W skrócie
- Mise-en-scène to każdy element ujęcia — wizualny i dźwiękowy
- Mise-en-scène obejmuje kadrowanie, oświetlenie, scenografię, blokowanie i dźwięk
- Suma twojego mise-en-scène odpowiada twojemu stylowi artystycznemu jako filmowca
Czym jest mise-en-scène? To prawdopodobnie pytanie, które doprowadziło Cię do tego artykułu. Mise-en-scène to termin, który często pozostaje niezdefiniowany. Zasługuje jednak na wyjaśnienie, ponieważ jest istotną częścią pracy reżysera filmowego. W rzeczywistości jest to zwieńczenie wszystkich narzędzi, umiejętności i doświadczeń filmowca używanych razem, aby opowiedzieć historię otuloną atmosferą.
Prawdopodobnie najbardziej niejasna definicja czegokolwiek pochodzi od sędziego Sądu Najwyższego Pottera Stewarta w jego opinii w sprawie „Jacobellis przeciwko Ohio”. Nie był w stanie określić, co uczyniłoby film nieprzyzwoitym i tym samym nie chronionym na mocy Pierwszej Poprawki. Napisał:„Wiem, kiedy to widzę”. Ta wzruszająca ramionami definicja sprawia, że prawnicy i artyści przekraczają granice. Od prawie 50 lat nikt nie znał dokładnych wymiarów nieprzyzwoitości.
Mise-en-scène jest podobnie niezdefiniowane. Zaledwie kilka lat później profesor filmoznawstwa Brian Henderson powiedział w swoim eseju „Długie ujęcie”, że mise-en-scène to „wspaniały, nieokreślony termin”. Zaczyna od wyliczenia reżyserów, którzy są w tym mistrzami. Był wśród nich mistrzów takich jak Murnau i Orson Welles. Jednak dalej napisał:„nie zaryzykuje się lekko definicji mise-en-scène… której każda osoba, po zbadaniu, ujawnia inny sens i znaczenie…”
Definicja Mise-en-scène
W dosłownym tłumaczeniu mise-en-scène oznacza „umieszczenie na scenie”. Obejmuje to, co filmy mają wspólnego z przedstawieniami. Oznacza to rekwizyty, oświetlenie, garderobę, blokowanie i liczbę warstw w scenie (pierwszy plan, środek i tło). Prawdopodobnie lepszym tłumaczeniem jest „wszystko, co jest częścią twojego ujęcia” lub „wszystko w kadrze”. W gruncie rzeczy jest to miazma wszystkiego, co sprawia, że Twój film jest piękny i niepowtarzalny. To on tworzy nastrój i przedstawia Twoje pomysły.
Mise-en-scène zawiera również kilka rzeczy, których sztuki sceniczne tak naprawdę nie mają. Na przykład filmy mają ruchome kamery, które reprezentują stałą publiczność spektaklu. To znaczy proporcje kadru, kąty kamery, ostrość, ogniskowa obiektywu i wszelkie zabiegi kolorystyczne filmu lub wideo. Możesz zauważyć, oglądając „Grę o tron” w HBO, że wszystko w Castle Black wygląda bardzo niebiesko. Obejmuje to śnieg i ludzi.
Jest to część mise-en-scène i była to świadoma decyzja ze strony showrunnerów, reżyserów, operatorów, korektorów kolorów, scenografów i innych osób, które spotkały się na długo przed nakręceniem kadru. podjął decyzje dotyczące wyglądu końcowego utworu.
Mise-en-scène i długie ujęcie
Jednak, podobnie jak w sztuce, krytyk Brian Henderson dodaje, że mise-en-scène „wymaga czasu trwania długiego ujęcia”. Po dodaniu cięcia zadzwoniłeś w mise-en-scène; przetasował talię. Henderson chce, żeby na rzeczy dano czas. Jest fanem 10-minutowych ciągłych ujęć.
Możesz mieć wiele rzeczy w kadrze i sprawić, by były drażniące, nieciekawe lub wręcz wrogie widzowi. To wciąż jest mise-en-scène; to po prostu złe mise-en-scène. To znaczy, o ile nie jest to zrobione z bardzo konkretnego powodu — rzeczywiście czasami możesz chcieć, aby Twoi odbiorcy poczuli się niekomfortowo lub myśleli, że coś jest brzydkie. Możesz myśleć o mise-en-scène jako o projekcie ekranu — rozmieszczaniu wszystkiego w kadrze w sposób, który jest zarówno przyjemny dla oka, jak i przydatny do opowiadania historii.
Bloki budowlane mise-en-scène
Elementy, które tworzą twoją ramę, a tym samym twoją mise-en-scène to:
- Ustawienie
- Oświetlenie
- Rekwizyty
- Aktorzy, w tym ich makijaż, kostiumy i fryzury
- A ostatnio gradacja kolorów, która staje się coraz ważniejszą częścią produkcji filmowych i wideo
Twoja mise-en-scène jest zbudowana z każdego z tych elementów. Wszystko, co umieścisz w ramce, powinno dążyć do stworzenia spójnej, charakterystycznej i spektakularnej.
Stanley Kubrick był mistrzem pięknego mise-en-scène i uwielbiał długie ujęcia. Jednym z miejsc, w którym jest to szczególnie widoczne, jest przedostatnia scena w „2001:Odyseja kosmiczna”. W tej scenie astronauta Dave Bowman żyje w tajemniczym, świecącym pomieszczeniu, nad którym czuwa monolit. Meble, kolory, światło, rozmieszczenie przedmiotów, symetria i asymetria mają na celu stworzenie szczególnego piękna. Zastąp jedno krzesło odkryciem wyprzedaży na podwórku, a cała rama zostaje uderzona młotkiem i przekrzywiona.
Mise-en-scène jest wszędzie
Czy niektóre filmy mają to, a inne nie? Oscar Wilde w „Portretu Doriana Graya” powiedział:„Nie ma czegoś takiego jak książka moralna lub niemoralna. Książki są dobrze napisane lub źle napisane. To wszystko." Mise-en-scène jest właśnie taki; wszystkie filmy to mają, ale w niektórych jest to bardzo dobre, a w innych niezbyt dobre. Czasami ma to znaczenie, a czasami nie.
Na przykład, wiele myśli wpadło w mise-en-scène, które tworzą Lawrence z Arabii. Kąty kamery, rozmieszczenie aktorów i rekwizytów zostały bardzo dokładnie rozważone w każdym ujęciu przez reżysera Davida Leana, operatora Freddiego Younga i wiele innych osób, w tym klientów i stylistów.
Porównaj to z korporacyjnym filmem wideo poświęconym bezpieczeństwu pożarowemu, którego jedynym obowiązkiem jest poinformowanie pracowników biurowych o tym, jak prawidłowo ewakuować budynek w przypadku sytuacji awaryjnej i którego produkcja kosztuje mniej niż 400 USD. W tym przypadku filmowiec może rozważać pewne aspekty oświetlenia i rozmieszczenia kamery, ale najprawdopodobniej nie zamieni statycznego ujęcia na ujęcie z wózka tylko dlatego, że ujęcie z wózka jest bardziej atrakcyjne.
Mise-en-scène jest częścią Twojego osobistego stylu
Mise-en-scène reprezentuje Twój nadrzędny cel jako filmowca — Twój styl, Twój osobisty artyzm. Obejmuje wiele elementów produkcji wideo, o których już się dowiedziałeś, od kompozycji, przez ogniskową, po wykorzystanie przestrzeni negatywnej. Sposób, w jaki połączysz te rzeczy, stworzy Twoją własną szczególną mise-en-scène.
Wielu reżyserów i operatorów filmowych ma bardzo specyficzną mise-en-scène, która telegrafuje ich obecność. Możesz obejrzeć film Michaela Baya, Quentina Tarentino lub Guillermo del Toro i wiedzieć, kto go wyreżyserował.
Kiedy zaczyna się mise-en-scène?
Mise-en-scène zaczyna się na długo przed wejściem na plan. Zaczyna się od Twojej koncepcji. Kiedy producent mówi:„Ten film to ostry, nowojorski dramat policyjny o detektywie, której przeszłość z półświatka dopadła ją”, to już zaczyna się scena. Korzystając z tego opisu, zaczniesz znajdować aktorów, scenografię i oświetlenie, aby to wydobyć. Podobnie, jeśli twój klient powie ci:„Ten film to policyjna procedura o samotnym ojcu, który upiera się przy drobiazgowo uporządkowanym i wybrednym życiu wymaga starannej równowagi między opieką przedszkolną a rozwiązywaniem przestępczości zgodnie z instrukcją”, prawdopodobnie zaczniesz myśleć różnych aktorów, oświetlenia i pracy kamery.
W każdym z tych przykładów możesz zacząć myśleć o sposobach wykorzystania równowagi lub nierównowagi obiektów w kadrze, aby pokazać porządek lub nieporządek, paletę kolorów, która pokazuje rzeczy pod kontrolą lub rzeczy poza kontrolą, jasno oświetlone sceny vs. oświetlone sceny. Rzeczy, które dzieją się w dzień vs. rzeczy, które dzieją się w nocy. Włosy jednej postaci mogą być skrupulatne, podczas gdy inne mogą być zaniedbane, jedna szafa zadbana, a druga rozczochrana. Wszystkie te rzeczy będą współpracować, aby opowiedzieć twoją historię, zanim twoje postacie wypowiedzą linię dialogu.
Planowanie dobrego mise-en-scène
Wiedza o tym, że rzeczy istnieją i umiejętność ich nazywania i opisywania, znacznie zmniejsza liczbę wyszukiwań, które musisz wykonać, aby uzyskać odpowiedni produkt końcowy.
W niektórych filmach mise-en-scène jest tak gęste i tak zaplanowane, że aktorzy często stają się malutkimi rekwizytami w znacznie wspanialszej wizji, myśląc o epickich filmach science fiction lub przebojowych filmach o superbohaterach. W niektórych z tych przypadków wszystko w ramce jest czymś, co zostało stworzone specjalnie na potrzeby tej ramki. Ale to nie znaczy, że żadna praca nie trafia do bardziej realistycznych filmów – jest po prostu bardziej subtelna.
Scenograf może poświęcić ogromną ilość czasu i wysiłku na znalezienie odpowiedniej lodówki, którą można umieścić w kuchni postaci, aby opowiedzieć jej historię. Nawet zawartość tej lodówki może być starannie dobrana, aby popchnąć narrację do przodu. Czy postać jest świadoma zdrowia? Czy są schludnym dziwakiem? Alkoholik? Wszystkie te subtelne wskazówki są częścią mise-en-scène, podobnie jak gigantyczny, niszczący Ziemię robot górujący nad Manhattanem czy śnieżna kula w „Obywatelu Kane” (1941).
Studium przypadku:„Mleczny koktajl prochowy”
Rzućmy okiem na mocno stylizowany film gangsterski „Gunpowder Milkshake” reżysera izraelskiego reżysera Navota Papushado (2021), z udziałem Karen Gillan, Leny Headey, Carli Gugino, Michelle Yeoh i Angeli Basset. Oświetlony przez Michaela Seresina, ze scenografią Davida Scheunemanna i scenografią Marka Rosinskiego, „Gunpowder Milkshake” to film akcji, który składa hołd wielu, wielu innym filmom – co oznacza, że ma bardzo specyficzną mise-en-scène .
Jak to się dzieje?
„Wszystko służy tej historii”, mówi reżyser Navot Papushado, „kiedy zdałem sobie sprawę, że jest to film o zabójcy oparty na roninach lub samotnych samurajach z Kurisawy lub wynajętych zabójcach Hitchcocka, kiedy już to zrozumiesz, właśnie tam rodzi się mieszacz gatunków. To prawie studium tego, kim jesteś jako filmowiec, ponieważ piszesz coś, a potem uświadamiasz sobie:„Och, chwila, byłem pod wpływem tego, tego i tamtego”. te wpływy jeszcze raz”.
Czyste linie, czyste przestrzenie i górne lampy oświetleniowe w częściach Gunpowder Milkshake to wyraźny hołd dla epickiego filmu Stanleya Kubrika z 1968 roku 2001:Odyseja kosmiczna.
„Jest wiele ukłonów w stronę Kubricka, szczególnie w scenach walki w klinice, które chcieliśmy zrobić bardzo sterylne, jasne i czyste, więc jest jak w 2001 roku, ale jest też jak w Roger Rabbit. Myślę, że to z dorastania w latach 80. to naturalna ewolucja bycia pod wpływem tych wszystkich wspaniałych filmów. Dorastasz i rozwijasz się jako osoba i filmowiec, ale te filary kina są zawsze z tyłu głowy”.
Zaczynając od początku
Navot mówi, że całe to wstępne planowanie dotyczące tego, jak sprawy mają wyglądać, dzieje się dla niego bardzo wcześnie.
„Pierwszą osobą, z którą zaczynasz pracować, jest scenograf. Pierwszą rzeczą, którą zrobiliśmy, było opracowanie mapy kolorów, decydującej o tym, co każdy kolor będzie oznaczał. Jedna grupa będzie cała niebieska i szara, druga grupa będzie cała brązowa, żółty będzie oznaczać śmierć, więc jest na niej żółta torba z napisem „Kocham kocięta” i jest pełna broni i ciała torby są żółte. A pomarańczowy oznacza zmianę, ewolucję, więc 35 minut po rozpoczęciu filmu nasza bohaterka, ubrana w bardzo ciemne kolory, zakłada pomarańczową kurtkę, ponieważ zaczyna podejmować decyzje, które są sprzeczne z jej charakterem”.
Karen Gillan zakłada pomarańczową kurtkę i rozpoczyna metamorfozę. Koktajl prochowy, 2021 — wyreżyserowany przez Navota Papushado.
Jeden z gangów, ubrany w ciemne brązy i kolory ziemi. Aranżacja aktorów jest niezwykle szczególna i pokazuje bardzo uporządkowany charakter tej grupy bandytów. Koktajl prochowy, 2021 — d wyreżyserowany przez Navota Papushado.
Navot i jego zespół produkcyjny zadbali również o to, aby rekwizyty pasowały do każdej z postaci. Dyskutowali o teksturach, tkaninach i broni, a następnie wysłali szefów różnych działów, aby rozpoczęli wspólne prace. Niektóre scenariusze zmieniły się, gdy obsadzili aktorów, ale inne pozostały dokładnie takie, jak napisano w oryginalnym scenariuszu.
Michelle Yeoh wciela się w pokój pełen złoczyńców. Starannie dobrana paleta kolorów reżysera Navota Papushado nadaje filmowi bardzo stylowy wygląd i pozwala widzom na łatwe umieszczenie osób należących do danej sceny i intruzów. Koktajl prochowy, 2021 — d wyreżyserowany przez Navota Papushado.
Kolor i opowiadanie
„Gunpowder Milkshake” z powodzeniem wykorzystuje oświetlenie, kolory i kadrowanie do stworzenia bardzo specyficznego świata, w którym kolory mówią nam, kto należy, a kto jest intruzem. Ludzie, którzy należą do sceny, pasują tak, jakby byli zakamuflowani, a ci, którzy nie stoją w wyraźnym kontraście. Sam świat, nawet w swoich najbrudniejszych miejscach, jest nieskazitelnie czysty – w garażach nie ma obiektów, które nie służą do rozwijania historii i przypominają nam, że toczy się ona w świecie niezupełnie tu, gdzie zasady są inne. Będący gdzieś w połowie drogi między fantazją a rzeczywistością „Gunpowder Milkshake” jest w stanie wykonać skoki, które wymagałyby wyjaśnienia w innym otoczeniu.
Język mise-en-scène
Widzimy, że mise-en-scène można pożyczyć, można się do niego odnieść i złożyć mu hołd. Mise-en-scène może również służyć do stylistycznego łączenia wielu filmów.
Weźmy na przykład arcydzieło Ridleya Scotta z 1979 roku o kosmicznym terrorze „Obcy”. Akcja filmu rozgrywa się na dolnych pokładach ponurego statku kosmicznego o nazwie Nostromo, będącego ukłonem w stronę powieści Josepha Conrada z 1904 roku. Wszystko w tym statku kosmicznym krzyczy „klasa robotnicza” — od luźnych mundurów po bałagan, brud i ciemne oświetlenie. To statek kosmiczny, który istnieje na niewielkich marginesach w nieatrakcyjnym świecie, idealnym do ukrywania zjadających ludzi obcych.
W ramach tej serii powstało wiele powiązanych filmów, takich jak pełna akcji kontynuacja z 1986 roku „Obcy” i inne, z których niektóre rozgrywają się w odległej przeszłości – naszej teraźniejszości – na Ziemi. Jak sprawić, by Ziemia w 2007 roku wyglądała jak statek kosmiczny w 2134 lub kolonia kosmiczna w 2191?
Oryginalny statek kosmiczny Scotta został zainspirowany rysunkami H.R. Geigera, które wszędzie umieszczają tuby. W ten sposób uzyskujemy znajome terytorium Nostromo. Aby to odzwierciedlić, reżyserzy Greg i Colin Strause zabierają nas do upiornego, wypełnionego wodą kanału ściekowego, którego zamontowane na ścianie rury są mocnym hołdem dla kanału w kontynuacji Jamesa Camerona z 1986 r. „Obcy”.
Korytarze kosmicznego holownika Nostromo. Obcy, 1977 — d wyreżyserowany przez Ridleya Scotta.
Pod kolonią. Obcy, 1986 — d wyreżyserowany przez Jamesa Camerona.
Kanał na współczesnej ziemi, Alien vs. Predator:Requiem, 2007 — w reżyserii Colina i Grega Strause.
W każdym z tych przypadków mise-en-scène przywołuje mroczną i skomplikowaną przestrzeń, w której mogą się kryć przerażające rzeczy. Jednak w dwóch ostatnich reżyserzy używają znajomych przedmiotów, aby utrzymać filmy w wszechświecie, który widzowie czują, że znają.
Zadanie domowe
Twoja praca domowa polega na zwróceniu uwagi na sposób, w jaki wszystkie te elementy łączą się w oglądanych filmach i telewizji. Wybierz sceny, które do ciebie przemawiają. Obejrzyj je kilka razy, aby móc rozłożyć każdy z elementów. Musisz zrozumieć, co dodają do końcowego utworu i jak współpracują ze sobą. Czy są rzeczy, które zrobiłbyś inaczej? Zwróć też uwagę, gdy następnym razem będziesz przygotowywać ujęcie. Co zawierasz, gdzie to uwzględniasz i dlaczego? W jaki sposób pomaga to napędzać twoją historię?