Czy kiedykolwiek byłeś zahipnotyzowany? Jeśli kiedykolwiek byłeś w kinie i całkowicie zagubiłeś się w historii, to tak. Dobrze zmontowany film robi dokładnie to, a to nie jest zła rzecz. Pobudza wyobraźnię w sposób, który praktycznie przejmuje kontrolę nad mózgiem. Poddajemy się historii i zapominamy o rzeczywistości, dopóki rzut kredytowy nie sprowadzi nas z powrotem na ziemię.
W rzeczywistości ten hipnotyczny efekt jest często tak potężny, że jeśli postęp obrazów zostanie przerwany, jeśli sprawy nie przechodzą płynnie od jednego pomysłu do drugiego, doświadczamy szoku.
Jeśli kiedykolwiek będziesz w kinie i film niefortunnie się psuje, poznasz to uczucie. Od całkowitego zanurzenia do wielkiego, oślepiającego białego ekranu w mgnieniu oka; jęki, które następują, są dźwiękami czystej frustracji.
Tak więc, kiedy zaczynasz edytować ruchome obrazy we własnym edytorze nieliniowym, warto zwrócić uwagę na opracowane z biegiem czasu techniki, które zachęcają publiczność do pochłonięcia się przepływem akcji.
Podstawy
Wiele technik, które zachęcają do wizualnego przepływu, można znaleźć pod hasłem „dopasowanie akcji”. Tak naprawdę są niczym innym jak zestawem prostych zasad, które pomagają utrzymać orientację widza i akcja płynąca z jednej sceny do drugiej.
Jednym z najbardziej podstawowych rodzajów akcji dopasowywania jest po prostu upewnienie się, że każdy strzał podąża logiczną progresją.
Rozważ tradycyjną sekwencję osoby przechodzącej przez drzwi. Zwykła progresja, której można by użyć, może wyglądać tak:
Strzał 1 – Szerokie ujęcie aktora zbliżającego się do drzwi.
Strzał 2 – Zbliżenie na klamkę i wyciągniętą rękę, by ją chwycić.
Strzał 3 – Średnie ujęcie dłoni otwierającej drzwi i przechodzącej przez nie osoby.
Strzał 4 – Odwrócony kąt z wnętrza drzwi, pokazujący postać wchodzącą do nowego pokoju.
Strzał 5 – Szerokie ujęcie pokazujące zamykające się drzwi i postać zadomowioną w nowym pokoju.
Progresja tego strzału jest podstawowa. Wiemy, jak to jest wejść do pokoju, więc każdy ma takie same oczekiwania co do tego, która scena następuje po której. To, co odróżnia dobrą i złą scenę, to dokładny czas każdej sceny; ile materiału filmowego możesz zezwolić przed i po każdej akcji centralnej.
Spójrz na sekwencję na rysunku 2A. Pomiędzy dwoma ujęciami występuje celowy błąd w punktach wejścia i wyjścia, aby pokazać typowy błąd edycji.
Zauważ, że w punkcie wyjścia pierwszego strzału ręka postaci dopiero zaczyna unosić się w kierunku klamki drzwi, ale w punkcie wyjścia następnego strzału ręka jest już na klamce. Proste cięcie w tych punktach w akcji dałoby skok, który wydawałby się pospieszny.
Zamiast tego doświadczony edytor mógłby albo pozwolić, aby akcja w ujęciu 1 była kontynuowana, dopóki ręka nie zbliżyła się do klamki drzwi (Rysunki 2B) lub przesunęłaby punkt strzału 2 do przodu w akcji, aby umieścić trochę bufora między sceny. Przycięcie klamki przed wejściem ręki do ramy, a następnie umożliwienie jej wejścia na scenę i złapania klamki, będzie pasować do akcji, której oczekuje publiczność, nawet jeśli czas między tymi czynnościami jest krótszy niż w czasie rzeczywistym.
I to jest ważny punkt. Przecinanie się między oczekiwanymi scenami nie oznacza, że zawsze musisz utrzymywać między nimi relację w czasie rzeczywistym. Publiczność często nie zauważy, jeśli skrócisz czas z sekwencji, o ile akcja jest płynna i logicznie przechodzi z jednej sceny do drugiej.
Wyznacz tempo
Ogólnym celem każdego edytora powinno być zrozumienie, co każda scena musi wnieść do programu i upewnienie się, że pozostaje na ekranie wystarczająco długo (i nie o jedną klatkę dłużej), aby osiągnąć cel sceny.
Jedną z wyraźnych oznak montażu amatorskiego są sceny, które trwają zbyt długo. Ogólna zasada określania tempa scen jest taka sama, jak we wszystkich dobrych filmach:jeśli nie pomaga to widzom śledzić akcji lub pomagać w prowadzeniu fabuły, pozbądź się jej.
Jeśli przyjrzysz się pierwszorzędnym montażystom przy pracy, zauważysz ich obsesję na punkcie perfekcyjnego przycinania scen. Zazwyczaj ustawiają początkowy punkt edycji, a następnie konfigurują pętlę odtwarzania, która przebiega przez punkt edycji. Następnie będą odtwarzać przejście w kółko, używając poleceń klawiaturowych Trim Edit, aby odcinać klatki z głowy i ogona, aż edycja będzie odpowiednia i każda niepotrzebna klatka zniknie.
Przycinanie akcji
To kolejne miejsce, w którym współcześni montażyści mają dużo łatwiej niż za dawnych czasów, kiedy przycinanie kadrów oznaczało wycinanie celuloidowych pasków filmu. Dzisiaj kilka stuknięć na klawiaturze może manipulować punktami wejścia i wyjścia oraz przycinać poszczególne klatki w scenie, tak że naprawdę nie ma wymówki, aby nie wybierać swoich edycji.
Wiele dzisiejszych wiodących pakietów oprogramowania idzie jeszcze dalej, zapewniając wyświetlanie w dwóch oknach, dzięki czemu redaktor może zobaczyć podgląd zarówno przychodzących, jak i wychodzących ujęć w czasie rzeczywistym. To świetna funkcja, gdy chcesz zobaczyć, jak przycinanie wpływa na ujęcia po obu stronach punktu edycji.
Jeśli obejrzysz wspaniałe filmy z wczoraj i dziś, odkryjesz, że wszystkie mają ze sobą coś wspólnego. Niezależnie od tego, czy tempo scen jest szybkie, czy wolne, montażyści filmowi używają tych dopasowanych technik akcji, aby utrzymać swoje historie w ruchu. Dopasowują nastrój występów do tempa edycji, aby nadać każdej scenie (lub sekwencji scen) własny naturalny rytm.
Rozpoznanie i znalezienie idealnego rytmu wizualnego dla sekwencji ujęć oraz edytowanie go tak, aby płynnie przechodziło od sceny do sceny, to różnica między kimś, kto po prostu splata ze sobą sceny, a prawdziwym wizualnym gawędziarzem.
[Sidebar:Breaking the Line]
Kolejnym elementem dopasowywania akcji jest zrozumienie, że ruchy na ekranie zawsze będą miały postrzegany kierunek.
Jeśli film narusza to pojęcie, nasze mózgi mają problem z łączeniem rzeczy . Wyobraź sobie, że ty i twój klub wideo nagrywacie szkolną sztukę zatytułowaną Warzywa to nasi przyjaciele. Ponieważ jest wielu wolontariuszy, decydujesz, że oprócz kamer wideo na widowni, umieścisz kamerę na górze, za scenerią, skierowaną w stronę publiczności.
Czas na wielkie wejście Pana Pomidora. Wchodzi z lewej i porusza się w prawo. Zarówno kamery na górze, jak i na dole toczą się i pokazują Pana Pomidora w luźnym zbliżeniu.
W postprodukcji można zauważyć, że jeśli przetniesz się między tymi dwoma ujęciami, Pan Pomidor poruszałby się od lewej do prawej ujęcia publiczności, ale poruszające się od prawej do lewej w ujęciach kamery na górze.
Nazywa się to „przełamaniem linii”. Widzowie oczekują, że działania na ekranie będą miały kierunkowy przepływ. Trzymanie perspektywy kamery po jednej stronie wyimaginowanej linii, która biegnie równolegle do akcji, pozwala zachować poczucie płynności.
Jeśli chcesz złamać linię, użyj neutralnego ujęcia z postacią zwróconą bezpośrednio do kamery lub od niej jako bufor, dzięki czemu kierunkowy przepływ sceny chwilowo się zatrzymuje.
[Pasek boczny:wycięcia]
Inną techniką, która pozwala edytorowi na utrzymywanie programu w ruchu, jest użycie ujęć przekrojowych lub B-roll.
W naszym wcześniejszym przykładzie zamiast cięcia od zbliżenia dłoni do ujęcia odwróconego kąta wchodzącej postaci pokój, możesz użyć wycięcia. Krótkie ujęcie osoby siedzącej przy biurku w pokoju i patrzącej w górę na drzwi może utrzymać scenę w ruchu, jednocześnie skutecznie wprowadzając nową postać. Ponowne użycie fragmentu pozwala skrócić długość sceny, ponieważ publiczność będzie oczekiwać, że otwieranie drzwi będzie kontynuowane podczas fragmentu.
Tempo scen jest zawsze zależne od treści samej sceny. Jeśli wycinałeś scenę, w której matka kołysze noworodka do snu, tempo scen byłoby zazwyczaj znacznie wolniejsze niż w przypadku wycinania sekwencji pościgu samochodowego.
Doświadczeni montażyści bardzo dbają o tempo scen , rozumiejąc, że może to być różnica między odbiorcami, którzy są w pełni zaangażowani w opowieść, a tymi, którzy wiercą się na swoich miejscach.