i. Zrozumienie fundamentów:Święta Trójca (lub Quad-Trinity!)
Zanim zagłębimy się w określone style, zrozum podstawowe zasady, które * zawsze * stosują:
* światło: Jest to najważniejszy czynnik. Kształtuje twarz, tworzy nastrój i oddziela przedmiot od tła.
* Kompozycja: To, jak układasz obiekt w ramce, wpływa na to, jak oko widza porusza się przez obraz i podkreśla niektóre elementy.
* Focus: Ostre skupienie się na oczach (zwykle) ma kluczowe znaczenie dla połączenia i uderzenia.
* Połączenie tematyczne: To, jak wchodzisz w interakcje z tematem, jest tak samo kluczowe jak ustawienia aparatu. Zrelaksowany, autentyczny wyraz jest bardziej przekonujący niż doskonałość techniczna.
ii. Rozbicie każdego elementu:
a. Światło:
* naturalne światło:
* złota godzina: Godzina po wschodzie słońca i przed zachodem słońca zapewnia ciepłe, miękkie i pochlebne światło.
* Otwórz odcień: Ustawienie tematu w cieniu rzuconym przez budynek lub drzewo eliminuje ostre cienie. Poszukaj równego światła kierunkowego.
* Dni pochmurne/pochmurne: Oferuje rozproszone, miękkie światło, minimalizowanie cieni i tworzenie bardziej równego odcienia skóry. Dobry do szczegółów i unikania mrużania.
* okno: Używanie okna jako źródła światła może stworzyć piękne światło kierunkowe. Eksperymentuj z kątem i odległością pacjenta od okna.
* sztuczne światło:
* Bezgazowe światła/lampy błyskowe: Używane na kamerze lub poza kamerą. Błyski poza kamerą z modyfikatorami (softboxy, parasole) zapewniają większą kontrolę i bardziej miękkie światło.
* stroby studio: Potężniejsze niż błyskawice, oferując spójne i kontrolowane światło dla ustawień studyjnych.
* ciągłe światła (panele LED itp.): Dobry dla początkujących, ponieważ widać efekt światła w czasie rzeczywistym.
* światło klawiste, wypełnij światło, podświetlenie (światło obręczy): Zrozum te koncepcje.
* światło kluczowe: Główne źródło światła oświetlające temat.
* wypełnij światło: Wtórne źródło światła używane do zmiękczenia cieni stworzonych przez światło kluczowe.
* podświetlenie: Źródło światła umieszczone za przedmiotem, aby oddzielić je od tła i stworzyć efekt halo.
b. Kompozycja:
* Zasada trzeciego: Podziel ramkę na dziewięć równych części z dwoma poziomymi i dwoma pionowymi liniami. Umieść kluczowe elementy (jak oczy) wzdłuż tych linii lub na ich skrzyżowaniach.
* wiodące linie: Użyj linii w środowisku (drogi, ogrodzenia itp.), Aby poprowadzić oko widza w stronę tematu.
* kadrowanie: Użyj elementów na pierwszym planie (drzewa, drzwi, łuki), aby oprawić obiekt i zwrócić na niego uwagę.
* przestrzeń ujemna: Pozostawienie pustej przestrzeni wokół tematu może stworzyć poczucie równowagi i zwrócić uwagę na temat.
* Symetria: Może być potężny. Twarz rzadko jest symetryczna, a uchwycenie tego braku symetrii może dodać charakter.
* kąty: Eksperymentuj z różnymi kątami. Strzelanie z dołu może sprawić, że obiekt wydaje się potężny, podczas gdy fotografowanie z góry może sprawić, że wydają się mniejsze lub wrażliwe.
* ZAREDroom: Przestrzeń nad głową pacjenta. Nie odcinaj czubka głowy, chyba że celowo dla efektu artystycznego.
c. Focus:
* Focus: Oczy są oknem na duszę. Ostre skupienie się na oczach (lub najbliższym oku) jest zwykle kluczowe dla stworzenia połączenia z widzem.
* apertura (f-stop): Kontroluje głębokość pola (obszar ostrości). Szerszy otwór (np. F/1.8, f/2.8) tworzy płytką głębokość pola, rozmywa tło i izolując podmiot. Węższy otwór (np. F/8, f/11) tworzy głębszą głębokość pola, utrzymując więcej sceny.
* Tryby ostrości: Użyj ciągłego autofokusu (AF-C lub AI Servo) dla poruszających się przedmiotów i pojedynczego autofokusu (AF-S lub jednego strzału) dla przedmiotów stacjonarnych.
* przycisk Wstecz Focus: Oddzielanie funkcji autofocus od przycisku migawki może zapewnić większą kontrolę nad skupieniem i rekompozycją.
d. Połączenie tematu:
* Komunikacja: Porozmawiaj ze swoim tematem! Pokieruj je, rozśmiesz ich i pomóż im się zrelaksować. Prawdziwe wyrażenia są bardziej przekonujące niż wymuszone uśmiech.
* pozowanie: Poprowadź przedmiot w naturalne i pochlebne pozy. Unikaj sztywnych lub niezręcznych pozycji.
* reżyserowanie: Podaj konkretne instrukcje, a nie tylko mówienie „uśmiechu”. Spróbuj „Pomyśl o czymś zabawnym” lub „Wyobraź sobie, że widzisz kogoś, kogo nie widziałeś od lat”.
* Relaksation: Pomóż obiektowi poczuć się komfortowo przed kamerą. Odtwarzaj muzykę, opowiedz żarty lub po prostu porozmawiaj, aby złagodzić nerwy.
* Autentyczność: Staraj się uchwycić osobowość i esencję swojego podmiotu.
iii. Style i techniki portretowe:jak mam * ten * strzał
Spójrzmy na niektóre typowe style portretów i techniki, których możesz użyć, aby je osiągnąć:
* klasyczny portret:
* światło: Miękkie, rozproszone naturalne światło lub kontrolowane oświetlenie studyjne. Często używa konfiguracji światła kluczowego i wypełnienia.
* Kompozycja: Głowa i ramiona lub strzał w pas do talii. Często używa zasady trzeciej.
* Focus: Ostre skupienie się na oczach.
* pozowanie: Proste i eleganckie pozy, które podkreślają funkcje obiektu.
* Przykład: „Umieściłem obiekt w pobliżu dużego okna z miękkim, rozproszonym światłem. Użyłem odbłyśnika, aby wypełnić cienie po przeciwnej stronie twarzy. Poprosiłem ich, aby lekko przechylili głowę i spojrzałem bezpośrednio na kamerę. Użyłem płytkiej głębokości pola (f/2.8), aby zacierać tło i zwrócić uwagę na ich oczy.”
* Portret środowiskowy:
* światło: Naturalne światło, które uzupełnia środowisko.
* Kompozycja: Szerszy strzał, który pokazuje temat w ich otoczeniu. Środowisko jest ważne dla historii.
* Focus: Wystarczająca głębokość pola, aby skupić się zarówno podmiot, jak i środowisko.
* pozowanie: Naturalne i nieoponowane, często pokazujące temat wchodzący w interakcje ze środowiskiem.
* Przykład: „Sfotografowałem rybaka na jego łodzi o wschodzie słońca. Użyłem złotego światła Hour, aby stworzyć ciepłą i zachęcającą atmosferę. Zabrałem go, jak rzucił siatkę, pokazując jego związek z morzem. Użyłem szerszego otworu (f/5.6), aby utrzymać zarówno jego, jak i otaczający krajobraz”.
* szczery portret:
* światło: Niezależnie od tego, jakie światło jest w tej chwili dostępne.
* Kompozycja: Nieplanowane i spontaniczne. Uchwycenie autentycznych chwil.
* Focus: Szybkie i dokładne skupienie się na oczach pacjenta.
* pozowanie: Bez pozowania! Uchwycenie tematu w ich naturalnym stanie.
* Przykład: „Fotografowałem festiwal uliczny i zobaczyłem, jak dziecko śmieje się podczas jedzenia lodów. Szybko podniosłem aparat i uchwyciłem moment bez ich zauważenia. Użyłem szybkiego czasu otwarcia migawki, aby zamrozić akcję i szeroki otwór, aby zacierać tło”.
* Portret wysokiego klucza:
* światło: Jasne, a nawet oświetlenie, często z białym tłem.
* Kompozycja: Czysty i minimalistyczny.
* Focus: Ostre skupienie się na oczach.
* pozowanie: Prosty i elegancki.
* Przykład: „Użyłem białego tła i dwóch strobów studyjnych z softboxami, aby stworzyć jasny i równomierny światło. Przekroczyłem obraz lekko, aby stworzyć miękki i przewiewny charakter. Poprosiłem tematu o noszenie lekkich ubrań i pozuje na białym tle”.
* Portret o niskim kluczu:
* światło: Dramatyczne i kontradycyjne oświetlenie, często z ciemnym tłem.
* Kompozycja: Nacisk na cienie i atrakcje.
* Focus: Ostre skupienie się na oczach.
* pozowanie: Często przekazuje nastrój lub tajemnicę.
* Przykład: „Użyłem pojedynczego strobu studyjnego z miejscem siatki, aby stworzyć skoncentrowaną wiązkę światła na twarzy mojego pacjenta. Użyłem ciemnego tła i pozwoliłem dramatycznie odpadać cienie. Poprosiłem tematu o noszenie ciemnej odzieży i przyjęcie poważnego wyrażenia”.
* Portret sylwetki:
* światło: Podświetlenie obiektu na jasnym tle (np. Zachód słońca, okno).
* Kompozycja: Nacisk na kształt tematu.
* Focus: Skoncentruj się na tle, aby stworzyć ostrą sylwetkę.
* pozowanie: Poza powinna być łatwo rozpoznawalna i ekspresyjna.
* Przykład: „Umieściłem mój temat przed zachodem słońca. Odniszczyłem na niebo, niedostosując mój temat, aby stworzyć sylwetkę. Poprosiłem ich o pozowanie z podniesionymi rękami, tworząc dynamiczny i rozpoznawalny kształt”.
iv. Ustawienia aparatu (ogólne punkty początkowe):
* apertura: f/1.8 - f/5.6 (dla płytkiej głębokości pola i rozmytych tła)
* Sprawa migawki: 1/60 sekundy lub szybciej (aby uniknąć rozmycia ruchu, zwłaszcza ręcznego)
* ISO: Zachowaj jak najniższe, aby zminimalizować hałas (zwykle ISO 100-400 w dobrym świetle). W razie potrzeby zwiększyć, aby utrzymać wystarczająco szybki czas otwarcia migawki.
* Bilans biały: Ustaw na automatyczne lub dostosuj na podstawie warunków oświetlenia. „Światło dzienne” na słoneczne dni, „pochmurne” na pochmurne dni, „Tungsten” dla oświetlenia wewnętrznego itp.
* Tryb fotografowania: Tryb priorytetu przysłony (AV lub A) zapewnia kontrolę nad głębokością pola, podczas gdy aparat automatycznie dostosowuje czas otwarcia migawki. Tryb ręczny (M) zapewnia pełną kontrolę nad przysłoną i czasem otwarcia migawki.
v. Processing:
* Podstawowe korekty: Ekspozycja, kontrast, atrakcje, cienie, białe, czarne.
* Korekta kolorów: Dostosuj równowagę białej, wibrację, nasycenie.
* wyostrzenie: Zastosuj niewielką ilość wyostrzenia, aby zwiększyć szczegóły.
* retuszowanie skóry: Usuń wady, a nawet odcień skóry (używaj oszczędnie i ostrożnie!).
* unikanie i spalanie: Rozjaśnij i ciemnienie określone obszary obrazu w celu zwiększenia kontrastu i kształtu.
vi. Wskazówki dotyczące ciągłego doskonalenia:
* Ćwicz, ćwicz, ćwicz: Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
* studiuj Masters: Przeanalizuj pracę fotografów, których podziwiasz i spróbuj zrozumieć ich techniki.
* eksperyment: Nie bój się próbować nowych rzeczy i przełamać zasady.
* Uzyskaj informacje zwrotne: Podziel się swoją pracą z innymi i poproś o konstruktywną krytykę.
* Ucz się na swoich błędach: Nie zniechęcaj się złymi strzałami. Przeanalizuj, co poszło nie tak i poznaj z tego.
* Rozwijaj swój styl: Z czasem, gdy eksperymentujesz, odkryjesz, co lubisz strzelać i co robisz najlepiej.
vii. Przykład „Jak mam szablon opisu”:
Aby pomóc w sformułowaniu twoich opisów, oto szablon:
* Wizja: „Chciałem stworzyć portret [opisać styl], który przekazał [emocje/uczucie/historia]”.
* Temat: „Moim przedmiotem było [krótko opisz swój temat - np. Młoda kobieta z uderzającym spojrzeniem/starszym mężczyzną o życzliwej twarzy]”.
* Lokalizacja/ustawienie: „Strzelaliśmy do [lokalizacji], ponieważ [powód lokalizacji - np. Miękkie światło było doskonałe/miało znaczenie dla tematu]”.
* światło: „Użyłem [źródła światła - naturalnego/sztucznego], który został [opisał jego jakość - miękkie/surowe/kierunkowe]. Zmodyfikowałem ją za pomocą [modyfikatorów - reflektor/softbox]”.
* Ustawienia aparatu: „Użyłem [korpusu aparatu] z [obiektywem] w [aperturze], [czas otwarcia migawki] i [ISO]. Strzelałem w [trybie strzelania] i skupiłem się za pomocą [trybu ostrości].”
* Kompozycja: „Skomponowałem strzał za pomocą [zasady trzecich/wiodących linii/kadrowania], aby [osiągnąć pożądany efekt]”.
* pozowanie/kierunek: „Zapytałem mojego podmiotu [konkretnego kierunku] i skupiłem się na [specyficznym aspekcie ich wyrażenia]”.
* Processing: „W przetwarzaniu po przetwarzaniu dostosowałem [ekspozycja/kontrast/kolory] i [retuszowa skóra/uchylona i spalona], aby [osiągnąć ostateczny wygląd]”.
* wynik: „Myślę, że ostateczny obraz [co osiągnąłeś - oddaje osobowość podmiotu/przekazuje zamierzone emocje/jest udanym przykładem [stylu]]”.
Rozważając wszystkie te czynniki i konsekwentne ćwiczenie, możesz znacznie poprawić swoje umiejętności fotograficzne portretowe i uchwycić oszałamiające obrazy, które opowiadają fascynujące historie. Powodzenia!