1. Zrozumienie neutralnych tonów:
* czym są: Neutralne tony to kolory, które nie mają silnego nasycenia lub odcienia. Pomyśl o nich jako o podstawie, na której budowane są twoje kolory. Przykłady obejmują:
* Grays: Czyste szarości, od czarnego do białego, tworzą kręgosłup zasięgu tonalnego.
* Beiges and Tans: Ziemskie i naturalne.
* kremy i białe: Miękkie i subtelne.
* desaturowane brąz i zielenie: Powszechne w naturalnych krajobrazach.
* Dlaczego są ważne: Tworzą poczucie równowagi i realizmu. Pozwalają twoimi kluczowymi kolorami bez przytłaczania. Przyczyniają się również do ogólnego nastroju i atmosfery obrazu.
2. Punkt wyjścia:dokładny równowaga białych:
* Strzelanie RAW: Kluczowe dla zachowania najwięcej informacji i elastyczności podczas edycji.
* Ustawienie bilansu białego: Spróbuj zrobić to w aptece. Wybierz odpowiednie ustawienie wstępne (np. Światło dzienne, pochmurne, cień) w oparciu o warunki oświetlenia.
* Dostosowanie w poście: Użyj oprogramowania do edycji, aby dopracować bilans biały. Poszukaj narzędzi takich jak „selektor bilansu białego” lub suwaki dla „temperatury” i „odcienia”. Cel naturalny wygląd, unikając zbyt ciepłych (żółtych/pomarańczowych) lub chłodnych (niebieskich) odlewów.
3. Korekty tonalne (kontrast, wyświetlenia, cienie):
* subtelność jest kluczowa: Unikaj ekstremalnych korekt. Nadmierny kontrast sprawia, że krajobrazy wyglądają ostro i nienaturalnie.
* Podprawy: Delikatnie obniża zbyt jasne obszary (niebo, śnieg), aby odzyskać szczegóły. Niewielka redukcja może mieć dużą różnicę.
* Shadows: Ostrożnie podnieś cienie, aby ujawnić szczegóły w ciemniejszych obszarach. Uważaj, aby nie wprowadzać zbyt dużego hałasu. Stopniowe korekty są lepsze.
* białka i czarni: Suwaki te mogą subtelnie rozszerzyć zakres tonalny. Użyj ich oszczędnie, aby dodać odrobinę uderzenia bez przycinania (utrata szczegółów w najjaśniejszych lub najciemniejszych obszarach).
* krzywe: Oferuj drobnoziarnistą kontrolę nad regulacjami tonalowymi. Krzywa „s” ogólnie zwiększa kontrast, ale * bardzo * płytka krzywa „s” jest preferowana dla realistycznych krajobrazów.
4. Regulacja kolorów (nasycenie, wibracja, odcień):
* vibrance vs. nasycenie:
* Nasycenie: Wpływa na * wszystkie * kolory jednakowo. Nadużywanie może prowadzić do nienaturalnych, kreskówkowych rezultatów.
* vibrance: Wpływa bardziej na * mniej nasycone * kolory. Bezpieczniejsza opcja zwiększania koloru bez przesadzania.
* selektywne korekty kolorów: Użyj paneli odcienia, nasycenia i luminancji (HSL), aby dostosować poszczególne kolory. Na przykład:
* Zieloni: Dostosuj odcień zieleni, aby były bardziej naturalne (mniej żółtawe lub niebieskie). W razie potrzeby nieznacznie zmniejsz nasycenie.
* blues (niebo): Subtelny wzrost nasycenia niebieskiego może poprawić niebo, ale unikaj, aby wyglądał elektryczny.
* żółcie/pomarańcze (zachód słońca/wschód słońca): Kontroluj intensywność ciepłych tonów realistycznych zachodów słońca.
* Gradowanie kolorów: Służy do dodawania subtelnego koloru do wyświetleń, środkowych i cieni. Użyj tego oszczędnie, aby stworzyć określony nastrój, ale unikaj ekstremalnych zmian kolorów.
5. Regulacja lokalna (za pomocą szczotek lub gradientów):
* Filtry dyplomowe: Idealne do przyciemnienia nieba lub zrównoważenia ekspozycji między niebo a pierwszym planem.
* pędzle regulacji: Użyj ich, aby selektywnie dostosować ekspozycję, kontrast, nasycenie lub inne ustawienia w określonych obszarach obrazu. Na przykład przyciemnij krawędzie ramy, aby przyciągnąć oko widza do środka.
* Dodge and Burn: Techniki subtelnie rozjaśniające (Dodge) lub ciemne (spalanie) określone obszary. Może to dodać głębokość i wymiar.
6. Ostrość i redukcja szumów:
* ostrość: Używaj rozsądnie. Nadmierne ostrzeżenie wprowadza halo i artefakty. Zastosuj ostrość selektywnie, koncentrując się na obszarach, które najbardziej jej potrzebują.
* Redukcja szumu: Zastosuj redukcję szumów, aby zmniejszyć ziarnistość, szczególnie w cieniu. Uważaj, aby nie wyrzucić obrazu, co może sprawić, że będzie wyglądał sztucznie.
7. Ogólne wskazówki dotyczące realizmu:
* Spójrz na surowy obraz: Zanim zaczniesz edytować, spójrz na surowy obraz. Zrozum, co już tam jest i co należy dostosować.
* Zdjęcia referencyjne: Przestudiuj inne zdjęcia krajobrazowe, które podziwiasz, zwracając uwagę na ich kolory, tony i atmosferę. Użyj ich jako punktu odniesienia.
* odejdź: Rób przerwy podczas edycji. To pozwala wrócić ze świeżymi oczami i unikać nadmiernej edycji.
* Zoom w: Powiększ do 100%, aby sprawdzić artefakty, hałas i nadmierne ostrzeżenie.
* mniej jest więcej: Pamiętaj o mantrze realistycznej edycji:mniej Is więcej. Subtelność jest kluczowa.
* Zaufaj swoim oczom: Ostatecznie najlepsza edycja to ta, która wygląda najbardziej naturalnie i przyjemnie *.
Przykładowy przepływ pracy (uproszczony):
1. Bilans biały: Dostosuj się do naturalnie wyglądającej równowagi.
2. Ekspozycja: W razie potrzeby dostosuj ogólną jasność.
3. Podprawy i cienie: Odzyskaj szczegóły w podkreśleniach i cieniach.
4. Contrast: Dokonaj małych korekt kontrastowych.
5. Vibrance: Lekko wzmocnić wibrację.
6. HSL (poszczególne kolory): Popraw indywidualne kolory realizmu (Zieloni, Blues).
7. Lokalne korekty: Filtr ukończony na niebo, szczotka dla określonych obszarów.
8. Wyostrzenie: Zastosuj umiarkowaną ilość ostrzania.
9. Redukcja szumu: W razie potrzeby zmniejszyć hałas.
Koncentrując się na neutralnych tonach, dokonując subtelnych korekt i zwracając uwagę na szczegóły, możesz tworzyć zdjęcia krajobrazowe, które są zarówno oszałamiające, jak i realistycznie uziemione. Pamiętaj, że celem jest ulepszenie piękna, które już tam jest, a nie stworzenie czegoś zupełnie nowego.