To, co kiedyś było dziwną małą niszą w fotografii, jest teraz zjawiskiem ogólnoświatowym. Fotografia kulinarna zyskuje na popularności tylko wtedy, gdy 32 miliony postów na Instagramie to coś, do czego można się przyczepić.
Fotografia kulinarna zostanie z nami, ale nie jest to łatwy gatunek do opanowania.
Nasz przewodnik zawiera kilka najważniejszych wskazówek i trików, które pomogą Ci uzyskać apetyczne wyniki.
Sprzęt
Kamery
Pierwszą rzeczą, o której należy pomyśleć podczas polowania na nowy korpus aparatu, jest rozmiar czujnika.
Niezależnie od tego, czy zdecydujesz się kupić aparat z przyciętym czujnikiem, czy zainwestować w pełną klatkę, Twój budżet prawdopodobnie zadecyduje o Twoim wyborze.
Ważne jest, aby wiedzieć, że Twój aparat i obiektywy zachowują się inaczej, gdy mają przycięty czujnik niż pełnoklatkowy.
Każdy aparat ma współczynnik przycinania. Jest to liczba używana do opisania, jak bardzo kamera przycina obraz w stosunku do standardowego 35 mm.
Aparat pełnoklatkowy odpowiada standardowi przycięcia 35 mm tradycyjnego aparatu na kliszę. Ma rozmiar czujnika 24mm x 36mm. Przycięty czujnik jest mniejszy i dlatego jest tańszy w produkcji dla producentów aparatów. Nie pasuje do wielu obiektywów, a końcowe obrazy wyglądają inaczej.
Na przykład Canon Rebel ma współczynnik upraw wynoszący 1,6. Oznacza to, że pomnożysz 1,6-krotność ogniskowej obiektywu, aby uzyskać rzeczywistą ogniskową, przy której będzie wyglądać tak, jak zrobiono zdjęcia.
W aparacie pełnoklatkowym obiektyw 50 mm zachowuje się jak 50 mm. Umieść ten sam obiektyw na aparacie z przyciętym czujnikiem, zachowuje się bardziej jak 80 mm.
Soczewki
Soczewki to miejsce, w którym powinieneś wydać największą część swojego budżetu. Powinieneś patrzeć na nie jako na długoterminową inwestycję w swoje rzemiosło.
Oto czynniki, które należy wziąć pod uwagę:
Ostrość
Twoim największym zmartwieniem przy zakupie obiektywu jest ostrość.
Obiektywy stałoogniskowe są preferowane podczas fotografowania żywności, ponieważ są ostrzejsze niż obiektywy zmiennoogniskowe.
Obiektywy zmiennoogniskowe mają więcej ruchomych części, które umożliwiają działanie zoomu. Prowadzi to do obniżenia jakości i ostrości obrazu.
Obiektywy stałoogniskowe są zwykle „szybsze”. Mają większy maksymalny otwór względny, co umożliwia szybsze czasy otwarcia migawki.
Zapewniają również znacznie większą głębię ostrości, umożliwiając wyizolowanie obiektu i uzyskanie naprawdę ładnego rozmytego tła, które wszyscy kochamy w fotografii żywności.
Obiektyw 50 mm
50mm może być również przydatnym obiektywem, zwłaszcza jeśli nie masz zoomu. Ten obiektyw jest dobry do ujęć z góry i scenerii stołowych. Może jednak powodować pewne zniekształcenia podczas robienia zdjęć w stylu portretowym. W fotografii żywności obiektyw 50 mm jest uważany za obiektyw szerokokątny.
Obiektyw 50 mm f/1.8 jest często określany mianem „fajnej pięćdziesiątki”, ponieważ daje przyzwoite wyniki za bardzo niską cenę. Jeśli dopiero zaczynasz, a Twój budżet jest napięty, zdobądź ten.
Obiektyw 24–70 mm
Chociaż statywy są idealne, w rzeczywistości bardzo przydatne jest posiadanie w zestawie jednego obiektywu zmiennoogniskowego, takiego jak 24-70 mm.
Jest bardzo ostry jak na obiektyw zmiennoogniskowy i naprawdę wszechstronny. Wielu fotografów kulinarnych uważa to za podstawowy element swojego zestawu.
Makro 60 mm
Jeśli fotografujesz z przyciętym czujnikiem, makro 60 mm to świetny wybór.
Na przyciętym czujniku bardziej przypomina to 100 mm. Jeśli przejdziesz na pełną klatkę, możesz jej używać tak jak 50 mm.
Ten obiektyw umożliwia robienie zdjęć obiektu pod kątem 3/4 z ładnym efektem bokeh na przyciętym czujniku.
Nie uzyskasz również zniekształceń pod tym kątem, jak podczas fotografowania z szerszą ogniskową, np. 50 mm.
Makro 100 mm
Doskonałym obiektywem, który możesz mieć w swoim zestawie, jest obiektyw makro 100 mm. Ten obiektyw jest przeznaczony nie tylko do ujęć makro lub zbliżeń, chociaż świetnie sprawdza się również w tych.
Oddalając się od swojego zestawu, możesz również uzyskać bardzo ładne zdjęcia w stylu portretowym. Ogniskowa zapewni świetne rozmyte tło.
Jeśli wybierzesz obiektyw makro 100 mm/105 mm z przyciętym czujnikiem, będziesz fotografować z ogniskową 150 mm.
Będzie to bardzo ciasny plon, co może stanowić problem, jeśli problemem jest miejsce.
Statywy
Statyw tokonieczny do fotografii żywności. Pomaga tworzyć spójne obrazy i uwalnia ręce do stylizacji zgodnie z tym, co widzisz przez aparat.
Największym wymaganiem w statywie jest stabilność. Statyw musi wytrzymać ciężar aparatu i obiektywu.
Kupując statyw, szukaj takiego, który ma zarówno regulowaną wysokość, jak i orientację. Tutaj masz środkową kolumnę, którą możesz przesuwać.
Upewnij się, że ma gumowe nóżki, aby uniknąć poślizgu i że ma dużą ładowność.
Ładowność odnosi się do masy, jaką statyw jest w stanie wytrzymać. Musi wytrzymać ciężar aparatu, obiektywu i wszelkich innych dodatków, takich jak wspornik lub wysięgnik.
Stylizacja jedzenia
Celem stylizacji żywności jest sprawienie, by jedzenie wyglądało jak najlepsze. Większość żywności wymaga odrobiny leczenia, aby wyglądała ładnie dla kamery.
Oto kilka rzeczy, które należy wziąć pod uwagę, podchodząc do stylizacji żywności:
Używaj możliwie najświeższego jedzenia
Fotografowana żywność musi być jak najświeższa, aby wyglądała atrakcyjnie na zdjęciach. Kupując składniki, uważaj, aby kupować najświeższe i najlepiej wyglądające dostępne produkty.
Zawsze miej gotową scenę, oświetlenie i aparat przed umieszczeniem jedzenia na planie.
Kiedy dostosowujesz ustawienia oświetlenia i aparatu, użyj substytutu w podobnym kolorze i kształcie jak jedzenie jako podstawka. Zastąp go swoim „bohaterem” (twój główny temat jedzenia) w ostatniej chwili, aby wyglądał tak świeżo i apetycznie, jak to tylko możliwe.
Kup więcej niż potrzebujesz
Kupując artykuły spożywcze, kup więcej, niż myślisz, że będziesz potrzebować do sesji. W krótkim czasie żywność wysycha, topi się, brązowieje lub w inny sposób zaczyna wyglądać nieatrakcyjnie.
Należy go zastąpić świeższymi przedmiotami.
W zależności od jedzenia, możesz potrzebować wielu elementów, aby wypełnić ramkę.
Poszycie
Najważniejszym czynnikiem przy wyborze dań, na których zaprezentujesz swoje jedzenie, jest ich rozmiar.
Obiekty mogą wyglądać zupełnie inaczej dla aparatu niż dla oka i często wydają się większe, niż się spodziewamy. Z tego powodu dobrym pomysłem jest wybieranie mniejszych naczyń niż zwykle.
Prezentuj swoje przedmioty na talerzach sałatkowych lub mniejszych talerzach obiadowych. Duże płyty mogą przyćmić główny obiekt i zdominować kadr.
Dodatki
Zioła i przyprawy oraz przedmioty, takie jak grzanki, mogą uatrakcyjnić Twoje shoty.
Gałązki różnych ziół, takich jak rozmaryn, można związać sznurkiem kuchennym, aby stworzyć małe bukiety, które można wykorzystać do dodania kontekstu do historii kulinarnej.
Możesz wzbogacić zwykłą miskę zupy odrobiną śmietany i odrobiną posiekanego szczypiorku.
Kluczem jest to, aby Twoje dodatki miały sens w szerszym kontekście Twojej sceny. Jeśli strzelasz do łososia z sosem cytrynowo-koperkowym, nie ozdabiaj go bazylią.
Używając ziół, używaj jak najświeższych i wymieniaj je podczas strzelania. Szybko więdną lub utleniają się. Pokrojone zioła mogą być przechowywane w lodówce znacznie dłużej, gdy są owinięte w wilgotny ręcznik papierowy.
Rekwizyty
Musisz mieć kolekcję rekwizytów do fotografii żywności.
Rekwizyt to dowolny przedmiot, którego używasz na planie, aby poprawić obraz. W fotografii żywności są to zazwyczaj przybory kuchenne, takie jak talerze i sztućce, miski i sztućce oraz pościel.
Wybierając rekwizyty, zastanów się nad swoim stylem fotografowania żywności i rodzajami rekwizytów, które go uzupełniają.
Jeśli Twój styl jest naprawdę czysty i elegancki lub bardziej wyrafinowany, takie rekwizyty nie miałyby większego sensu i lepiej byłoby, gdyby były bardziej delikatne.
Ogólnie rzecz biorąc, trzymaj się z dala od bardzo jasnych kolorów i odważnych wzorów, ponieważ odwracają uwagę od jedzenia. Kolorowe elementy mogą stanowić ciekawostkę, ale muszą współpracować z ogólną kompozycją i stylem zdjęcia.
Nie używaj wielu rekwizytów. Kilka odpowiednich rekwizytów może mieć duży wpływ na opowiadanie wizualnej historii, ale zbyt wiele z nich odwróci uwagę widza i zdominuje obraz.
Wybierając rekwizyty, zacznij od jednego lub dwóch kawałków, na przykład neutralnego talerza do sałatek i zabytkowego noża lub łyżki. W razie wątpliwości zachowaj prostotę.
Tła
Będziesz potrzebować różnych ciekawych środowisk, na których możesz umieścić swoje jedzenie.
Użyj różnych elementów do tła, takich jak tkanina, papier rzemieślniczy lub duże płytki podłogowe. Możesz także wykazać się kreatywnością i tworzyć własne.
Kup arkusze drewna i sam je pomaluj lub bejc. Istnieje również kilka świetnych zasobów internetowych do kupowania profesjonalnych środowisk do fotografii żywności, które są wysyłane na cały świat.
Podczas fotografowania jedzenia najlepiej sprawdza się neutralne lub chłodne tło, takie jak niebieski.
Oświetlenie
Modyfikatory oświetlenia
Niezależnie od tego, czy używasz naturalnego, czy sztucznego światła, musisz zmodyfikować swoje źródło światła.
Ważnym elementem Twojego zestawu jest dyfuzor. Jest to panel z czystego białego materiału, który umieszczasz na krawędzi stołu, aby zmiękczyć światło padające na Twoją scenę.
Będziesz także potrzebować prostych narzędzi do odbijania i pochłaniania światła. Możesz kupić profesjonalny zestaw reflektorów 8 w 1 ze składanymi krążkami z różnych materiałów do wykorzystania w sesjach, jak pokazano poniżej.
Na przykład srebrny odbłyśnik może rozjaśnić jedzenie, a złoty odbłyśnik doda ciepła. Zwykle jest również wyposażony w dyfuzor.
W przypadku wersji DIY możesz również użyć zwykłego czarnego lub białego kartonu zakupionego w sklepie rzemieślniczym lub dolarowym. Biel rozjaśnia scenę, a czerń pochłania światło.
Style oświetlenia
Powinieneś wiedzieć, jak ma wyglądać Twój ostateczny obraz, zanim weźmiesz do ręki aparat. Czy chcesz, aby światło wyglądało miękko i przestrzennie, czy też szukasz uderzającego kontrastu?
Im większy kontrast między jasnym a ciemnym, tym bardziej dramatyczny będzie Twój obraz. Często to Twój obiekt będzie dyktował wybrane przez Ciebie światło.
Następnym razem, gdy będziesz robić zdjęcia, sfotografuj obiekt zarówno w miękkim, jak i twardym świetle i zauważ różnicę. Jak każde podejście wpływa na wynik końcowy? Wielu fotografów ma tendencję do skłaniania się ku jednemu lub drugiemu w ramach ich stylu.
Oświetlenie boczne
To wtedy Twoje światło pada bezpośrednio obok jedzenia.
Oświetlenie boczne to dobre podejście do wielu fotografii kulinarnych. Działa w większości konfiguracji i jest łatwy w użyciu.
Umieść reflektor lub kartę odbijającą po przeciwnej stronie światła. W zależności od tego, ile cienia chcesz położyć na boku jedzenia, przesuń go bliżej lub dalej albo użyj mniejszego lub większego reflektora.
Podczas kręcenia białych i przewiewnych scen nadal potrzebujesz cienia, aby dodać wymiar.
Podświetlenie
Podświetlenie ma miejsce, gdy umieszczasz światło za jedzeniem.
Jeśli wyobrazisz sobie tarczę zegara, jest to godzina dwunasta. Jest to idealna pozycja na napoje lub zupy, ponieważ dodaje połysku i podkreśla płynne właściwości żywności.
Ogólnie rzecz biorąc, podświetlenie jest bardzo korzystne dla jedzenia. Nadaje jej połysk i uwydatnia teksturę.
Jednak praca z nim może być trudna, ponieważ może spowodować, że obraz będzie zbyt jasny z tyłu i zbyt ciemny z przodu. Zbyt duży kontrast oznacza, że tył zdjęcia zostanie przesłonięty, z utratą szczegółów i rozmyciem głównego obiektu. Niewystarczający kontrast spowoduje, że zdjęcie zostanie wyblakłe lub będzie wyglądać na wyblakłe, co ma miejsce, gdy fotografujesz przy zbyt dużej ilości światła.
Podświetlenie boczne
Podświetlenie boczne to połączenie dwóch pierwszych rodzajów oświetlenia. To najlepsze z obu światów i najłatwiejsze w obsłudze. Tutaj nasze światło jest umieszczone między godziną 10 a 11.
Dzięki temu stylowi oświetlenia uzyskasz połysk powierzchni zapewniany przez podświetlenie bez ryzyka prześwietlenia. Nie musisz też odbijać tak dużej ilości światła na przód żywności, ponieważ światło pada pod większym kątem.
Korzystając z bocznego podświetlenia, będziesz musiał pobawić się wysokością światła w stosunku do sceny, w zależności od tego, jak chcesz padać cieni.
Im bliżej zestawu znajduje się źródło światła, tym łagodniejszy będzie spadek.
Kąty kamery
Kąt kamery może mieć potężny wpływ na ostateczny obraz.
Zanim weźmiesz do ręki aparat, zastanów się, jaki rodzaj jedzenia lub potrawy fotografujesz i jaki kąt ustawienia aparatu pomoże wydobyć jego najlepsze cechy.
Podczas fotografowania jedzenia używane są trzy główne kąty ustawienia aparatu:nad głową, pod kątem 3/4 lub na wprost.
Kąt 3/4
Kąt 3/4 ma miejsce, gdy kamera jest umieszczona w dowolnym miejscu od 25 do 75 stopni w stosunku do obiektu.
Kąt 3/4 jest popularnym kątem, ponieważ jest tak wszechstronny. Zwykle możesz pokazać przód i powierzchnię naczynia, a także boki.
Często widzisz ten kąt w komercyjnej fotografii żywności.
Kąt górny
Kąt górny to kąt 90 stopni. Stało się to ostatnio bardzo popularne ze względu na Instagram.
Ten kąt na pewno ma kilka pozytywów. Przydaje się do wpasowania kilku elementów w scenę, tak jak w panoramie stołowej. To również sprawia, że jest to świetny sposób na opowiadanie historii. Podczas fotografowania z góry możesz zobaczyć w kadrze różne rekwizyty, składniki lub potrawy z jedzeniem. Często łatwiej jest też skomponować ujęcie, używając tego kąta niż kąta 3/4 lub prostego.
Jednak kąt nad głową nie działa dla każdego rodzaju shota żywnościowego. Eliminuje głębię, co nadaje obrazowi bardziej graficzny efekt, ale nie jest odpowiedni dla każdego rodzaju żywności.
Przy kącie nad głową najbardziej podkreślasz kształt jedzenia i różne elementy sceny.
Kąt prosty
Ten prosty kąt kamery jest najbardziej odpowiedni do „wysokich” potraw, takich jak hamburgery lub stosy ciastek lub naleśników. Podkreśla wysokość naczynia.
Kiedy robisz hamburgery i kanapki, bułka lub górny kawałek chleba ukrywa to, co jest w środku, więc strzelanie z dowolnego miejsca nad jedzeniem nie ma sensu.
Pamiętaj, że celem jest zawsze skupienie się na najlepszych cechach jedzenia.
Kompozycja
Narzędzia do komponowania mogą pomóc nam w tworzeniu lepszych zdjęć, jednak nie każde narzędzie będzie działać dla każdego obrazu.
Zanim zaczniesz strzelać, poznaj cel swojego wizerunku. Jaki jest nastrój? Co chcesz przekazać? Jaki jest cel Twojego ujęcia i jak zostanie wykorzystany?
Dobra fotografia kulinarna budzi emocje widza. Kompozycja jest jednym z głównych narzędzi, które nam w tym pomagają.
Linia
Linia to najbardziej podstawowy element kompozycji wizualnej. Linie prowadzą oko przez fotografię do kluczowych punktów i elementów oraz utrzymują oko widza skupione na obrazie.
Jest kilka rzeczy, o których należy pamiętać podczas pracy z liniami. Używając linii do skierowania oka widza, powinny one wskazywać główny obiekt lub kadr.
Linie również nigdy nie powinny wychodzić poza kadr, ponieważ oczy będą zmuszone opuścić obraz. To osłabia obraz i może spowodować utratę zainteresowania widza.
Zasada szans
Zasada szansy mówi, że podczas fotografowania grupy obiektów posiadanie nieparzystej liczby elementów w kadrze jest o wiele bardziej interesujące wizualnie niż posiadanie parzystej liczby elementów.
Liczby nieparzyste tworzą poczucie równowagi i harmonii oraz zapewniają punkt spoczynku dla naszych oczu, podczas gdy liczby parzyste mogą dzielić naszą uwagę i konkurować ze sobą.
Kiedy na obrazie jest więcej niż pięć elementów, umysłowi trudno jest zarejestrować większą liczbę. Z tego powodu dobrym pomysłem jest komponowanie wielu elementów w grupy liczb nieparzystych, gdy tylko jest to możliwe.
Reguła trójpodziału
Zasada trójpodziału ma na celu pomóc w umieszczeniu głównych elementów i punktu centralnego w kompozycji.
Pomyśl o wyimaginowanej siatce, która dzieli obraz na dziewięć równych części, jak siatka w kółko i krzyżyk. Proporcja wynosi 1:1 na prostokąt.
Zasada trójpodziału to świetne miejsce na rozpoczęcie. Pomaga dodać harmonii do zdjęć i postawić pierwsze kroki w kompozycji jako nowy fotograf. W rzeczywistości może działać dla wielu obrazów, zwłaszcza krajobrazów.
W przypadku fotografii kulinarnej ta zasada może jednak ograniczać. Możesz skończyć na tworzeniu obrazów, które są niezrównoważone i niezręczne.
Siatka Phi to podobna koncepcja, która jest potężniejsza niż zasada trójpodziału. Obie siatki wyglądają prawie tak samo, ale linie środkowe siatki Phi są bliżej siebie.
Siatka Phi
Siatka Phi
Siatka Phi jest wyrazem złotego współczynnika . Pomaga stworzyć zrównoważony i naturalnie przyjemny obraz.
Siatka Phi podąża za stosunkiem 1:1,618, który ma charakter stały i do którego automatycznie zmierzamy.
Występuje w całym świecie przyrody, od muszli łodzika po liczbę płatków kwiatu.
Złoty podział można znaleźć wszędzie w otaczającym nas świecie, chociaż nikt nie jest w stanie dokładnie wyjaśnić, dlaczego istnieje w ten sposób.
Możesz wykorzystać tę wiedzę w swojej fotografii. Myślenie o tym, jak oko porusza się po obrazie i uwzględnienie jakiejś ekspresji złotego podziału, pomoże Ci stworzyć obrazy, które mózg rozpozna jako estetycznie atrakcyjne i harmonijne.
Ujemna spacja
Przestrzeń pozytywna to przestrzeń zajmowana przez główny temat. Negatywna przestrzeń to obszar, w którym twoje oczy mogą odpocząć. Zapewnia równowagę, odrobinę miejsca na oddech i podkreśla temat.
Negatywna przestrzeń może przedstawiać ruch i nadać obrazowi kontekst. Może również dać widzowi wyobrażenie, że istnieje historia poza tym, co widzi oko.
W fotografii żywności istnieje tendencja do robienia zdjęć z dużą ilością negatywnej przestrzeni z powodu umieszczania tekstu, szczególnie w przypadku prac w czasopismach, opakowaniach produktów lub reklamach.
Kiedy obraz nie wykorzystuje negatywnej przestrzeni, może wydawać się nieco klaustrofobiczny i zagracony. Ponadto, gdy na obrazie dzieje się zbyt wiele, widz nie jest pewien, gdzie szukać.
Powtórzenie
Powtarzające się elementy również dodają zainteresowania obrazowi. Powtórzenia mogą wystąpić spontanicznie w temacie lub mogą być tworzone przez dodane elementy, takie jak rekwizyty i składniki pomocnicze.
Czasami wzory mogą stać się monotonne, więc rozbicie wzoru może stworzyć mocniejsze zdjęcie.
Istnieje wiele sposobów tworzenia przerwania wzoru, na przykład przerwania koloru, kształtu, rozmiaru lub tekstury. Miejsce, w którym umieścisz tę przerwę, jest kluczowe; chcesz umieścić go w jednym z punktów centralnych lub wzdłuż przecinających się linii.
Kolor
Kolor jest ważną częścią kompozycji. Wywołuje emocje i tworzy nastrój na obrazie.
Chłodne i ciemne kolory, takie jak granat i czerń, ustępują, podczas gdy jasne lub ciepłe kolory, takie jak żółty, przybliżają obiekty.
Zbyt jasne tło i kolory powierzchni mogą odwracać uwagę od naszego obiektu; powinny być wybrane zgodnie z nastrojem, który chcesz stworzyć, a także w harmonii z wybranymi elementami.
Kombinacje kolorów mogą być monochromatyczne, gdy stanowią wariacje tonalne w ramach jednego odcienia. To podejście ma swoje miejsce, ale wykorzystanie kolorów dopełniających to świetna technika do zastosowania w fotografii żywności.
Kolory dopełniające, takie jak czerwony i zielony lub niebieski i pomarańczowy, pojawiają się naprzeciwko siebie na kole kolorów.
Schemat kolorów, z którym będziesz pracować, będzie częściowo podyktowany jedzeniem, które robisz.
Twoje kolory powinny być również zrównoważone pod kątem braku zbyt wielu kolorów w ramce, co będzie wyglądać chaotycznie.
Tekstura
Jednym z najlepszych sposobów na zwiększenie zainteresowania zdjęciami jest użycie tekstury. Dodaje kontrastu i szczegółów oraz uwydatnia tematy związane z jedzeniem.
Tekstura występuje naturalnie w żywności, ale może być również skutecznie stosowana na tłach i powierzchniach, a także na rekwizytach i pościeli, o ile nie jest przesadzony.
Wiele tekstur w jedzeniu, pościeli i skomponowanych ze sobą tłach może wyglądać na zbyt zajętego i przytłaczać widza.
Edycja obrazów
Adobe Lightroom to doskonały program do przetwarzania końcowego. Jest bardziej intuicyjny i łatwiejszy do nauczenia niż Photoshop.
Zalecam użycie Lightrooma do wykonania globalnych korekt, a następnie dostrojenia obrazu w Photoshopie, jeśli zajdzie taka potrzeba. Na przykład, jeśli musisz popracować nad określonymi obszarami obrazu.
Przyjrzyjmy się najważniejszym narzędziom:
Histogram
Ważne jest, aby mieć podstawową wiedzę na temat histogramu, aby dokonać odpowiednich korekt ekspozycji i tonów na zdjęciu.
Histogram przedstawia zakres tonalny obrazu. Jasność jest wykreślana w skali szarości. Każdy piksel na obrazie jest przypisany do wartości.
Czarny jest po lewej, a biały po prawej. Możesz znaleźć odcienie szarości pomiędzy nimi.
Rozkład tonów na histogramie informuje o ogólnej ekspozycji obrazu.
Duży pik w którymkolwiek z tych regionów oznacza, że obraz ma dużo pikseli przy tej konkretnej gęstości. Otwarta przerwa w histogramie oznacza, że przy tej gęstości nie ma pikseli.
Sprawdź, czy masz silny pik na czarnym lub białym końcu histogramu. Jeśli to zrobisz, Twój obraz może być niedoświetlony lub prześwietlony.
Ogólnie rzecz biorąc, większość obrazów wygląda najlepiej, jeśli zawierają zarówno ciemne, jak i jasne wartości. W przeciwnym razie mogą im brakować kontrastu i wyglądać płasko.
Przycinanie
Dobrym pomysłem jest przycięcie i wyprostowanie obrazu przed rozpoczęciem wprowadzania globalnych poprawek.
Aby wyprostować obraz, zacznij od Przekształć panelu i kliknij -> Automatycznie .
Jeśli to nie zadziała, możesz wypróbować jedno z innych ustawień lub zrobić to ręcznie w Narzędziu do przycinania .
Aby uzyskać dostęp do narzędzia Kadrowanie w Lightroomie, kliknij symbol siatki pod histogramem w górnym panelu. Lub naciśnij R dla skrótu klawiaturowego. Umożliwi to przycięcie obrazu poprzez przesunięcie rogów kursorem.
Zwróć uwagę, że gdy kłódka jest zamknięta na symbolu kłódki, narzędzie przytnie każdą stronę obrazu równomiernie.
Jeśli chcesz dowolnie kształtować kadrowanie, po prostu kliknij je, aby je odblokować.
Balans bieli
Balans bieli w bardzo ważnym aspekcie przetwarzania zdjęć żywności.
Polecam fotografowanie z szarą kartą i dostosowanie balansu bieli w post-processingu. Usuwa to nieprawidłowe przebarwienia i zapewnia, że Twoje biele są naprawdę białe.
Szara karta to kawałek szarego plastiku, który można kupić w sklepie z artykułami fotograficznymi. Jest dokładnie 18% szarości, czego aparat szuka podczas pomiaru sceny.
Zrób zdjęcie z szarą kartą na scenie. W Lightroom weź zakraplacz balansu bieli i kliknij szarą kartę. Automatycznie odczyta prawidłowy balans bieli.
Panel podstawowy
Ten panel to miejsce, w którym możesz dokonać wielu poprawek, zanim zdecydujesz się na ostateczny wygląd.
Ekspozycja wpływa na jasność zakresu tonów na obrazie, jednak bawiąc się cieniami i światłami, a biel i czerń zapewni dokładniejsze zrównoważenie tonów niż poleganie na suwaku Ekspozycji.
Sprawdź, czy jasne obszary wyglądają na zamulone, czy też cienie nadal potrzebują więcej światła. Przesuń suwaki do punktów, w których obraz ogólnie wygląda dobrze.
Prawdopodobnie będziesz musiał wrócić i ponownie dostosować suwak ekspozycji po wprowadzeniu zmian za pomocą innych suwaków.
Jasność i nasycenie
Jasność jest również ważnym suwakiem w edycji fotografii żywności.
To lepsze narzędzie do edycji niż Snasycenie ponieważ jest bardziej subtelny. Dostosowuje mniej nasycone kolory bez wzmacniania już nasyconych.
Żywość najpierw zwiększy nasycenie wyciszonych kolorów, a następnie pozostałych kolorów.
To, czy faktycznie użyjesz suwaka nasycenia, zależy od obrazu. Ogólnie rzecz biorąc, konserwatywne podejście sprawdza się najlepiej podczas edycji fotografii żywności.
Jeśli zdecydujesz się użyć tego suwaka, przesuń go odrobinę w górę, do około +5 lub +6.
Krzywa tonalna
Nowi użytkownicy często znajdują krzywą tonalną trudne, ale jest to jedno z najpotężniejszych narzędzi dostępnych w Lightroomie.
Krzywa tonalna to wykres przedstawiający położenie tonów na obrazach. Dolna oś krzywej tonalnej zaczyna się od cieni po lewej stronie. Kończy się Najciekawszymi po prawej stronie. Tony średnie mieszczą się w środku, w zakresie od ciemniejszych do jaśniejszych. Stają się ciemniejsze, gdy poruszasz się niżej, i jaśniejsze, gdy poruszasz się w górę osi.
Możesz kontrolować jasność i ciemność swoich tonów. Dostosuj Krzywą punktową sam lub Krzywa regionu .
Region ma suwaki dla każdej części zakresu tonalnego. Podczas przeciągania każdego suwaka zmienia się krzywa i obraz.
Aby dokonać korekty za pomocą krzywej punktowej, kliknij obszar, który chcesz zmienić. Stworzy to punkt kontrolny, w którym można kontrolować ton.
Przeciągnięcie punktu w górę rozjaśnia ten ton; przeciągnięcie go w dół przyciemnia go.
Oceń półtony na zdjęciu, aby zobaczyć, czy są już jasne. Jeśli nie, kliknij środek krzywej tonalnej i podnieś punkt.
Jeśli są zbyt jasne, opuść krzywą. Sprawdź inne części obrazu.
Jeśli dopiero zaczynasz naukę krzywej tonalnej, najpierw pobaw się suwakami Region. Zwróć uwagę, jak różne suwaki wpływają na krzywą.
Bez względu na to, które podejście wybierzesz, pamiętaj o obserwowaniu histogramu podczas wprowadzania zmian. W ten sposób upewnisz się, że nie tracisz ważnych szczegółów.
HSL
HSL oznacza odcień , Nasycenie i Jasność . W tym miejscu równoważysz kolory w Lightroomie.
Korekty kolorów są zwykle bardziej subiektywne niż korekty tonalne. Dzieje się tak, ponieważ kolor nadaje zdjęciu nastrój.
W tym panelu są dwa sposoby na dopasowanie kolorów. Możesz dostosować je wszystkie naraz w sekcji HSL/Wszystkie . Lub każdy kolor osobno pod Kolorem zakładka u góry panelu.
Odcień zakładka lub sekcja u góry panelu to miejsce, w którym wybierasz, jak ciepły lub chłodny ma być każdy kolor na obrazie.
Na przykład uważam, że zielenie prawie zawsze wyglądają. Przesuwam zielenie nieco bardziej w lewo lub w prawo, aby wyglądały bardziej realistycznie.
Aby dodać więcej ciepła – czyli więcej żółci – do swoich zieleni, przesuń go w lewo. Aby uzyskać chłodniejszy odcień, przesunięcie go w prawo dodaje więcej niebieskiego.
Nasycenie suwak w panelu podstawowym dostosowuje kolorystykę całego obrazu. Ale suwaki nasycenia tutaj dostosowują każdy kolor indywidualnie.
Jeśli dostosujesz kolor, aby był bardziej nasycony, wpłynie to na nasycenie tego konkretnego koloru na całym zdjęciu.
Niezależnie od tego, czy pracujesz na panelu podstawowym, czy na panelu HSL, nasycenie wymaga lekkiej ręki.
Wreszcie Jasność wpływa na jasność koloru. Te suwaki są bardziej wartościowe niż suwaki nasycenia, więc najpierw pracuj z nimi.
Edycja w Lightroomie polega na równowadze. To samo dotyczy regulacji odcienia, nasycenia i luminancji.
Wyostrzanie
Ostrzenie powinno być ostatnim etapem edycji. Dodaje kontrast między pikselami a krawędziami, co zapewnia wyrazistość i bardziej wyrafinowany wygląd.
However, you don’t need to apply sharpening to the whole image because, in food photography, there is not much point in sharpening the props and the background.
The focus is on the food, so that is what you sharpen.
To do this in Lightroom, mask out the image to select the areas of the image you want to sharpen. Hold down the Alt/Option key while clicking on Masking in the Sharpening panel.
Lightroom will show you where the sharpening is being applied in white. Your image will look like an x-ray.
Slide it to the right. The further right you go, the less the image will be sharpened.
You will find that you will be in the +70-80 range for sharpening for food photography.
Na zakończenie
There is a lot to learn when it comes to shooting food, but hopefully, this guide has given you an overview of what’s involved and some ideas about how you can improve your images.
The more information you have, the more empowered you can be in your creative decisions.
Above all, lots of practice is what is going to take you to the next level in your food photography.