Od przecięcia do obramowania , przyjrzyjmy się pięciu metodom tworzenia filmów, dzięki którym będziesz mógł kręcić jak montażysta.
Zajrzyj do poniższego samouczka, aby uzyskać wskazówki dotyczące kręcenia filmu jak montażysta. Kiedy skończysz, postępuj zgodnie z transkrypcją tego samouczka krok po kroku poniżej.
Przyjrzyjmy się naszemu pierwszemu punktowi, czyli fragmentom. Przekroje są ustalane w wielu filmach (jestem pewien, że już ich używasz), ale są trzy główne przekroje, na których powinieneś się skupić. Zacznę od najbardziej oczywistego – szczegółowego ujęcia.
1. Szczegółowy strzał
Szczegółowe ujęcie polega w zasadzie na ustaleniu pewnych szczegółów w przestrzeni, które być może nieco lepiej budują otoczenie, pomagając widzom zrozumieć oglądaną postać. Na przykład ujęcie, na którym piszę na komputerze.
Teraz możesz ustalić wszystko, co prawdopodobnie musisz wiedzieć, za pomocą średniego lub szerokiego ujęcia. Aby jednak dowiedzieć się więcej o tej postaci, możesz zrobić zbliżenie lub szczegółowe strzał ich palców na klawiaturze. To może ustanowić scenę za pomocą dźwięku klawiatury, przenosząc nas do tej sceny, lub może być po prostu użyte jako mały fragment.
Dowiesz się też więcej o postaci. Może jestem szybką maszynistką. Może jestem powolną maszynistką. Następną rzeczą byłoby pokazanie tego, na co patrzę, fotografując ekran komputera. Mogę pisać naprawdę ważny, znaczący e-mail, a może po prostu piszę nienawistne komentarze na YouTube. W zależności od marki, z którą pracujesz, mogą jeszcze nie chcieć ujawniać tych informacji. Niezależnie od tego, wszystko to są przykłady szczegółowego ujęcia.
2. Zdjęcia środowiskowe
Kolejną częścią fragmentu są ujęcia środowiskowe. Więc w tej scenie ze mną na klawiaturze może to kieliszek wina. Poza tym piję w ciągu dnia. To określa nieco więcej informacji o mojej postaci.
Określenie niektórych elementów w przestrzeni może pomóc w podniesieniu fabuły i opowiedzieć więcej o głównym bohaterze. Jeśli kręcisz, a reżyser na planie nie pomyślał o tym, danie postaci w scenie rekwizytu, aby dowiedzieć się nieco więcej o jej postaci, może naprawdę pomóc w rozwoju fabuły.
Podobnie, co by było, gdyby scenograf miał w tle mały niechciany drobiazg ? A może kula wysięgnika niespodziewanie wpada w ramkę i nie może jej wyciąć ani usunąć cyfrowo? W takich okolicznościach bardzo pomocne jest posiadanie wycięcia dla edytora.
Wielu redaktorów uwielbia mieć wcięcia na początku sceny, aby stworzyć przestrzeń. Być może pokazujesz trzy zbliżenia na początku sceny, aby pokazać kawałek otoczenia, lub tylko jedno. Ujęcie kieliszka, zbliżenie na klawiaturę, a potem szeroki kąt, który nieuchronnie buduje scenę.
3. Przekrój ekspresji
Zasadniczo te przekroje są bardzo ważne, aby stworzyć przestrzeń i zbudować środowisko. Trzeci fragment, o którym chcę opowiedzieć, to wyrażenie/reakcja kogoś innego. Może masz dodatkowego aktora. Nagranie reakcji na scenę to tani sposób na budowanie otoczenia. Na przykład, jeśli siedzę na komputerze i piję wino w ciągu dnia, a mój tata przyłapie mnie na tym, jaka będzie jego mina?
Czy ma wyraz dumnego ojca? A może dzień picia syna go rozzłościł? Nagle jedno wycięcie w wyrazie naprawdę zmienia grę.
4. Kadrowanie
Następny jest kadrowanie — ważna jest powtarzalność wizualna. Teraz nie jest to kręcenie tego samego w kółko, ale raczej posiadanie podobnych ujęć w ramkach. Reżyser George Miller, geniusz stojący za Mad Maxem opowiadał o tym, gdy kręcił Mad Max:Na drodze furii , wiele scen, które nakręcił, było wyświetlanych na celowniku.
To naprawdę mnie zainspirowało, ponieważ myślę, że posiadanie języka ramek ułatwia pracę redaktora . Na przykład, jeśli kręcisz szybki, szybki montaż, wiesz, że coś się szybko zbliża. Czy możesz mieć spójny element w kadrze, aby oczy widzów nie podskakiwały? Czy możesz mieć podobny mechanizm kadrowania, w którym wszystko jest wystrzeliwane w martwym punkcie, z lewej lub z prawej? Zastanów się więc, jak kadrujesz ujęcie A i jak będzie ono odpowiadało ujęciom B, C, D itd.
5. Trzymaj ramki
Następną rzeczą jest trzymanie ramek. Działa to na wszystkich płaszczyznach, od kina po dokument, niezależnie od tego, co kręcisz. Pracowałem nad montażami z kimś innym, gdzie kręcą scenę, a kiedy czują, że to przybili, zwalniają ujęcie. Teraz panoramowanie może być przydatne przy przejściach, ale jako strzelec powinieneś zasadniczo znaleźć swój strzał, a następnie go przytrzymać.
To ważne, ponieważ jako redaktor na początku potrzebujesz uchwytów i koniec klipu. Zwykle trwa to od jednej do dwóch sekund. Załóżmy na przykład, że chcesz mieć ładne zanikanie w klipie. Jednak pod koniec klipu DOP lub strzelec postanowili obniżyć kamerę, ponieważ myśleli, że mają kadr. Nagle chwila się urywa. Więc to, co bardzo polecam, to trzymanie ramy i danie jej trochę dodatkowego ruchu.
Ostatecznie daje to edytorowi więcej możliwości zabawy podczas edycji. Daj swojemu edytorowi kilka ekscytujących rzeczy do pracy!
Dodatkowe wskazówki, triki i porady dotyczące tworzenia filmów znajdziesz w tych artykułach:
- Przewodnik po tworzeniu wysokiej jakości filmów na vlogach typu „Run and Gun”
- Praktyczny przewodnik po holenderskich kątach i pochylonych kadrach
- Kręcenie filmów 101:Nagrywanie wideo od początku do końca
- Powrót do podstaw:zasada trójpodziału w kręceniu filmów
- Najlepszy sprzęt do mobilnego tworzenia filmów do tworzenia filmów w telefonie