Eric Alexandrakis staje się znany w świecie filmu i telewizji jako mistrz dźwięku dzięki swojemu wyjątkowemu podejściu do muzyki filmowej. Dzięki nowo odkrytej nominacji do nagrody GRAMMY® 2019 w kategorii „Najlepszy album mówiony” (IV Catatonia:20 Years as a Two-Time Cancer Survivor), jego innowacyjne podejście do muzyki przyciąga wiele uwagi.
Alexandrakis nie jest nowicjuszem. Jego film „Psychogeniczna fuga” z udziałem Johna Malkovicha w reżyserii Sandro Millera znalazł się na liście Cannes Lions Shortlist w 2017 roku. Psychogeniczna Fuga (2017) otworzyła również w listopadzie tego roku Festival Internacional de Cine de Cartagena i podbija świat. Istnieje niezaprzeczalny wizualny pociąg do różnych iteracji postaci Lyncha Malkovicha.
Imitacja, odtwarzanie czy komentarz?
Fascynujące jest obserwowanie, jak Malkovich płynnie wkracza w tak wiele osobowości wbrew partyturze Erica Alexandrakisa, która podkreśla wzloty i upadki każdej sceny. Razem film nasuwa pytanie:czy naśladownictwo naprawdę jest najwyższą formą pochlebstwa?
Na wczesnej winiecie Malkovich kołysze się na scenie w białej sukni i protezie twarzy. Pejzaż dźwiękowy przywołuje wspomnienia karnawału, a następnie ciemnieje, gdy wzmacnia się vibrato organów piszczałkowych – brzmiąc podobnie do nabożeństwa pogrzebowego. Malkovich zaczyna synchronizować usta „W niebie wszystko jest w porządku ” (Alan Spiet, 1977). To niepokojące odtworzenie Lady in the Radiator, ale tak miało być. To nie jest dobry film, ale mimo to jest genialny.
Podobnie jak w oryginale, scena jest kręcona w czerni i bieli. Cechy charakterystyczne są prawie identyczne, łącznie z kwiecistą szarfą na lewej stronie sukni Malkovich. W rzeczywistości jedyną zauważalną zmianą jest głos wokalisty. W starej wersji miała lekki południowy akcent, ale dotrzymując kroku duchowi czasu, teraz już go nie ma. Brzmi trochę jak Halsey.
Lady in the Radiator śpiewa o niebie, ale widzowie niezaznajomieni z twórczością Lyncha nie mogą przestać się zastanawiać, czy rzeczywiście jest w piekle. Czy to pył z kaloryfera, który stwardniał na jej twarzy? Może niebo to tylko stan umysłu, w którym nic Ci nie przeszkadza? Ale jeśli nie przeszkadzają ci rzeczy, które powinny cię niepokoić – czy nie jest to rodzaj piekła?
Transcendencja i postsurrealizm
John Malkovich jest zarówno niepokojący, jak i wyrachowany w swoim geniuszu. Film posiada cechy transcendentne, które wykraczają daleko poza obszar sztuki performance i wkraczają w metafizykę. Podobnie jak w przypadku większości osobistych skupień Davida Lyncha na transcendentalnej medytacji, widz zmuszony jest do zakwestionowania rzeczywistości przedstawianej na ekranie na tle własnego życia. Eric Alexandrakis robi to z dźwiękiem.
Choć niektórzy mogą określić filmy Lyncha jako surrealistyczne, wykorzystują też zdrową dawkę postsurrealizmu. Zapewne istnieje szeroka reprezentacja tego, co większość krytyków filmowych i artystycznych nazywa nieświadomością (Voorhies, 2004). Zarówno Lynch, jak i Alexandrakis zastanawiają się i badają analogie, uświadamiając w ten sposób widzowi własną dekonstrukcję procesu oglądania. Cud jest charakterystyczną cechą postsurrealizmu, według Helen Lundeberg i Lorser Feitelson (Kinkel, 2019).
David Lynch prawdopodobnie używa tych urządzeń, które po raz pierwszy omówiła szczegółowo Helen Lundeberg. Dokładniej, zarówno Lynch, jak i Alexandrakis czerpią z tego, co często określa się w literaturze artystycznej jako nowy klasycyzm (Fort, 2017). Estetyka Lyncha niewątpliwie zwraca uwagę na doświadczanie przez widza analogii i kolejności przedstawiania obrazów. Co ważniejsze, filmy Lyncha zmuszają widza do skonfrontowania się jednocześnie z konceptualnością i percepcją. Jakoś Alexandrakisowi udaje się to zrobić z dźwiękiem.
Odpowiednio, Psychogeniczna Fuga (2017) została stworzona, aby wesprzeć Fundację Davida Lyncha. To sprawia, że widz zastanawia się poprzez subtelne i bezpośrednie niuanse filmowe. Za tym nowym dziełem, w jego podbrzuszu, kryje się użycie filmu jako narzędzia transcendencji:film podszywający się pod film. W rzeczywistości Fuga psychogenna (2017) rozpoczęła się na wiele sposobów jako ponowne badanie (lub ponowne wynalezienie) alegorii jaskini Platona.
Nic dziwnego, że Eric Alexandrakis będzie przywiązany do tego przełomowego projektu. W 2018 roku Alexandrakis, który współtworzył scenariusz z Pennan Brae, został zdobywcą Złotej Nagrody na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym Queen Palm. W 2019 roku został nominowany do nagrody za najlepszą piosenkę na Solaris Film Festival. Jednak jeśli chodzi o sukces „Psychogennej Fugi” (2017), rozpęd Alexandrakisa wydaje się być połączeniem ogromnej gotowości, skrupulatnego planowania, głębokiego talentu i umiejętności prawdziwego przyswajania otoczenia na poziomie, który robi wiele osób. nie.
Tworzenie człowieka stojącego za filmem
Wiele z życia Erica czyta się jak dziennik do popularnego filmu. Jego dziadek został zabity przez nazistów, a ojciec założył Uniwersytet Kreteński. Eric dwa razy walczył z Hodgkinsem, więc wie, jak to jest postawić wszystko na szali. Jego piosenki są momentami refleksyjne, abstrakcyjne i narracyjne. Jego praca jest jak słyszalny obraz.
I.V. Katatonia:20 lat jako dwukrotny ocalony z raka , za który Alexandrakis otrzymał nominację do nagrody GRAMMY® 2019, niekoniecznie jest podnoszący na duchu (chociaż zamierza nim być). Pejzaż dźwiękowy wypełniają elementy wywołujące instynktowne, kolorowe i często nieprzyjemne emocje. Jednak nic w projekcie nie jest nieinspirowane ani banalne. W „Psychogennej Fudze” (2017) Alexandrakis posługuje się dźwiękiem, by wzmocnić prawdy, które wykraczają poza iluzoryczne elementy filmu.
Eric kontra Hodgkins
Alexandrakis wspominając swoją pierwszą walkę z rakiem, wspomina, że choć początkowo nie odczuwał bólu – nie miał też ubezpieczenia zdrowotnego. W związku z tym album porusza również kwestie istotne społecznie.
Leczenie Erica było przerywane miłością i troską rodziny i przyjaciół. Zauważa jednak, że „moim największym towarzyszem była muzyka… zwłaszcza 4-ścieżkowy rejestrator, na którym nagrywałem muzykę. Nigdy nie pytałem „dlaczego ja” i nadal nie pytam… dlaczego ktoś?”
Jest wiele rzeczy, które towarzyszą chorobie. Poza kosztami leczenia kryje się wrodzona potrzeba znalezienia sensu i celu w pozornie przypadkowych trudnościach. Podczas gdy wiele filmów daje widzom rozwiązanie swojego nieszczęścia (zazwyczaj prawdziwej miłości), filmy Davida Lyncha nie zawsze to robią. W rzeczywistości filmy postsurrealistyczne (które powracają) bawią się nieco nihilistycznym przekonaniem, że nic nie ma sensu. Widzowie muszą konstruować znaczenia dla tych filmów, tak jak muszą budować cel dla własnego życia.
Część nagrań Erica do jego najnowszego albumu została pobrana z „magnetofonu na mikrokasety w kieszeni mojej koszuli”, jak to ujął. Nie było specjalnego procesu zmywania dźwięku. Eric ma jednak swój ulubiony mikrofon:„Cóż, najlepszym mikrofonem jest oczywiście [Neumann] u87, ale wierzcie lub nie, używam [Shure] SM57, głównie SM58. Generalnie jestem proszony o zrobienie czegoś dla mojego dźwięku, a nie o coś innego, więc mogę używać tego, czego chcę, co jest miłym luksusem i nie muszę wydawać dużo na dużo sprzętu. Jestem bardzo minimalistyczna.”
Wczesny Eric
Eric Alexandrakis studiował na Uniwersytecie w Miami, gdzie uzyskał podwójne specjalizacje z public relations i literatury angielskiej. Uzyskał również tytuł magistra biznesu muzycznego. Ale jak to się przekłada na karierę stojącą za dźwiękiem srebrnego ekranu?
„W szóstej klasie byłem liderem sztuki, grałem na każdym instrumencie w zespole i występowałem w refrenie” – wyjaśnia Alexandrakis. Zaczął również grać na fortepianie klasycznym w wieku sześciu lat.
„Moje najwcześniejsze wspomnienie to słyszenie Wendy Carlos grającej Bacha w łóżeczku” — wspomina Alexandrakis.
Muzyka i obrazy tworzyły w Alexandrakis wrodzoną symbiotyczną relację niemal od samego początku. „Jestem bardzo kreatywną postacią i interesuje mnie prawie wszystko. Zawsze szukam odpowiedzi i zawsze jestem otwarty na pytania – żartuje Alexandrakis.
Świetne pomysły
„Psychogeniczna Fuga przeszła kilka iteracji przed ostatecznym produktem. Zwróciłem się do Fundacji Davida Lyncha z koncepcją [w tym Sandro, John i ja] na ich 10-lecie. Zaczęło się od Johna przebranego za Davida Lyncha, wykonującego na żywo jedną z piosenek Davida, potem jako teledysk, a potem jako scenariusz snu z Johnem grającym postacie Davida. Kiedy dostaliśmy zielone światło, Sandro i ja wykonaliśmy awaryjne odświeżenie wszystkich filmów Davida w ciągu jednego tygodnia”. Notatki Alexandrakisa.
„Zrobiłem muzykę, ale mieliśmy też kilka utworów z Angelo Badalamentiego, The Flaming Lips i kilku innych” – wspomina Alexandrakis. Badalamenti jest dobrze znany z komponowania ścieżki dźwiękowej do Twin Peaks (1990). „Po prostu uwielbiam to, jak wyreżyserował to Sandro i oczywiście niesamowite występy Johna”.
„Psychogeniczna Fuga została nakręcona w Chicago… Zrobiłem muzykę tak, jak myślałem, że pójdzie współczesny film Lyncha, ale z moim własnym zwrotem akcji. Pierwszego dnia zdjęć czekałem na odbiór bagażu i wydawał chrupiący, zardzewiały dźwięk, który nagrałem na telefonie i wykorzystałem w napisach końcowych” – komentuje Alexandrakis.
Kim jest David Lynch?
David Lynch jest trzykrotnie nominowany do Oscara. Najbardziej znany jest z realizacji surrealistycznych filmów, takich jak Blue Velvet (1986), Eraserhead (1977), Mulholland Drive (2001) i początek lat 90. Twin Peaks seria. Co ważniejsze, Lynch jest powszechnie ceniony za wypełnianie swoich filmów postaciami, które czasami wydają się niemal karykaturalne.
Lynch często porusza tematy takie jak przemoc na tle codzienności. Jednak jego praca to coś więcej niż studium kontrastów. W wielu przypadkach Lynch prawdopodobnie dąży do przedefiniowania tego, co postrzegamy jako piękno, co z kolei oznacza, że jednocześnie zmienia kształt społeczeństwa poprzez swoją pracę. Alexandrakis robi to samo.
Lynch, Malkovich, Sandro i Alexandrakis wydają się mieć jedną wspólną cechę — są esencjalistami, tworzącymi sztukę dla sztuki. Jak mówi David Lynch w filmie dokumentalnym The Art of Life (2017):„Myślę, że kiedy coś robisz, przeszłość może wyczarować te idee, tak jak przeszłość je zabarwia”.
Alexandrakis stworzył muzyczny odpowiednik refleksji Lyncha o rozległych pejzażach snów z surrealistycznymi rozbłyskami. Jego twórczość jest zarówno odtworzeniem świata, jaki jest, jak i świata takiego, jaki chcielibyśmy, aby był. Niekończąca się ciekawość Alexandrakisa przekłada się na punktację, która jest żywa, a jednocześnie tajemnicza i wstrząsająca. Często wydaje się, że zostawia publiczność z pytaniami bez odpowiedzi, zmuszając ich do znalezienia własnego rozwiązania.
Udźwiękowienie filmów i telewizji
Alexandrakis ma wyjątkowe podejście do muzyki filmowej i telewizyjnej. Nie tylko czerpie z teorii muzyki, ale czerpie inspirację ze wszystkiego:sztuki abstrakcyjnej, dźwięków codzienności, każdego doświadczenia i każdej napotkanej osoby. Jego środowisko jest niewyczerpanym źródłem eksperymentów i cudów.
Jak zauważa słynny kompozytor David Glass:„Nowy język wymaga nowej techniki. Jeśli to, co mówisz, nie wymaga nowego języka, to prawdopodobnie nie jest nowe”. Alexandrakis oferuje światu filmowemu rodzaj muzyki, którego nigdy wcześniej nie słyszeliśmy.
Zapał i determinacja
Ogólnie rzecz biorąc, punktacja dla filmu i telewizji może być dość wymagająca. Podczas gdy montażyści często mają z góry ustalony harmonogram łączenia i przestawiania cięć, muzycy, którzy tworzą muzykę do filmów, często muszą to zrobić w ciągu miesiąca lub dwóch. Szczególną uwagę należy zwrócić podczas pracy nad szeregiem prowizji.
Kiedy tworzysz muzykę do filmu, musisz pamiętać o kilku rzeczach. Po pierwsze, jako muzyk nie jesteś już główną damą. Twoim zadaniem jest zaakcentowanie tempa oraz emocjonalnych wzlotów i upadków filmu. Twoja muzyka istnieje po to, by pomagać ludziom odczuwać to, co mają wywoływać obrazy w filmie. Niektóre z twoich głównych bohaterów mogą mieć melodię lub melodię, która jest dla nich specyficzna. Może zagrasz (z niewielką wariacją) za każdym razem, gdy pojawią się na ekranie. Ogólnie rzecz biorąc, oznacza to, że będziesz potrzebować dostępu do – i umiejętności gry – więcej niż tylko jednego lub dwóch instrumentów.
Podstawy punktacji filmowej
Musisz stworzyć centralne melodie do filmu, a następnie użyć ich różnych wariacji w całym filmie. Dodatkowo będziesz musiał nakreślić film i zrobić obszerne notatki na temat obszarów, które wymagają dużego nacisku. Będziesz współpracować z reżyserem (a czasami producentami), aby upewnić się, że Twój produkt końcowy odpowiada ich wizji tego, jak film powinien wyglądać i brzmieć. Kiedy ruch nie pasuje do tego, co jest na ekranie, trzeba go odłożyć na półkę (a może nawet wyrzucić).
Jedną z najważniejszych rzeczy, o których należy pamiętać podczas komponowania muzyki do filmów i telewizji, jest oznaczanie czasu w swoich notatkach. Kiedy zaczyna się i kończy ważna scena? Kiedy zaczyna się punkt kulminacyjny? Czy istnieją przeskoki lub fałszerstwa, które budują napięcie? Będziesz musiał pisać utwory w bardzo precyzyjnych ograniczeniach czasowych tych wydarzeń.
Kolejna świetna technika polega na wytyczeniu wątków fabularnych filmu i stworzeniu akompaniamentu muzycznego, który porusza się po równoczesnym łuku. Musisz mieć takie rzeczy jak tempo i tonacje na pierwszym planie. Jeśli nie jesteś miłośnikiem muzyki, musisz znaleźć kogoś, kto jest – a także dużą bibliotekę muzyki wolnej od opłat licencyjnych, z której możesz czerpać. Słowo do mądrych:zawsze przypisuj autorstwo twórcom i sprawdzaj źródło przesyłania. Innymi słowy, upewnij się, że nie naruszasz żadnych praw autorskich.
Rozważania końcowe
Eric Alexandrakis ma kilka słów dla młodych filmowców i studentów muzyki. „Staraj się być wyjątkowy” — mówi. „Wszyscy myślą, że tak, ale czy naprawdę… Przetrawij też wszystko w każdym forma sztuki, naucz się biznesu, aby móc podpisywać własne umowy, uzyskać wszystko na piśmie, codziennie ćwiczyć swoje rzemiosło, nie osiedlać się z rodziną, dopóki nie ustalisz, ponieważ nie możesz mieć dwóch małżonków, nie w pełni ufaj komukolwiek, dopóki nie zdobędzie tego zaufania, zaprzyjaźni się z prawnikami i nie skoncentruje się na planach przyrostowych”.
Podsumowując, dla Alexandrakis muzyka do filmu i telewizji to coś więcej niż tylko dodanie emocjonalnego koloru do chwili lub dwóch. „Muzyka to nie tylko pędzel, ale może być postacią. Jak wtedy, gdy słyszysz Johna Williamsa w Gwiezdnych Wojnach… to tematy, ale także osobowość/obecność, którą czujesz w akcji” — zauważa Alexandrakis.
Niezależnie od tego, czy jesteś twórcą wideo z talentem do musicalu, czy nie, życie toczy się na tle jakiejś ścieżki dźwiękowej — odgłosu kroków kochanka, gdy odchodzi po raz ostatni, pierwszego płaczu niemowlęcia, a nawet odgłosu drewniany kij bejsbolowy uderzający piłką, gdy twój chłopak robi swój pierwszy home run. Kiedy żyjemy, dźwięki są doświadczane jednocześnie z obrazami, a film zarówno eksploruje, jak i naśladuje ten ciekawy aspekt codziennego życia.
Fredrick Nietzsche miał rację, kiedy zauważył, że „bez muzyki życie byłoby błędem”. Film i muzyka są ze sobą nierozerwalnie związane. Więc kiedy tworzysz swoje arcydzieło, nie zapomnij o partyturze.