Stosowanie siedmiu zasad sztuki i projektowania może pomóc w tworzeniu bardziej dynamicznych i przyciągających wzrok zdjęć. Ale nie potrzebujesz dyplomu z zakresu sztuki, aby opanować te zasady. Nawet krótkie wprowadzenie, które poprawi Twoje umiejętności komponowania fotografii.
W tym artykule przyjrzymy się siedmiu zasadom sztuki i projektowania. Sprawdzamy, czym one są i jak można je wykorzystać w fotografii. Ten artykuł jest jedynie wprowadzeniem, ale zwróć uwagę na linki do szczegółowych artykułów w tekście.
OBRAZ
Jakie są 7 zasad sztuki i projektowania?
Siedem zasad sztuki i projektowania to równowaga, rytm, wzór, nacisk, kontrast, jedność i ruch.
Artyści w większym lub mniejszym stopniu wykorzystują te zasady, aby uczynić swoje dzieła interesującymi wizualnie. Ale te zasady nie ograniczają się do malarzy i grafików. Fotografowie mogą również skorzystać z tych zasad, aby ulepszyć swój styl wizualny.
Masz także elementy sztuki i projektowania. Są to:linia, kształt, forma, przestrzeń, wartość, kolor i faktura. Są to narzędzia, których używają artyści wizualni do konstruowania swoich obrazów. Stanowią podstawę wszelkich form sztuki wizualnej, w tym fotografii.
Fotografowie mogą stworzyć obraz w oparciu o teorię sztuki, stosując siedem zasad sztuki i projektowania. Przyjrzyjmy się bliżej każdej zasadzie.
Stworzenie Adama Michała Anioła wykazuje głębokie zrozumienie siedmiu zasad sztuki i projektowania.
1. Bilans
Balans służy do zilustrowania wizualnej wagi obrazu. Może albo zjednoczyć zdjęcie, albo stworzyć podział. Równowagę możesz osiągnąć na trzy sposoby:
- Symetria :obie strony obrazu odzwierciedlają ten sam temat, jak odbicie lustrzane.
- Asymetria :Kontrastujące elementy równoważą obraz. Na przykład teksturowana powierzchnia po jednej stronie obrazu i gładka, matowa powierzchnia po drugiej.
- Symetria równowagi promieniowej :Elementy rozmieszczone równomiernie wokół centralnego punktu, jak szprychy w kole rowerowym.
Starannie wyważony obraz nadaje zdjęciu poczucie stabilności. Niezrównoważony obraz powoduje brak jedności i niepokój. Obydwa zastosowania są w porządku, w zależności od pożądanego rezultatu.
Równowaga jest zmysłowa w tym sensie, że „wydaje się” zła lub dobra. Spróbuj poruszyć aparatem, aby uzyskać różne perspektywy i podkreślić równowagę obrazu.
Możesz także spróbować sfotografować różne pola tekstury i koloru. Nie bój się trochę eksperymentować.
Symetryczna równowaga tego chodnika tworzy głębię i prowadzi oko widza przez obraz. © Stephen Crane
2. Rytm
Pod wieloma względami kompozycja na fotografii jest bardzo podobna do tej, którą można znaleźć w muzyce. Fotograficzna koncepcja rytmu w dużym stopniu zapożycza się z teorii muzyki.
Podobnie jak muzyk czytający nuty na kartce nutowej, obiekty w przestrzeni regulują sposób, w jaki postrzegamy zdjęcie. Rytm dyktuje powtarzający się zorganizowany lub niezorganizowany rozkład elementów wizualnych obrazu.
Spróbuj wizualizować zapis muzyczny, aby wprowadzić poczucie rytmu do fotografii. Negatywne przestrzenie, korelacje i różnice między obiektami na zdjęciu takim jak poniższe odzwierciedlają notatki na partyturze.
© Sergey Kotenev
3. Wzory
Wzory nadają sens światu wizualnemu poprzez regularność. Wzory można znaleźć we wszystkim, od sztucznych, abstrakcyjnych obiektów po materiały organiczne.
Ludzkie oko jest skalibrowane do wyszukiwania wzorców. Mogą wywołać u widza zaskakujące reakcje emocjonalne.
Elementy projektu można organizować w przewidywalny sposób, tworząc wzór. Mówiąc najprościej, wzory to powtórzenia elementów sztuki i designu. Działają one wspólnie w ramach jednej klatki.
Wzory są aktywną zasadą sztuki i projektowania. Usuwają obraz ze strony. Używanie wzorów w fotografii wiąże się zarówno z odkrywaniem, jak i techniką fotograficzną.
Spróbuj wyszukać elementy architektoniczne i miejskie lub przedmioty organiczne, takie jak kwiaty. Gdy zaczniesz szukać, będziesz zdumiony mnóstwem wzorów wokół siebie.
© Kim Chan
4. Podkreślenie
Podkreślenie kształtuje centrum zainteresowania obrazu. Kolor, przestrzeń, tekstura i linia współdziałają, aby określić ostrość obrazu.
Istnieje wiele sposobów na podkreślenie charakteru zdjęcia. Podkreślenie przestrzenne obejmuje orientację obiektu w kadrze fotograficznym.
Uwagę przyciągnie samotny obiekt znajdujący się w centrum obrazu. Jest to najłatwiej dostępny element zdjęcia. Selektywne grupowanie kieruje wzrok widza na określone punkty skupienia obrazu przedstawiającego wiele tematów.
Rozmiar obiektu decyduje również o tym, jak widz „odczyta” zdjęcie. Większy obiekt sugeruje bliskość powierzchni obrazu.
Przyciąga większą uwagę niż mniejszy obiekt w tle. Pokazanie skali opowiada historię o fizyczności obiektów, dodając głębi i perspektywy.
Kolor to kolejne narzędzie, które może pomóc w podkreśleniu akcentu. Jasny lub kolorowy obiekt w ciemnej scenie nadaje obrazowi żywotność i żywotność. Przyciąga wzrok widza.
© Artem Kniaz
5. Kontrast
Kontrast powstaje, gdy na zdjęciu znajdują się dwa lub więcej przeciwstawnych elementów. Światło z ciemnością, ciepło z chłodem. Ale kontrast obejmuje także elementy fizyczne.
Tekstura to kolejny sposób wykorzystania zasady kontrastu w fotografii. Umieszczenie na obrazie dwóch lub więcej tekstur wprowadza wrażenia dotykowe i tworzy wrażenie miejsca.
Okrągła kropla wody spoczywająca na rozmytych wąsach rośliny to przykład tematyki kontrastującej pod względem tekstowym.
Kontrastowa tematyka przenosi narrację do zdjęcia. Możesz także spróbować zestawić ze sobą takie atrybuty, jak ostrość i miękkość, stare i nowe lub zakrzywione i proste.
6. Jedność
Unity opisuje wizualne relacje między elementami obrazu. Pomaga stworzyć spójny wizerunek. Używanie podobnych kolorów, tonów, koncepcji lub elementów kultywuje poczucie jedności.
Brak jedności jest odwrotnością. Złe kadrowanie, niezręczna perspektywa, prześwietlenie lub niedoświetlenie. Wszystko to zakłóca obraz i może powodować brak jedności.
Kolejnym aspektem leżącym u podstaw jednolitego obrazu jest jasna koncepcja efektu fotograficznego. Wynik fotograficzny lub cel to wyidealizowany mentalny obraz zdjęcia przed jego wykonaniem.
Dzięki wstępnej wizualizacji efektu fotograf może uzyskać jaśniejszy obraz celu zdjęcia. To z kolei pozwala fotografowi przejąć większą kontrolę nad obrazem.
© Jaspinder Singh
7. Ruch
Termin „ruch” w fotografii często opisuje związek pomiędzy czasem otwarcia migawki aparatu a obiektem. Jeśli chodzi o sztukę i projektowanie, ruch odnosi się do ścieżki, którą podążają oczy widza podczas czytania zdjęcia.
Elementy i zasady sztuki i projektowania kształtują ruch. Fotograf może przejąć kontrolę nad sposobem, w jaki widz absorbuje zdjęcie. Na przykład użycie linii na fotografii tworzy „wizualne autostrady”, które kierują okiem widza.
Postrzępione linie wywołują emocje, przenosząc wzrok widza z jednego punktu do drugiego. Zakrzywione linie są bardziej subtelne. Zmniejszają one prędkość oglądania obrazu.
Zrozumienie natury i psychologii ludzkiego wzroku jest ważną częścią kontrolowania ruchu.
Na przykład ludzkie oko jest bardziej wrażliwe na niektóre kolory niż na inne. Czerwień przyciąga uwagę. Miękkie błękity są delikatniejsze i bardziej subtelne. Ruchem można kierować poprzez selektywne użycie koloru i nasycenia.
Istnieje wiele różnych sposobów prowadzenia oka widza po zdjęciu. Ruch bada naturę oka i psychologię związaną z absorpcją informacji wizualnych.
Wniosek:zasady sztuki i projektowania
Siedem zasad sztuki w fotografii to równowaga, rytm, wzór, nacisk, kontrast, jedność i ruch. Stanowią one podstawę sztuk wizualnych.
Stosowanie tych siedmiu zasad sztuki i projektowania pozwala przejąć większą kontrolę nad fotografią. Dzięki temu powstają lepsze, wyróżniające się zdjęcia, które pomagają rozpoznać możliwości fotograficzne.