i. Zrozumienie sceny:
Przed pomyślą o miejscu, dyrektor potrzebuje głębokiego zrozumienia sceny:
* Przeczytaj i przeanalizuj skrypt: To jest fundament. Reżyser musi zrozumieć cel sceny, motywacje postaci, podtekst, ton i ogólny wkład w narrację.
* Zidentyfikuj cele i stawki: Co postacie chcą osiągnąć na scenie? Co się stanie, jeśli odniosą sukces lub zawiodą? To napędza ich działania i wpływy blokujące decyzje.
* Określ łuk emocjonalny: Jak emocje bohaterów i scena ewoluują od początku do końca? Blokowanie powinno odzwierciedlać i zwiększyć tę emocjonalną podróż.
* Rozważ ustawienie: Jak lokalizacja wpływa na postacie i historię? Środowisko staje się aktywnym uczestnikiem sceny.
* skonsultuj się z kluczową załogą: Współpracuj z operatorem (dyrektor fotografii), projektantem produkcji i aktorami, aby dzielić się pomysłami i upewnić się, że wszyscy są na tej samej stronie.
ii. Kluczowe elementy inscenizacji i blokowania:
* STAGING: Ogólny układ aktorów i elementów w scenie. Obejmuje to ich pozycję względem siebie, ustawienia i aparatu. Inscenizacja ustanawia kontekst i relacje sceny.
* blokowanie: Konkretne ruchy i działania aktorów w scenie. Obejmuje to wejścia, wyjścia, gestów i interakcji fizycznych. Blokowanie oka widza i pomaga opowiedzieć historię wizualnie.
* Umieszczenie i ruch kamery: Decydowanie, gdzie kamera zostanie ustawiona dla każdego ujęcia i jak porusza się (lub nie porusza się) podczas sceny. Na to ma duży wpływ blokowanie i odwrotnie.
* Kompozycja: Układ elementów wizualnych w ramce. Obejmuje to użycie linii, kształtów i kolorów do stworzenia wizualnie atrakcyjnego i znaczącego obrazu.
iii. Rozważania kierujące inscenizacją i blokowaniem wyborów:
* Clarity: Blokowanie powinno być jasne i zrozumiałe dla publiczności. Unikaj niepotrzebnego ruchu lub bałaganu, które mogłyby odwrócić uwagę od historii.
* Focus: Skieruj uwagę publiczności na najważniejsze elementy sceny. Można to osiągnąć poprzez blokowanie, oświetlenie i umieszczenie kamery.
* subtext: Blokowanie można wykorzystać do ujawnienia emocji i motywacji. Na przykład postać, która czuje się bezbronna, może stać z powrotem do pokoju.
* Pace and Rhythm: Blokowanie powinno przyczynić się do ogólnego tempa i rytmu sceny. Szybszy ruch może powodować poczucie podniecenia lub napięcia, a wolniejszy ruch może powodować poczucie spokoju lub refleksji.
* Relacje postaci: Blokowanie można wykorzystać do zilustrowania relacji między postaciami. Na przykład postacie, które są w konflikcie, mogą być ustawione daleko od siebie, podczas gdy postacie, które są blisko, mogą być umieszczone blisko siebie.
* Wizualne opowiadanie historii: Użyj blokowania, aby ulepszyć narrację. Na przykład postać idąca w kierunku kamery może symbolizować ich rosnącą pewność siebie, podczas gdy postać odchodząca może symbolizować ich odwrót.
* Wydajność i praktyczność: Blokowanie powinno być praktyczne i możliwe do osiągnięcia w ramach ograniczeń zestawu, budżetu i ograniczeń czasowych. Bezpieczeństwo jest również najważniejsze.
iv. Proces inscenizacji i blokowania:
1. początkowa burza mózgów i wizualizacja: Reżyser wizualizuje scenę w ich umyśle, biorąc pod uwagę różne opcje inscenizacji i blokowania. Mogą naszkicować pomysły w notatniku lub stworzyć scenariusz.
2. Próby z aktorami (odczyt tabeli, blokowanie prób):
* Przeczytaj tabela: Czytanie scenariusza z aktorami w celu omówienia ich postaci, motywacji i ogólnego znaczenia sceny.
* Blokowanie prób: Współpraca z aktorami na zestawie (lub stojaku) w celu eksperymentowania z różnymi opcjami blokowania. Jest to proces współpracy, w którym dyrektor udziela wskazówek, ale aktorzy również wnoszą swoje pomysły. Reżyser zwykle blokuje scenę z grubsza przy użyciu ogólnych znaków, takich jak „Stage Right” i „Stage Left”, „Downstage” (w kierunku publiczności/aparatu) i „Uptge” (z dala od publiczności/aparatu). Zwrócą również uwagę na konkretne działania, takie jak „John podnosi szkło” lub „Mary siedzi na krześle”.
3. blokowanie aparatu z kinematografem: Po ustawieniu blokowania reżyser współpracuje z operatorem w celu ustalenia kąty i ruchów kamery. Obejmuje to rozważanie czynników takich jak:
* pokrycie: Zapewnienie, że wszystkie ważne akcje zostaną uchwycone przed kamerą.
* kadrowanie: Tworzenie atrakcyjnych wizualnie i znaczących kompozycji.
* Ciągłość: Utrzymując spójny wygląd w całej scenie.
* oświetlenie: Używanie oświetlenia w celu zwiększenia nastroju i atmosfery sceny.
4. Próby z kamerą: Przećwiczenie sceny z aktorami i ekipą aparatu w celu dostrojenia ruchów blokujących i kamery. Jest to okazja do zidentyfikowania wszelkich problemów lub niespójności i wprowadzenia dostosowań przed filmowaniem.
5. Strzelanie: Filmowanie sceny za pomocą sfinalizowanego planu blokowania i kamery.
6. Dostosowania: Nawet po starannym planowaniu reżyser może potrzebować dostosowania planu blokowania lub kamery podczas kręcenia filmowania. Może to wynikać z nieprzewidzianych okoliczności, takich jak aktor zmagający się z konkretnym ruchem lub problemem technicznym z kamerą.
v. Szczegółowe techniki i rozważania:
* Motywowany ruch: Każdy ruch powinien mieć powód, przyczyniając się do obiektywnego lub emocjonalnego stanu postaci. Unikaj arbitralnego wędrówki.
* Focus and Nacisk: Użyj blokowania, aby narysować oko publiczności do kluczowych elementów. Można to osiągnąć przez:
* Zdjęcia sceniczne: Organizowanie aktorów w formacjach silnych wizualnie i znaczących. Na przykład postać stojąca samotnie i izolowana w ramce.
* Kąt kamery: Niski kąt może sprawić, że postać wydaje się potężna, a wysoki kąt może sprawić, że wydają się wrażliwe.
* głębokość: Wykorzystanie głębokości zestawu do tworzenia interesujących kompozycji wizualnych.
* Odsunięcie: Stopniowo ujawniają publiczności informacje lub postacie, aby zbudować napięcie lub stworzyć poczucie odkrycia.
* Poziom: Używanie różnych wysokości do pokazania dynamiki mocy. Postać stojąca na platformie lub schodach zdominuje wizualnie te poniżej.
* krzyże: Planowany ruch z jednej pozycji do drugiej. Użyj krzyży do:
* Ustanowienie nowych relacji
* Focus Shift
* Zmień dynamikę sceny
* Business: Małe, naturalistyczne działania, które wykonują aktorzy, takie jak nalewanie drinka, dostosowanie krawata lub wiercenie długopisem. Biznes dodaje realizm i ujawnia charakter.
* wzrokowe: Zapewnienie, że aktorzy mogą się zobaczyć i że kamera może uchwycić swoje występy.
* oszustwo: Nieco podnosząc ciało aktora w kierunku kamery, aby poprawić ich widoczność.
* Znaki trafienia: Aktorzy potrzebujący niezawodnie wracają do konkretnych miejsc na planie, często oznaczeni taśmą. Ma to kluczowe znaczenie dla skupienia, oświetlenia i umieszczenia kamery.
* Master Shot, pokrycie i edycja: Blokowanie jest planowane w związku z tym, jak scena zostanie zredagowana razem. Master Shot pokazuje całą scenę, a następnie bliższe ujęcia, które podkreślają określone momenty i postacie.
* Praca z aktorami: Dyrektorzy muszą być wspólne, rozumiejąc, że aktorzy wprowadzają do roli własne interpretacje i fizyczność. Najlepsze blokowanie pochodzi z partnerstwa, znalezienia ruchu, który wydaje się naturalny i prawdomówny dla postaci.
vi. Przykłady technik blokowania:
* konfrontacja: Dwie postacie napotykają się bezpośrednio, często stojąc blisko siebie.
* intymność: Znaki są ustawione blisko siebie, często dotykające lub obejmujące.
* Moc Dynamic: Jedna postać stoi nad lub za drugą, potwierdzając ich dominację.
* Izolacja: Postać stoi sama, oddzielona od innych postaci.
* Discovery: Postać wchodzi do pokoju i odkrywa coś nieoczekiwanego.
vii. Narzędzia i technologia:
* Oprogramowanie do podziału skryptu: Pomaga uporządkować skrypt, identyfikować kluczowe elementy i planować harmonogram strzelania.
* Oprogramowanie do listy strzałów: Służy do stworzenia szczegółowej listy wszystkich ujęć na scenie, w tym kąty kamery, ruchów i blokowania aktorów.
* Oprogramowanie do scenariuszy: Pozwala reżyserowi wizualizować scenę i planować ruchy blokujące i kamery.
* wirtualne skauting: Używanie wirtualnej rzeczywistości do eksploracji zestawu i planowania blokowania przed filmowaniem.
w podsumowaniu:
Skuteczna inscenizacja i blokowanie to znacznie więcej niż tylko przenoszenie aktorów wokół zestawu. Jest to potężne narzędzie do opowiadania historii, które może poprawić emocjonalny wpływ sceny, wyjaśnić relacje postaci i kierować uwagę publiczności. Uważając, biorąc pod uwagę wszystkie czynniki i współpracę z obsadą i ekipą, reżyser może stworzyć wizualnie i znaczące doświadczenie dla publiczności. Dobre blokowanie wydaje się niewidoczne; Służy tak dobrze, że publiczność jest wciągnięta w narrację, nie świadoma wyborów reżysera.