i. Przygotowanie jest kluczowe:
* Znaj skrypt wewnątrz i na zewnątrz: Musisz dokładnie zrozumieć historię, tematy, łuki postaci i podtekst.
* Analiza znaków: Rozwijaj głębokie zrozumienie każdej postaci. Rozważ ich pochodzenie, motywacje, relacje, pragnienia, lęki i wady. Powinieneś być w stanie odpowiedzieć na każde pytanie, które aktor rzuca w ciebie o swój charakter.
* Styl wizualny: Zdecyduj się na ogólny wygląd filmu. Jak przyczynią się do tego występy aktorów? Czy będzie naturalistyczny, stylizowany, komediowy, dramatyczny?
* Spotkania przedprodukcyjne: Spotkaj się z aktorami na długo przed sesją. Ma to kluczowe znaczenie dla budowania relacji, omawiania scenariusza i ich postaci oraz odpowiadania na wszelkie pytania.
ii. Budowanie relacji i zaufania:
* Utwórz bezpieczne i wspólne środowisko: Aktorzy muszą czuć się komfortowo, podejmując ryzyko i odkrywając swoje postacie.
* Bądź dobrym słuchaczem: Zachęcaj aktorów do dzielenia się swoimi przemyśleniami i pomysłami na temat swoich postaci.
* empatia: Zrozum proces aktora. Są wrażliwe, pokazując się.
* Bądź jasny i zwięzły: Skutecznie komunikuj swoją wizję, nie będąc dyktatorskim.
* Szanuj ich wiedzę: Są profesjonalistami, którzy dopracowali swoje rzemiosło.
iii. Techniki komunikacji:
* „dlaczego” ma znaczenie: Zawsze wyjaśnij * powód * za kierunkiem. Nie mów im tylko *, co * robić, wyjaśnij * dlaczego * chcesz, żeby to zrobili. Pomaga im to zrozumieć motywację postaci i znaleźć akcję ekologiczną.
* Przykład:Zamiast „powiedz linię głośniej”, „spróbuj” jest sfrustrowany, ponieważ próbował to wyjaśnić przez godzinę, a ona wciąż tego nie rozumie. Niech ta frustracja wyjdzie na linię ”.
* Czasowniki akcji: Użyj silnych czasowników akcji, aby opisać, co postać * robi *, a nie * uczucie. * Unikaj mówienia aktora, aby „był smutny”. Zamiast tego powiedz im, aby „opłakiwać”, „żartować” lub „wspomina”. To daje im konkretną akcję do gry.
* Zdjęcia i metafory: Użyj sugestywnego języka i metafor, aby przekazać pożądane emocje lub wydajność.
* Przykład:„Pomyśl o tej scenie jako o tańcu między dwoma ludźmi, którzy starają się trzymać się z dala od siebie”.
* określone korekty: Skoncentruj się na małych, przyrostowych korekt. Nie przytłaczaj aktora jednocześnie zbyt dużymi informacjami zwrotnymi.
* cisza jest złota: Czasami mówienie, że nic nie jest najlepszym podejściem. Daj przestrzeni aktora, aby odkryć i znaleźć własną interpretację.
* Pozytywne wzmocnienie: Uznaj dobrą pracę i zachęcaj ich, nawet przy konstruktywnej krytyce. Rozpocznij i koniec z pozytywnymi informacjami zwrotnymi.
* Notatki prywatne: Prywatnie daj wrażliwe lub potencjalnie zawstydzające notatki.
* być elastycznym: Przygotuj się na dostosowanie swojego podejścia w oparciu o potrzeby i styl aktora. Niektórzy aktorzy dobrze reagują na kierunek techniczny, podczas gdy inni wolą porady emocjonalne.
iv. Praktyczne reżyserowanie na planie:
* blokowanie: Pracuj z aktorami, aby określić ich ruchy w scenie. Powinno to być motywowane celami postaci i potrzebami aparatu. Rozważ linie wzrokowe, relacje fizyczne i ogólny skład.
* próby: Użyj prób, aby wypracować blokowanie, czas i emocjonalne uderzenia sceny. Nie przeceniaj się jednak, ponieważ może to prowadzić do nieaktualnego występu.
* pokrycie: Ostrożnie zaplanuj kąty i strzały aparatu. W jaki sposób aparat będzie wspierać występ aktora i opowie historię wizualnie? Rozważ użycie zbliżeń, średnich strzałów i szerokich strzałów.
* Dostosowania wydajności:
* Pace: Dostosuj rytm i tempo dialogu i działania.
* Tom: Kontroluj głos aktora, aby stworzyć pożądany wpływ.
* fizyczność: Poprowadź język ciała i gesty aktora, aby poprawić wyraz postaci.
* subtext: Pomóż aktorowi znaleźć ukryte znaczenie i warstwy pod powierzchnią dialogu.
* „ostatni wygląd”: Przed przewróceniem się daj aktorom ostateczną okazję do zadawania pytań lub wprowadzenia jakichkolwiek korekt.
* Zaufaj swoje wnętrzności: Jeśli coś nie jest właściwe, nie bój się spróbować czegoś innego.
v. Różne style aktorskie:
* Metoda działająca: Aktorzy głęboko zanurzają się w życiu i doświadczeniach postaci. Szanuj ich proces, ale wyznacz granice, aby zapewnić ich dobre samopoczucie.
* Technical Acting: Aktorzy koncentrują się na technicznych aspektach wydajności, takich jak głos, ruch i dostawa.
* Naturalistic Acting: Aktorzy dążą do realistycznego i wiarygodnego przedstawienia postaci.
* Comedic Timing: Pomóż aktorom zrozumieć rytm i bity komedii.
vi. Powszechne pułapki, aby uniknąć:
* MicroManaging: Nie nadmiernie kierować. Pozwól aktorom wprowadzić własną kreatywność do roli.
* Dawanie sprzecznych wskazówek: Upewnij się, że Twoje notatki są spójne i jasne.
* bycie niejasnym: Unikaj abstrakcyjnych lub niejednoznacznych informacji zwrotnych.
* ignorowanie danych wejściowych aktora: Słuchaj ich pomysłów i chętnie pójść na kompromis.
* Biorąc rzeczy osobiście: Pamiętaj, że aktorstwo jest pracą, a krytyka jest częścią tego procesu.
* Pokazanie faworyzowania: Traktuj wszystkich aktorów z szacunkiem i uczciwością.
vii. Edukacja ustawiczna:
* Oglądaj filmy i analizuj występy: Zwróć uwagę na sposób, w jaki dyrektorzy współpracują z aktorami w celu tworzenia przekonujących występów.
* Przeczytaj książki i artykuły na temat reżyserii: Istnieje wiele doskonałych zasobów dostępnych w sztuce i rzemiosu reżyserii.
* Weź warsztaty i zajęcia: Rozważ zapisanie się na warsztaty lub zajęcia na działanie i reżyserowanie.
* Ćwicz, ćwicz, ćwicz: Najlepszym sposobem nauki reżyserii aktorów jest to.
Podsumowując, skuteczne reżyserowanie polega na stworzeniu środowiska współpracy opartego na zaufaniu, jasnej komunikacji oraz głębokim zrozumieniu scenariusza i postaci. Bądź przygotowany, bądź cierpliwy i bądź otwarty na uczenie się od swoich aktorów.