Jako filmowcy jesteśmy gawędziarzami. Przez nasze soczewki rozwijamy kroniki ludzkiego doświadczenia. Niezależnie od tego, czy zabieramy widza w fikcyjną podróż w filmie fabularnym, czy w filmie dokumentalnym z prawdziwego życia, naszym zadaniem jest sprawić, by widz poczuł coś — miejmy nadzieję, że wiele rzeczy. Posiadamy wiele narzędzi manipulacji do wytwarzania tych emocji, ale być może naszymi największymi narzędziami są światło i kolor.
Kinematografia jest często określana jako malowanie światłem. W przeciwieństwie do rzeźbienia jest to proces addytywny, w którym każde pociągnięcie pędzla ujawnia coś, czego wcześniej nie było. Dodajemy światło, aby fizycznie kształtować obiekty i ich otoczenie. O ile Twoja historia nie jest opowiedziana w czerni i bieli, używane przez nas światła odwzorowują kolory, które można mieszać, aby stworzyć bardziej wszechstronne emocjonalne i instynktowne wrażenia wizualne. Każdy rodzaj światła ma inną temperaturę barwową i w zależności od tego, jak ustawisz balans bieli w aparacie, źródło światła ujawni swoje odchylenie kolorystyczne.
Światło i kolor
Niezależnie od tego, czy używasz tylko naturalnego światła, jak zrobił to Emmanuel Lubezki dla The Revenant, czy używasz sztucznych źródeł światła, takich jak LED, wolfram lub HMI, każde źródło światła ma inną temperaturę barwową, która będzie odwzorowywana inaczej, gdy zmienisz balans bieli w aparacie. Na przykład temperatura barwowa światła otoczenia na zewnątrz w jasny, słoneczny dzień wyniesie około 6500 kelwinów, a jeśli zrównoważymy biel w naszym aparacie do 6500 kelwinów, to światło będzie wydawać się białe, a kolory będą naturalne.
Gdybyśmy kręcili w domu oświetlonym lampami wolframowymi o temperaturze 3200 kelwinów i odpowiednio balansowaliśmy, światło w środku będzie białe, podczas gdy światło dzienne wpadające przez okna będzie niebieskie. I odwrotnie, gdybyśmy zrównoważyli biel w tym pokoju dla światła wpadającego przez okno, te wolframowe źródła światła byłyby pomarańczowe.
Znajdowanie salda
Ogólnie rzecz biorąc, chcesz uzyskać balans bieli dla głównych świateł eksponujących obiekt. Chociaż są wyjątki, priorytetem jest uzyskanie prawidłowego koloru czyjejś skóry. Jeśli masz mieszane światło, odpowiednia równowaga może być trudna. Jeśli na przykład fotografujesz w pokoju pełnym okien, w którym wpada światło dzienne, możesz chcieć ustawić balans bieli dla światła dziennego. Ale co, jeśli nadal potrzebujesz trochę światła na ten temat i masz tylko zestaw wolframowy, który znowu jest oceniany na 3200 kelwinów? Czasami możesz zrezygnować z tych poprawek i użyć świateł o różnych temperaturach barwowych w kreatywny sposób.
Kolor emocji
Ważne jest, aby wiedzieć, że kolor światła, który wybierzesz, będzie miał bezpośredni wpływ emocjonalny na widza. Nie zagłębiając się zbytnio w teorię kolorów i psychologię, myślimy o niebieskim świetle jako chłodniejszym i smutnym, podczas gdy światło żółte/pomarańczowe ma tendencję do sugerowania ciepła, żywotności i szczęścia. Łatwo się pomylić, słysząc chłodne i ciepłe światło. Jeśli pamiętasz swoją fizykę, cieplejsze światło ma tendencję do bycia niebieskim, jak światło słoneczne w jasny dzień, a światło z małej żarówki, która jest dosłownie chłodniejszym źródłem światła, ma tendencję do bycia bardziej żółtym/pomarańczowym, mimo że jest niebieskie. jasne, a nie pomarańczowe, często kojarzy się z niższymi temperaturami.
Mieszanie różnych temperatur barwowych może być świetnym sposobem na wykorzystanie tych psychologicznych efektów i zwiększenie złożoności ujęć. Może również wyróżnić aktora z tła lub po prostu dodać stylu. Chociaż nadal chcesz rozjaśnić odcienie skóry fotografowanej osoby głównie jednym kolorem, możesz dodać swoim zdjęciom wiele wymiaru i emocji, mieszając kolory.
Przykłady w kinie
Świetnymi tego przykładami są amerykańskie filmy akcji, w których ludzie często są oświetleni na pomarańczowo z ciężkimi niebieskimi tylnymi światłami i światłami obręczy. James Cameron wykorzystał to ze świetnym efektem w „Terminatorze 2”, a jego współczesny, Michael Bay, bardzo intensywnie używa tego stylu w swoich filmach akcji.
Jednak nie tylko artyści popcornu, tacy jak Bay, używają tego stylu oświetlenia. Steven Spielberg nie może powstrzymać się od oświetlania swoich obiektów pomarańczowymi/żółtymi światłami i mocnym podświetleniem naturalnym światłem lub HMI, które wydają się niebieskawe. Reżyser Jean Pierre Jeunet intensywnie wykorzystywał światło i kolor w „Amelie” jako subtelne i nie tak subtelne, emocjonalne sygnały.
Kiedy zaczniesz go szukać, zobaczysz mieszane oświetlenie w znacznie większej liczbie scen, niż można by się spodziewać. To świetny sposób na nadanie tonu i emocji. W moich własnych konfiguracjach wywiadów często używałem paneli LED, które ustawiłem na około 5600 kelwinów, a następnie używam odsłoniętych żarówek Edisona w tle, aby uzyskać subtelne, ciepłe podświetlenie. Poszukaj sposobów wykorzystania kolorów w Twoich ulubionych filmach, aby uzyskać więcej pomysłów na kreatywne wykorzystanie temperatury kolorów.
Czas na eksperymenty
Kiedy wyruszasz, aby oświetlić swoją scenę, pomyśl o historii i związanych z nią emocjach. Dodając niewielką różnicę w kolorze, możesz przejść długą drogę do sprzedaży emocji.
Jeśli jesteś filmowcem o niskim budżecie, jest to sposób na uzyskanie dużej wartości produkcyjnej za niewielkie pieniądze. Kreatywna wycieczka do lokalnego sklepu z narzędziami może przynieść naprawdę fantastyczne rezultaty. Bądź kreatywny i eksperymentuj. Nawet legendarni DP, tacy jak Roger Deakins, bawią się zestawami DIY, aby uzyskać konkretny wygląd, jakiego chcą.