Nowy w krojowni? Potrzebujesz porady? Oto dziewięć podstawowych cięć, które powinieneś znać podczas edycji filmu lub projektu wideo.
Nie ma znaczenia, którego NLE używasz, edytowanie cięć działa w każdym programie. Są narzędziami do opowiadania historii, a ta historia może się drastycznie zmienić w zależności od rodzaju użytego cięcia. Gdy zrozumiesz te dziewięć podstawowych cięć, możesz zrobić więcej ze swoimi edycjami niż po prostu łączyć sceny. Rzućmy okiem.
1. Cięcie standardowe
To cięcie, które wszyscy znamy i kochamy. Jest to prawdopodobnie najczęściej używane wycięcie i możesz o nim pomyśleć jako „Ujęcie odwróconego strzału”. To kontynuacja poprzedniego klipu pod innym kątem — lub sposób na połączenie dwóch różnych ujęć. Jeśli kiedykolwiek właśnie umieściłeś klip obok innego klipu, użyłeś standardowego cięcia. Ten krój jest świetny, gdy starasz się zachować prostotę.
2. Cięcie skokowe
Istnieją dwa rodzaje wyskoków:jeden, który dobrze wygląda, a drugi nie. Te, które nie wyglądają dobrze podczas dialogu aktora lub w inny sposób są w jakiś sposób irytujące. Ale w ostatnich latach cięcie z wyskoku zostało przekształcone ze złego cięcia w łatwy sposób na odchudzenie długiego ujęcia. Jedynym sposobem, w jaki działa ten rodzaj cięcia, jest powiązanie go z czymś innym, na przykład ścieżką dźwiękową odtwarzaną za cięciami.
3. J-Cięcie
Cięcie w kształcie litery J to świetny sposób na połączenie dwóch klipsów, które w przeciwnym razie nie pasowałyby do siebie. Po prostu bierzesz dźwięk klipu na ogon i pozwalasz mu krwawić do pierwszego klipu. Rozszerzając dźwięk w lewo, zobaczysz luźne podobieństwo do litery J na osi czasu. Pomaga to zanurzyć widza w następnym klipie, zanim jeszcze się pojawi.
4. Cięcie w kształcie litery L
Jest to przeciwieństwo cięcia w kształcie litery J. Cięcie L rozciąga dźwięk z pierwszego klipu do klipu na ogonie. Ten krój jest niezbędny w scenach pełnych dialogów, ponieważ przełamuje monotonię rozmowy odwróconego ujęcia. To cięcie pozwala również pokazać natychmiastowe reakcje, zamiast odcinać się od mówiącego aktora.
5. Cięcie w akcji
Podczas edytowania sekwencji działań zawsze dobrze jest połączyć ze sobą cięcia tak płynnie, jak to możliwe. Aby przyciąć akcję, łączysz dwa klipy, przecinając je w momencie akcji. To łączy ze sobą dwa klipy i skłania publiczność do zignorowania cięcia. To idealny wybór na scenę walki lub sekwencję pościgu.
6. Przecinanie
Przecięcie łączy dwie perspektywy w jedną sekwencję. Ten krój przyjmuje dwie różne perspektywy ze świata narracji (na przykład jedna postać ściga drugą) i łączy je, przecinając każdą z nich. Widzowie automatycznie połączą dwie perspektywy w jedną całość, ponieważ oglądają ich grę w „czasie rzeczywistym”.
7. Wycięcia
Przecięcia, zwane inaczej „ujęciami ustalającymi”, pokazują środowisko narracji. Te ujęcia określają lokalizację postaci i zakotwiczają odbiorców w narracyjnym świecie. Tylko pamiętaj, aby nie zatrzymywać się zbyt długo przy tych ujęciach, w przeciwnym razie ryzykujesz utratę uwagi widzów.
8. Montaż
Chcesz objąć dni, miesiące lub lata w 45-sekundowej sekwencji? Wtedy montaż jest tym, czego potrzebujesz. To świetny sposób na pokazanie upływu czasu lub okresu wzrostu. Zrób serię klipów, które pokazują postępy Twojej postaci, dodaj inspirującą muzykę, a otrzymasz montaż, który wzbudzi zazdrość Rocky'ego.
9. Dopasuj cięcie
Dopasowanie to jeden ze sposobów, w jaki redaktor może naprawdę wygiąć swoje kreatywne kotlety w postprodukcji. Nagraj ujęcie jakiejś akcji, a następnie natychmiast przejdź do innej sceny, która pasuje do tej akcji. Jeśli potrzebujesz referencji do tego cięcia, sprawdź najsłynniejszy ze wszystkich:Lawrence z Arabii Dopasuj cięcie (z dosłownym dopasowaniem).