9 niezbędnych cięć, które każdy edytor wideo musi znać

W tym samouczek wideo, zapoznaj się z podstawowymi cięciami, które każdy redaktor powinien znać przed przystąpieniem do kolejnego projektu wideo.

Górny obraz za pośrednictwem fedota1 .

Dla osób postronnych i początkujących montaż jest prawdopodobnie jednym z najbardziej niezrozumiałych elementów tworzenia filmów. Wielu zakłada, że ​​montaż to nic innego jak usuwanie złych i skracanie klipów. Pozornie może to prawda, ale kiedy zamieniamy te założenia w pytania, zbliżamy się do sztuki montażu. Jaki jest zły moment? O ile mogę skrócić ten klip? Te podstawowe pytania i ostatecznie odpowiedzi zmienią sposób trawienia mediów.

Niezależnie od tego, czy montujesz w Premiere, Final Cut Pro X, Resolve czy Avid, edycja jest pełna ważnych decyzji, które w znaczący sposób przyniosą korzyści Twojej historii lub staną się ogromną szkodą. Są to techniki opowiadania historii, a nie szczegóły techniczne dotyczące konkretnego oprogramowania. Są to podstawy, które pomogą Twojemu projektowi znaleźć swój głos i wyróżnić się z tłumu. Przyjrzyjmy się podstawowym podstawom, które każdy redaktor musi znać.

Standardowy Wytnij

W jednym lub dwóch zdaniach:Podstawowym początkiem edycji jest standardowy krój. Jest to cięcie między dwoma różnymi klipami obok siebie.

Pomyśl o tym jako „strzał, strzał reakcji”. To tylko koniec jednej akcji i początek drugiej. Może to mieć miejsce podczas sceny lub od sceny do sceny. Nie ma tu zbyt dużego znaczenia, ale ważne jest, aby wiedzieć, kiedy takie cięcie może być przydatne – a nawet konieczne. Jeśli tniesz film reklamowy lub firmowy, najprawdopodobniej po prostu przekażesz podstawowe informacje w bardzo uporządkowany sposób, bez żadnych błysków i zamieszania.

Chociaż można nauczyć się praktyki oprogramowania do edycji (tutaj możesz nauczyć się DaVinci Resolve), pojęcie, kiedy trochę przyciąć, nie może. Do pewnego stopnia jest to intuicyjne uczucie. I podobnie jak rysowanie, opanowanie wymaga czasu. Polecam jednak książkę słynnego redaktora Waltera Murcha zatytułowaną W mgnieniu oka:perspektywa montażu filmów . Na 146 stronach Murch, redaktor Czasu Apokalipsy i Jarhead , omawia podstawowe informacje o wyczuciu, kiedy należy przyciąć, oraz o tym, jak możesz pomóc pielęgnować intuicję redaktora.

J-cut

W jednym lub dwóch zdaniu:w cięciu w kształcie litery J będzie dźwięk z następnego klipu wideo, który przejdzie do następnego ujęcia przed zakończeniem pierwszego ujęcia.

J-cut to absolutnie niezbędna edycja do łączenia scen. Czasami może się okazać, że Twoja edycja wydaje się nagła, mimo że jest praktycznie zdrowa. Może to być edycja, która łączy krajobraz plaży z wnętrzem samochodu, w którym dwie osoby prowadzą rozmowę. Choć standardowy krój jest odpowiedni, zestawienie spokojnej plaży z hałaśliwym wnętrzem samochodu może wydawać się ostre. Używając cięcia w kształcie litery J, możesz zmniejszyć intensywność tej edycji, przesuwając dźwięk pod klipem 1 i powoli zanikając do pełnej głośności, aż osiągnie początek klipu 2. To jest cięcie w kształcie litery J.

Dodatkowo, w scenie konwersacji użyto by J-cut (i L-cut), aby powiązać dźwięk z poprzedzającego klipu, aby rozmowa wyglądała naturalnie. Jeśli przejdziemy do postaci tylko wtedy, gdy mówi, scena może wydawać się mechaniczna.

Jak zauważono na diagramie, cięcie w kształcie litery J ma swoją nazwę, ponieważ dźwięk z klipu 2 przesuwa się pod klipem 1 przed zakończeniem klipu 1 i tworzy kształt litery J.
Pomysł polega na tym, aby poprowadzić publiczność do następnego ujęcia z dźwiękiem. To prosty, ale oczywisty efekt, który zrobi wielką różnicę, gdy zobaczysz i usłyszysz go w akcji.

L-Cut

W jednym lub dwóch zdaniu:podczas cięcia w kształcie litery L dźwięk z pierwszego ujęcia przenika do drugiego ujęcia.

Nie ma wiele do powiedzenia na temat cięcia L, a to dlatego, że wyjaśniłem wszystko w sekcji J-Cut. Tak, L-cut jest taki sam jak J-Cut. Jednak zamiast dźwięku z klipu 2 wchodzącego do klipu 1, cięcie L przeciąga dźwięk bieżącego klipu do następnego ujęcia — i tworzy kształt litery L.

Poza scenami konwersacyjnymi, mimo że ten efekt jest przeciwieństwem cięcia w kształcie litery J, może mieć znacznie inny wpływ na to, jak ludzie słyszą i widzą twoje sceny. Korzystając z przykładu z J-Cut, usłyszenie dźwięku z samochodu najpierw zaprasza nas do następnej sceny. Gdybyśmy mieli użyć cięcia w kształcie litery L i nagrać dźwięk z klipu 1, plaża, podążaj za nami do klipu 2, samochód. Wywoływałoby to poczucie melancholii lub nostalgii za tym miejscem. Postać nadal jest psychicznie na plaży, podczas gdy fizycznie jest w samochodzie.

Aby uzyskać więcej informacji na temat krojów J i L, zapoznaj się z naszym samouczkiem poniżej.

Trzy powyższe cięcia stanowią podstawę większości edycji, a poza kilkoma przejściami nie ma zbyt wielu innych aranżacji dla twoich mediów. Jednak co może zmiana to sposób postrzegania Twoich zmian, a to będzie podyktowane tym, co edytujesz obok aktywnego ujęcia.

Przyjrzyjmy się kilku technikom stosowanym przez profesjonalistów.

Skokowe cięcie

W zdaniu lub dwóch:Przeskok polega na tym, że pojedyncze ujęcie jest wcinane do przodu, przez co obiekt pojawia się sporadycznie w kadrze. Zwykle używany do oznaczenia przesunięcia w czasie.

Skaczący krój zapewnia szybki i zabawny sposób na przykucie uwagi odbiorców. Technika jest prosta:weź długi klip (długie ujęcie) i pokrój go, aby twoje postacie skakały w czasie. To wstrząsający widok, ale dzięki komediom i vlogerom z YouTube, wyskok został zakorzeniony w naszej zbiorowej podświadomości jako realny sposób na przyspieszenie sceny.

Ze względu na natrętny charakter wyskoku nie jest to technika często stosowana w telewizji czy filmie. To dlatego, że uświadamia nam to edycję. Kiedy został wykorzystany w filmie, zwykle służy do efektu komediowego.

Jednak, jak zauważył filmowiec David F. Sandberg (Shazam ), ma również na celu wypróbowanie praktycznych produktów w horrorach i filmach akcji.

Montaż

W jednym lub dwóch zdaniach:montaż to klipy z serii, które pokazują zmianę czasu, osoby lub lokalizacji.

Montaż pojawił się w niektórych z największych filmów akcji, komedii, a nawet horrorów w kinowej podstawie. Montaż pokazuje upływ czasu i oddaje rozwój postaci w możliwie najpłynniejszy sposób.

Wykorzystywany w filmach akcji lub w filmach próbujących przywołać nostalgiczne podobieństwo do montażu akcji z lat 80., ten krój jest zwykle używany do pokazywania treningu bohatera przed kolejną wielką rzeczą. Podczas Rocky nie był pierwszym filmem, w którym wykorzystano montaż, trudno zakwestionować wpływ, jaki film bokserski miał na popularność montaży, zwłaszcza z supergwiazdowym motywem „Gonna Fly Now”.

Od Rocky montaż treningowy był używany w niezliczonych mediach, od animacji poklatkowej po anime.

Montaż możesz wykonać na kilka różnych sposobów. Podczas gdy przeskok zależy od miejsca i sceny, montaż jest sekwencją. Wrzuć chwytliwą piosenkę do materiału, na którym twoje postacie próbują osiągnąć cel. Pokrój go, utrzymuj odpowiednią długość, a montaż jest udany. W przypadku długich upływów czasu pamiętaj, aby przenosić klipy z efektem cross-dissolve

Jeśli filmujesz montaż szkoleniowy, pamiętaj o włączeniu następujących elementów, aby uzyskać bardziej skomplikowaną sekwencję montażu:

• Wiele kostiumów
• Różne pory dnia
• Różne wzorce pogodowe

Cięcie w akcji

W jednym lub dwóch zdaniu:cięcie akcji polega na przejściu od jednego ujęcia do innego kąta, który płynnie pasuje do akcji pierwszego ujęcia

Być może najważniejszym i najbardziej znanym cięciem jest „cięcie w akcji”. Więc co to jest? Po prostu:cięcie w środku postaci wykonującej jakąś akcję, taką jak poruszanie się, obracanie głową, kopanie, skakanie, bieganie itp. To po prostu płynny sposób na przeniesienie wzroku widza z jednego ujęcia na drugie, nie zdając sobie sprawy, kiedykolwiek cięcie. To cięcie jest możliwe tylko wtedy, gdy masz wystarczające pokrycie ujęcia, w tym ujęcia szerokie, bliskie i średnie. Dzięki temu będziesz mieć więcej do pracy podczas edycji.

W powyższym przykładzie cięcie następuje po zamachu baseballisty. Ponieważ cięcie pasuje do akcji z poprzedniego strzału, zachowuje poczucie energii kinetycznej.

Obejrzyj co najmniej sześćdziesiąt sekund głównej walki Kapitan Ameryka:Zimowy żołnierz sekwencja poniżej. Cięcie na akcję pomaga promować poczucie energii podczas edycji.

Działanie z natury jest kinetyczne. Rzucisz kamieniem w okno, okno się rozbije, a kamień spadnie z drugiej strony. Jednak oglądanie tego z perspektywy obserwatora jest pasywne, a kręcenie filmów pozwala urozmaicić te chwile. W kręceniu filmów akcję należy nie tylko oglądać; trzeba to również odczuć.

Jednak termin akcja nie definiuje czegoś zorientowanego na działanie, jak cegła rzucona przez okno. Może to być tak proste, jak detektyw otwierający teczkę nagraną na średnim ujęciu, a gdy walizka jest w połowie otwarta, przechodzimy do zbliżenia. Ale działanie otwierania obudowy pozostaje stałe przez cały czas, zachowując energię kinetyczną ruchu.

Cięcie poprzeczne

W jednym lub dwóch zdaniach:Przecinanie to forma edycji, która ustanawia dwie sekwencje w oddzielnych lokalizacjach, aby występowały w tym samym czasie.

Choć wydaje się to trudniejsze niż w rzeczywistości, przekrojowe jest idealnym sposobem na opowiedzenie dwóch historii jednocześnie. Zwykle te dwie narracje rozgrywają się jednocześnie, więc przetniesz je obie. Technika jest tak prosta, jak pokazanie jednej postaci, która coś robi, a następnie przejście do innej postaci w innym miejscu, która robi coś innego, a następnie powrót do pierwszej postaci. Doskonalenie czasu i narracyjnego „zegara zabawy” może być trudne, ale jest to doskonały sposób na opowiedzenie dwóch historii naraz. Celem przekrojowego jest zbudowanie napięcia i stworzenie poczucia zakresu — świata wystarczająco dużego, wartego obejrzenia.

Jednym z najbardziej godnych uwagi przykładów przekrojów jest Incepcja Christopher Christophera Nolana . Pod koniec filmu bohaterowie są przemieszczani przez kilka warstw „światów snów”, a wydarzenia z każdego świata są odczuwane w sobie nawzajem. Podczas ostatniego aktu nieustannie cofamy się między osiami czasu.

Ze względu na charakter przekrojów sprawdza się tylko przy drobiazgowym planowaniu. Jeśli myślisz o stworzeniu historii z uwzględnieniem przekrojów, szybką wskazówką byłoby najpierw złożyć obie edycje, a następnie edytować skompilowane sekwencje razem.

Przekrój

W jednym lub dwóch zdaniu:Przerywnik to zawieszenie stale kręconej sekwencji poprzez odcięcie do ujęcia czegoś innego.

Służąc bardziej jako wypełniacz niż cokolwiek innego, cutaway to ujęcia wstawione w scenę, które pomagają widzowi zrozumieć otoczenie postaci. Możesz to zrobić, wyciągając z B-roll na miejscu. Wcięcia mogą być szerokie, zbliżenia lub średnie ujęcia. Tylko upewnij się, że nie odcinasz się w środku znaczącej linii lub momentu.

W powyższym klipie jest niestety środkowa sekwencja poruszenia aparatu. Jeśli jednak wytniemy wstawkę, możemy zamaskować (fikcyjny) błąd operatora.

Nie ma zbyt wielu informacji, które należy wyjaśnić na temat przekrojów; robią dokładnie tak, jak zatytułowane. Często stwierdzam, że przecięcia mogą służyć jako opatrunek, gdy jest problem z materiałem filmowym, ale nadal potrzebujemy dźwięku. Być może ktoś kopie statyw, a aparat nagle się trzęsie, albo talent za bardzo się wymyka. Jeśli tak, użyj wycięcia, aby zamaskować błąd. Oczywiście, jak już wspomniano, możesz to zrobić tylko wtedy, gdy materiał został już nagrany.

Dopasuj cięcie

W jednym lub dwóch zdaniach:Dopasowanie to edycja, która wykorzystuje elementy z poprzedniego ujęcia do przejścia do następnej sceny. Następna scena jest zwykle zupełnie inna niż pierwsza scena.

Być może najbardziej frapujący wizualnie krój, cięcie na zapałkę, pozwala przenieść oczy widza do następnego ujęcia, zanim zorientuje się, że to się stało. Pomysł jest prosty:tniesz, gdy twoja postać się porusza lub robi coś i kończy ruch w innym miejscu lub inną postacią w następnym ujęciu. Tworzy to płynny ruch, który sprawia, że ​​oczy widzów poruszają się w dowolnym kierunku.

Cięcie dopasowujące nie jest często używane, ponieważ zwraca uwagę na edycję; staje się zauważalne, gdy chcesz, aby zmiana pozostała niewidoczna. Jednak, gdy jest używany i gdy jest używany prawidłowo, cięcie na zapałkę doprowadziło do powstania jednych z najbardziej pamiętnych kawałków w kinie. Prawdopodobnie najbardziej godnym uwagi przykładem jest 2001:Odyseja kosmiczna z dopasowaniem kości do stacji kosmicznej.

Chociaż jest używany głównie z grafiką, dopasowanie dopasowujące można również zaimplementować z dźwiękiem. Szybkim przykładem może być złoczyńca ukrywający się przed wystrzeleniem pistoletu w kierunku bohatera, a gdy tylko pociąga za spust, przechodzimy do dong dzwonu kościelnego w innym miejscu. Ponieważ dong dzwonka i huk pistoletu mają podobne właściwości słyszalne, cięcie będzie pasować płynnie.

Aby uzyskać więcej informacji na temat edytowania wskazówek i sztuczek, zapoznaj się z niektórymi z naszych wcześniejszych relacji tutaj:

• Jak edytować własne klipy wideo
• 5 szybkich wskazówek, jak zacząć korzystać z After Effects
• Czyszczenie zaszumionych filmów w 30 sekund
• 10 rodzajów ujęć i kątów, które każdy filmowiec powinien znać
• Zestaw narzędzi do edycji wideo:ponad 220 bezpłatnych animacji, ustawień wstępnych, nakładek i nie tylko