Słyszałeś to niezliczoną ilość razy:„Zrób to dobrze w aparacie. Jeśli odpowiednio skomponujesz i wyeksponujesz, Twoje zdjęcie nie będzie wymagało edycji”.
To bzdura ! Tak, prawidłowo wykonane zdjęcie może nie wymagać dużo edycji i najlepiej unikać sesji edycji „misji ratunkowej”, które próbują uratować zły wizerunek. Ale pomyśleć, że nie powinno być edycji w fotografii krajobrazowej (ani w jakiejkolwiek fotografii, jeśli o to chodzi)? Takie podejście po prostu pozostawi obraz, który jest na wpół upieczony.
Innymi słowy, edycja ma znaczenie, niezależnie od umiejętności fotograficznych.
Poniżej udostępniam 10 wskazówek dotyczących edycji zdjęć krajobrazu, w tym podstawowe porady dotyczące dostosowywania tonów i kolorów, a także bardziej zaawansowane sztuczki i techniki, takie jak zamiana nieba.
Gotowy, aby przenieść obrazy krajobrazu na wyższy poziom? Zaczynajmy.
1. Zawsze rób zdjęcia w formacie RAW
Jeśli nie robisz zdjęć w formacie RAW, prawdopodobnie możesz przestać czytać właśnie tutaj.
Kiedyś uważałem, że fotografowanie w formacie RAW jest przereklamowane, że jest przeznaczone dla elitarnych fotografów-snobów z wysokiej klasy aparatami, potężnymi komputerami, złożonym oprogramowaniem i mnóstwem miejsca do przechowywania. Potem pojawił się Adobe Lightroom i przetwarzanie RAW stało się o wiele łatwiejsze. Próbowałem kręcić i edytować w formacie RAW i zobaczyłem, jaka to zmiana. Były rzeczy, które mogłem zrobić z obrazem RAW, które po prostu nie były możliwe w przypadku JPEG.
Dlatego moja pierwsza wskazówka dotycząca edycji krajobrazu to zawsze robić zdjęcia w formacie RAW . Nuff powiedział.
2. Idź z przepływem (pracy)
Po raz pierwszy nauczyłem się edytować obrazy RAW, oglądając samouczki wideo na YouTube autorstwa Serge'a Ramelli i Anthony'ego Morganti (i nadal jest to świetny sposób na naukę, jeśli jesteś nowy w RAW).
Jedną z pierwszych rzeczy, których nauczyli, była korzyść ze standardowego przepływu pracy. Edytuję głównie za pomocą Adobe Lightroom Classic, więc większość moich odniesień będzie nastawiona na ten program – ale jeśli używasz innego edytora, podstawowe koncepcje powinny nadal obowiązywać.
Każdy obraz będzie się różnił i będzie wymagał dodatkowego dostrojenia, ale oto pierwsze kroki, które podejmuję z każdym obrazem poziomym w Lightroom:
Najpierw dokonaj korekty obiektywu. Zawsze zaznacz obie opcje Usuń aberrację chromatyczną i Włącz korekty profilu . Mam je skonfigurowane w ustawieniu importu, dzięki czemu dostosowania są automatycznie stosowane, gdy obrazy są wprowadzane do Lightrooma.
Następnie w menu rozwijanym Podstawowe:
- Aktywuj wskaźniki przycinania cieni i podświetleń na histogramie (po prostu naciśnij J na klawiaturze).
- Kliknij Automatycznie , co często daje od razu dobry wynik. Jeśli podoba Ci się to, co otrzymujesz, kroki 3-7 mogą nie być potrzebne.
- Zmniejsz suwak Najciekawsze miejsca. Pamiętaj, aby oglądać histogram w trakcie podróży. Upewnij się, że wszystkie fragmenty podświetlenia zostały usunięte.
- Zwiększ suwak Cienie. Ponownie obserwuj histogram i usuń wszystkie przycięcia cieni.
- Ustaw punkt bieli i punkt czerni, aby uzyskać maksymalną szczegółowość (innymi słowy, upewnij się, że zakres tonalny sięga tylko do krawędzi histogramu, ale nie koniec!). Aby to zrobić, po prostu przytrzymaj klawisz Shift i kliknij dwukrotnie suwaki Białe i Czarne.
- Przejdź do suwaka Ekspozycja i dostosuj go do własnych upodobań. Kontynuuj oglądanie histogramu; staraj się zapobiegać dodatkowemu obcinaniu.
- Dostosuj suwak Kontrast do gustu.
- Kliknij każde z ustawień wstępnych balansu bieli (Jak na zdjęciu, Auto, Światło dzienne, Zachmurzenie, Cień, Żarówka, Fluorescencja i Lampa błyskowa) i sprawdź, czy chcesz dostosować. Możesz także wypróbować narzędzie Kroplomierz i pobrać próbkę neutralnej szarości obrazu. Jeśli potrzebujesz jeszcze dokładniejszej kontroli, śmiało dostosuj suwaki Temp i Tint. Nie bądź jednak zbytnio uzależniony od uzyskania idealnego balansu bieli; często chodzi o osobiste preferencje i osiągnięcie pożądanego wyglądu i nastroju.
Pomyśl o tych krokach jako o punkcie wyjścia do użycia z każdym zdjęciem do podstawowego przetwarzania RAW. Nieedytowane zdjęcia RAW będą zazwyczaj płaskie i nieatrakcyjne, a te wstępne kroki przygotują je do dalszego dopracowania.
3. Zrób test smaku
Dobry kucharz, zwłaszcza próbujący nowego przepisu, często będzie smakował potrawę podczas jej przyrządzania. Używają tego, aby określić, czego brakuje w daniu i jak mogą to poprawić. Możesz użyć tego samego podejścia podczas edycji fotografii krajobrazowej.
Po wykonaniu podstawowych korekt, spróbuj – to znaczy rozejrzyj się – i określ, czego potrzebuje Twoje zdjęcie. Czy obszary są zbyt jasne? Zbyt ciemno? Czy potrzebują większego czy mniejszego nacisku? Czy istnieją elementy rozpraszające, które mogą zostać sklonowane? Czy inne przycięcie może pomóc w usunięciu rozpraszających uwagi lub przyciągnięciu uwagi do tematu? Czy obraz może korzystać z ulepszeń tekstury lub przejrzystości?
Pamiętaj też, że możesz tworzyć wirtualne kopie w Lightroomie. Zacznij od edycji obrazu – a następnie, jeśli masz drugi pomysł, utwórz wirtualną kopię i edytuj wersje osobno. Później możesz zdecydować, co wolisz.
4. Selektywnie dostosuj niebo
Do tej pory mówiłem o edycji przepływu pracy, którą można zastosować do dowolnego obrazu cyfrowego. Przejdźmy do zmian bardziej specyficznych dla fotografii krajobrazowej.
Zdjęcia krajobrazowe często mają ląd na pierwszym planie, a niebo u góry. Często niebo będzie znacznie jaśniejsze niż ziemia poniżej, czasami drastycznie więc. Przed pojawieniem się niektórych narzędzi do edycji fotografowie krajobrazu nosili stopniowany filtr o neutralnej gęstości; podobnie jak przyciemniana przednia szyba w samochodzie, filtry GND były ciemne u góry i przezroczyste u dołu. Był to sposób na wyrównanie ogólnej jasności sceny, dzięki czemu można było zrobić zdjęcie, w którym oba niebo i ziemia były dobrze wyeksponowane.
To podejście zadziałało, ale miało też pewne wady. Efekt GND został naprawiony, więc nie można było stworzyć innego wyglądu podczas edycji. Ponadto linia gradacji była prosta, a jeśli obiekty w górnej części kadru (np. drzewa, góry lub budynki) rozciągały się do zaciemnionej części filtra, one również byłyby zaciemnione.
Wprowadź filtr stopniowy narzędzie w oprogramowaniu. Dopóki nie wygaśniesz świateł w oryginalnej ekspozycji, możesz użyć narzędzia do filtrowania stopniowanego, aby osobno przyciemnić niebo i rozjaśnić ziemię podczas edycji. Następnie możesz zdecydować o umiejscowieniu i intensywności efektu siedząc przed komputerem, a nie w terenie.
Na początku cyfrowe filtry stopniowane miały te same ograniczenia co filtr fizyczny:efekt był nakładany w linii prostej w poprzek obrazu i wpływał na obiekty, które rozciągały się do górnej części kadru. Od tego czasu pojawiły się jednak nowe opcje, które poprawiają elastyczność gradientu.
Na przykład, możesz teraz ograniczyć miejsce zastosowania efektu, kierując się na luminancję lub zakres kolorów. Adobe Lightroom i Photoshop mają te opcje, a inne programy do edycji często mają podobne funkcje. Zaawansowane programy pozwalają nawet na wysoce ukierunkowane maskowanie jasności, dzięki czemu możesz ostrożnie wybrać miejsca zastosowania korekt.
W rzeczywistości najnowsze dodatki do Lightrooma, Adobe Camera Raw (ACR) i Photoshopa są po prostu oszałamiające. Chcesz dostroić niebo bez wpływu na inne fragmenty ujęcia krajobrazu? Po prostu użyj maski Wybierz niebo w Lightroom (lub ACR) i zdziw się, gdy program maski tylko niebo, pracując wokół drzew i innych obiektów, które mogą rozciągać się na obszar nieba. Następnie dokonaj zmian, wpływając na tylko niebo.
Z drugiej strony, jeśli chcesz rozjaśnić ziemię bez wpływu na niebo, po prostu użyj maski Wybierz niebo, odwróć zaznaczenie (klawisz apostrofu ' to skrót) i – voila! – do regulacji zostanie wybrany tylko grunt.
Ponadto, jeśli w Twoim ujęciu znajduje się obiekt, który chcesz dostosować niezależnie, po prostu użyj opcji maskowania Wybierz obiekt. Opanowanie tych nowych funkcji sztucznej inteligencji wymaga trochę praktyki, ale są warte wysiłku.
5. Wymiana nieba (i inne kody)
Osoby, które nie są fotografami, mogą pokochać dzień błękitnego ptaka bez chmury na niebie. Nie my! Chmury dodają zainteresowania, więc bezchmurny dzień nie jest tak dobry na zdjęciu krajobrazowym – przynajmniej kiedyś tak nie było. W dzisiejszych czasach możesz po prostu dodać własne niebo, albo z wybranych zdjęć nieba w puszkach, albo z nieba, które zapisałeś w swojej osobistej kolekcji.
Luminar Skylum był jednym z pierwszych programów, które spopularyzowały prostą funkcję zastępowania nieba, ale nie minęło dużo czasu, zanim Adobe dodał to do Photoshopa (i moim zdaniem wykonał lepszą robotę). To całkiem niesamowita rzecz i zasadniczo polega na wybraniu nieba, naciśnięciu OK i obserwując, jak zmienia się Twój obraz. Nie będę wchodził w szczegóły, ale pokrótce dotknę etyki wymiany nieba.
Jako fotografowie krajobrazu jedną z cech umiejętności i poświęcenia jest znajdowanie odpowiedniej sceny we właściwym czasie, czekanie na odpowiednie światło i pogodę oraz wykonanie fotograf. Jeśli zamiast tego zbudujesz obraz z części, być może dodasz niebo, ptaki i balony na ogrzane powietrze unoszące się nad sceną, rzeczy, których nawet nie zastrzeliłeś i które z pewnością nie były obecne, gdy robiłeś pierwszy ujęcie z aparatu, czy naprawdę jesteś fotografem krajobrazu? Czy nie tak zbudowano Frankensteina:z części?
Uważam, że chociaż robienie tego rodzaju zdjęć może być zabawne, kiedy staniesz się znany z tworzenia podróbek, nawet przekonujących, przekroczyłeś granicę fotografa krajobrazu do twórcy obrazów cyfrowych . Dopóki ostrzegasz widza, że tak powstał Twój obraz, może to być w porządku. Ale nie oczekuj, że zdobędziesz szacunek innych fotografów krajobrazu, jeśli spróbujesz udawać podrobiony kompozyt jako prawdziwy interes i na pewno nie zgłaszaj się do takiego dzieła w jakimkolwiek konkursie. Nie chcesz, aby Twoja marka została oznaczona etykietą „fałszerz fotografii”.
6. Unikaj i spalaj się, aby skomplikować światło
Od najwcześniejszych dni robienia zdjęć fotografowie rozjaśniali i przyciemniali obszary kadru, aby przyciągnąć lub odjąć uwagę. Nadal używamy terminów unikanie i spalanie , które wywodzą się z technik tworzenia odbitek z negatywów pod powiększalnikiem. Ansel Adams był w tym mistrzem i prowadził szczegółowe notatki.
Dziś w „cyfrowej ciemni” nadal używamy unikania i wypalania (czyli rozjaśniania i przyciemniania), aby skierować widza na fragmenty obrazu, które chcemy podkreślić. Wspomniałem, że nauczyłem się Lightrooma, oglądając samouczki Serge Ramelli, a on używa terminu „kompleksowanie światła” podczas omawiania unikania i podpalania. Nie będę tu wchodzić w szczegóły, ale napisałem inny artykuł o unikaniu i spalaniu w Lightroomie; Uważam, że jest to bardzo ważna technika w edycji fotografii krajobrazowej, która przeniesie Twoje zdjęcia na wyższy poziom.
7. Jak to jest?
Dobre zdjęcie krajobrazu może pokazać widzowi, jak wyglądała scena podczas robienia zdjęcia. Wspaniała zdjęcie krajobrazowe przeniesie widza na scenę, wywoła emocje, wywrze wrażenie i sprawi, że widz poczuje, jak mógłby tam być.
Część z tego się wydarzy, jeśli uda Ci się zrobić ujęcie w dramatycznym świetle, uchwycić odpowiedni moment i stworzyć świetną kompozycję. Ale reszta wydarzy się podczas edycji obrazu. Może chcesz, aby ujęcie było cieplejsze lub chłodniejsze dzięki regulacji balansu bieli, albo chcesz wyostrzyć lub zmiękczyć szczegóły za pomocą narzędzi Przejrzystość, Dezamglenie lub Wyostrzenie. Możesz także wprowadzić inne korekty kolorów i być może użyć gradacji kolorów, aby stworzyć nastrój (podobnie jak programy telewizyjne i filmy wykorzystują gradację kolorów, aby nadać materiałowi szczególny charakter).
W niektórych gatunkach fotografii – zwłaszcza fotoreportażu – redaktor nigdy nie powinien próbować przedstawiać obrazów jako czegoś innego niż bezstronna obserwacja. Ale w fotografii krajobrazowej takich zasad nie ma. To twój wizerunek; użyj dowolnych narzędzi i technik, aby zinterpretować scenę i sprawić, by widz poczuł to, co chcesz, aby poczuł.
8. Wypróbuj czarno-biały
Na początku fotografii nie miałeś wyboru; wszystkie ujęcia krajobrazu zostały wykonane w czerni i bieli. Potem pojawiła się fotografia kolorowa. Gdybyś mógł robić kolorowe zdjęcia krajobrazu, dlaczego miałbyś kiedykolwiek chcieć wrócić do ograniczeń monochromatycznych? Jak często widziałeś czarno-biały pejzaż?
Wielu fotografów krajobrazu nadal tak się czuje i rzadko (jeśli w ogóle) wykonuje zdjęcia monochromatyczne. Osobiście uważam, że tracisz, jeśli nie badasz monochromatycznej fotografii krajobrazowej. Obraz monochromatyczny usuwa obce elementy koloru i podkreśla „kości” dobrego obrazu:kształt, formę, ton, teksturę, światło i cień.
Aby dowiedzieć się, dlaczego warto rozważyć czarno-białe zdjęcia krajobrazu, zapoznaj się z naszym artykułem „5 powodów, dla których warto wypróbować fotografię czarno-białą”. Jestem głęboko przekonany, że niektóre zdjęcia krajobrazowe są znacznie lepsze bez złożoności kolorów.
9. Wyostrz i przygotuj się do wyjścia
Ostatnim krokiem w edycji jest przygotowanie obrazu do wyświetlenia, zarówno do oglądania na ekranie, jak i do drukowania. Ostrzenie nada Twojemu zdjęciu ostateczny połysk. Radzę ci nauczyć się, jak to zrobić właściwie, i określić, jak chcesz wyostrzyć w zależności od zamierzonego wyniku.
Tylko krótkie słowo o wyostrzaniu:nie oczekuj, że naprawi nieostre lub rozmazane ujęcie. Nie ma rozwiązania tych problemów (chociaż Photoshop twierdzi, że ma kilka rozwiązań cyfrowych).
Zachęcam Cię, abyś zawsze robił zdjęcia krajobrazowe ze statywu, chyba że masz bardzo dobry powód, aby tego nie robić. Jeśli zdecydujesz się na trzymanie w ręku, upewnij się, że masz wystarczający czas otwarcia migawki, aby zapobiec rozmyciu ruchu. Edycja fotografii krajobrazowej powinna zawsze polegać na poprawianiu dobrego obrazu, a nie naprawianiu złego.
10. Ślepota na piksele i drugie opinie
Nie jest niczym niezwykłym, że wyspecjalizowani edytorzy zdjęć krajobrazowych spędzają godziny na dopracowywaniu zdjęcia, aby wszystko było w porządku. Jasne, niektóre zdjęcia mogą wymagać tylko kilku kliknięć (a są fotografowie, którzy ogólnie nienawidzą edycji), a są też programy, które zachwalają, jak szybko można edytować obrazy za pomocą ich ustawień wstępnych lub specjalnych narzędzi wspomaganych przez sztuczną inteligencję – ale są też ludzie którzy gotują w mikrofalówce posiłki błyskawiczne i są zadowoleni, ale nie nazwałbym ich kucharzami dla smakoszy.
Nadal wierzę, że wszystko, co dobre, wymaga czasu, a rzemieślnicy nie idą na skróty. To powiedziawszy, jeśli spędzasz dużo czasu na edycji zdjęcia, możesz rozwinąć coś, co niektórzy nazywają ślepotą pikselową . Nie martw się – to nie jest trwały stan fizyczny – ale po pewnym czasie możesz stać się niewrażliwy na to, co zrobiłeś ze zdjęciem i posunąć się za daleko (tworząc przegotowane wynik).
Najlepszym sposobem na uniknięcie tego problemu jest zrobienie sobie przerwy i odsunięcie się od ekranu komputera. Daj odpocząć oczom i mózgowi. Później, kiedy wrócisz, możesz zobaczyć swoje ujęcie nowymi oczami. Często możesz powiedzieć:„Wow! Posunąłem się za daleko!”
Piękno nieniszczącej edycji polega na tym, że zawsze możesz wycofać suwaki i obniżyć obraz o kilka stopni. Zbyt łatwo jest przesycić zachód słońca, zastosować zbyt dużą przejrzystość i uzyskać aureole wokół krawędzi lub trochę zwariować z HDR. Powrót do strzału po przerwie może ujawnić te rzeczy.
Naucz się również korzystać z widoku Przed/Po w Lightroomie podczas pracy. Inną dobrą opcją jest robienie po drodze migawek Lightroom. Następnie możesz cofnąć się do poprzedniego etapu edycji, jeśli nie podoba Ci się to, co zrobiłeś.
Wreszcie, kiedy myślisz, że skończyłeś ze swoim wizerunkiem, uzyskaj drugą opinię. Przyprowadź kogoś innego – kogoś, kto nie widział nieedytowanego ujęcia – i pokaż mu, co stworzyłeś. Zapytaj ich o zdanie. Czy edytowany obraz poziomy wygląda poprawnie? Naturalny? Czy jest przesycony? Jaka jest pierwsza rzecz, którą zauważają? Jak ten obraz sprawia, że się czują?
Możesz potrzebować opinii osoby, która nie jest fotografem, który tylko ogląda obraz takim, jakim jest, a także przeglądu twojej techniki przez wykwalifikowanego fotografa i redaktora, którego opinię szanujesz. Niezależnie od tego nigdy nie oferuj własnego komentarza ani wyjaśnień podczas przekazywania zdjęcia. Dobre zdjęcia muszą mówić same za siebie. Posłuchaj.
Następnie rozważ ich komentarze i zdecyduj, czy musisz wrócić i coś przerobić. Bądź otwarty na informacje zwrotne. Jasne, zdjęcie przedstawia twoje dziecko i nikt nie lubi, gdy mówi się, że jego dziecko nie jest tak piękne, jak mu się wydaje. Ale jesteś stronniczy, więc czasami dobrze jest poznać niesprecyzowane prawdy, nawet gdy boli.
Edycja fotografii krajobrazu:ostatnie słowa
Nie ma właściwego sposobu na edytowanie obrazów w orientacji poziomej, ale te wskazówki mogą pomóc Ci w podróży. To, co najbardziej kocham w fotografii, czy to fotografowanie, czy montaż, to to, że nauka nie ma końca.
Zrób wspaniałe zdjęcia krajobrazu i przenieś je na wyższy poziom dzięki edycji!
Teraz do Ciebie:
Która z tych wskazówek dotyczących edycji jest Twoją ulubioną? Którego planujesz użyć na zdjęciach w orientacji poziomej? Podziel się swoimi przemyśleniami w komentarzach poniżej!