i szumem aparatu. Nie ma też żadnych zmian. Jeśli ujęcie nie jest wszystkim, czym może być, edycja może być poprawką. Nawet jeśli jest to bardzo dobre ujęcie SOOC, czy część edycji może uczynić go jeszcze lepszym?

(Nakręciłeś RAW, prawda? Więc nie mów mi, że nie edytujesz; musisz zrobić przynajmniej trochę edytowanie z obrazem Raw).

Dobra, wyłączę rant. Wystarczy powiedzieć, że osobiście uważam, że edytowanie zdjęć scenicznych jest prawie obowiązkowe, jeśli chcesz, aby błyszczały.

Wskazówki dotyczące fotografii scenicznej:ostatnie słowa

Jak mógłbym napisać artykuł o fotografii scenicznej i nie zamieścić słynnego cytatu tego faceta? Być może słyszałeś o nim:

W tej sztuce nazywamy życie , zostałeś obsadzony w roli fotografa. Teraz rozwijaj swoje talenty i umiejętności. Podnieś lustro do innych graczy za pomocą fotografii scenicznej!

Najczęstsze pytania dotyczące fotografii scenicznej

Przedstawienie jest na scenie. nie jesteś pokaz. Jeśli odwracasz uwagę wykonawców lub publiczności, nie jesteś mile widziany, możesz zostać wyrzucony, na pewno nie zostaniesz zaproszony z powrotem i prawdopodobnie uniemożliwi to innym fotografom proszenie o fotografowanie występów. Rób dobre zdjęcia, ale nie rzucaj się w oczy.

Podejść wystarczająco blisko. Praca przy słabym i często zmieniającym się świetle. W tym pierwszym może pomóc długi obiektyw lub dobry punkt obserwacyjny. Szybki obiektyw (tj. f/2.8 lub szybszy) i aparat o dobrych parametrach przy słabym oświetleniu mogą w tym pomóc.

Poznaj historię. Opowiedz historię. Dowiedz się, o czym jest sztuka, taniec, występ, piosenka lub cokolwiek, co fotografujesz. Pracuj nad uchwyceniem tej historii na swoich obrazach.

Będzie się to różnić w zależności od oświetlenia, rodzaju pokazu, ilości akcji na scenie i innych czynników, ale na początek:Priorytet przysłony (Av, A), Auto ISO (z górną granicą), Ciągłe/Servo Focus, Wielosegment pomiar (chociaż centralnie ważony lub nawet punktowy działa w pewnych sytuacjach).

Zawsze rób zdjęcia w formacie RAW i przygotuj się na edycję ujęć. Plik RAW pozwoli Ci dostosować balans bieli po sesji, otworzy możliwości twórcze, pozwoli na ratunek prześwietlonych i niedoświetlonych zdjęć oraz pomoże lepiej radzić sobie z szumem obrazu.