i. Przygotowanie i planowanie:Układanie podstaw dla kreatywności
* 1. Zdefiniuj swoją wizję:
* Jaką historię chcesz opowiedzieć? To najważniejsza część. Czy dążysz do:
* tajemnica?
* siła?
* podatność?
* surrealizm?
* Joy?
* określona epoka (retro, futurystyka)?
* Komentarz społeczny?
* Zapisz swoją podstawową koncepcję w zdaniu lub dwóch. Na przykład:„Portret pokazujący wewnętrzną siłę modelu poprzez kontrastowe światło i ciemność, wywołując poczucie odporności”.
* Board i inspiracja: Zbieraj obrazy, obrazy, zdjęcia filmowe, tekstury, kolory i wszystko, co jest zgodne z twoją wizją. Witryny Pinterest, Instagram i ART to świetne źródła. Pomaga to wizualizować pożądaną estetykę. Nie kopiuj bezpośrednio, ale używaj go jako trampoliny.
* Techniki badawcze: Przeglądaj określone techniki fotografii kreatywnej, które chcesz wypróbować (więcej na ten temat później).
* 2. Wybór i współpraca modelu:
* Wybierz model, który uzupełnia twoją wizję: Rozważ ich osobowość, spojrzenie i gotowość do eksperymentowania. Dobre dopasowanie robi * ogromną * różnicę.
* Przekaż swoją wizję: Wyraźnie wyjaśnij swoją koncepcję, nastrój, który zamierzasz, i ogólną estetykę. Udostępnij swoją tablicę nastroju.
* obejmują model: Poproś o ich wkład i pomysły. Współpraca prowadzi do bardziej kreatywnych wyników. Ich energia i pewność siebie powinny odzwierciedlać wizję.
* 3. Lokalizacja harcerstwo i pozwolenie (w razie potrzeby):
* Rozważ atmosferę: Lokalizacja powinna ulepszyć Twoją historię. Pomyśl poza typowymi lokalizacjami portretowymi.
* Szukaj interesujących elementów: Unikalna architektura, naturalne tle, tekstury, wzory i źródła światła.
* Scout o różnych porach dnia: Obserwuj, jak zmienia się światło i jak wpływa na nastrój lokalizacji.
* Uzyskaj uprawnienia: W przypadku strzelania na własności prywatnej lub w przestrzeniach publicznych wymagających pozwoleń, wykonaj niezbędne dokumenty.
* 4. Sprzęt:
* kamera: DSLR lub aparat bezlusterkowy jest idealny, ale smartfon może działać w szczycie.
* soczewki: Wybierz soczewki na podstawie swojej wizji.
* 50 mm: Wszechstronny, świetny do portretów z dobrym rozmyciem tła.
* 85 mm: Doskonałe do pochlebnych portretów o płytkiej głębokości pola.
* 35 mm: Może być używany do portretów środowiskowych, pokazujących więcej otoczenia.
* szeroko zaklenia: Może tworzyć dramatyczne, zniekształcone perspektywy (użyj oszczędnie).
* oświetlenie:
* naturalne światło: Złota godzina (krótko po wschodzie słońca i przed zachodem słońca) jest piękna. Ogromne dni zapewniają miękkie, rozproszone światło. Naucz się używać odbłyśników do odbicia światła i wypełnienia cieni.
* sztuczne światło (światła błyskawiczne/stroby): Niezbędne do kontrolowania światła i tworzenia dramatycznych efektów. Rozważ softboxy, parasole i żele.
* akcesoria:
* reflector: Odbija światło, aby wypełnić cienie.
* dyfuzor: Zmiękcza ostre światło.
* żele: Dodaj kolor do swoich świateł.
* rekwizyty: Rozważ rekwizyty, które ulepszają twoją koncepcję (patrz następny krok).
* statyw: Dla ostrych obrazów w słabym świetle lub podczas stosowania długich ekspozycji.
* 5. Rekwizyty i garderoba:
* Wybierz rekwizyty strategicznie: Rekwizyty powinny mieć znaczenie i przyczyniać się do historii. Unikaj rekwizytów, które rozpraszają lub banalne. Przykłady:książki, maski, kwiaty, przedmioty vintage, instrumenty muzyczne.
* garderoba jako opowiadanie: Odzież powinna uzupełnić model i ogólny nastrój. Rozważ palety kolorów, tekstury i sylwetki. Jeśli to możliwe, współpracuj ze stylistą.
* włosy i makijaż: Są one kluczowe dla ustawienia tonu. Naturalny makijaż lub odważny makijaż może zwiększyć wygląd. Rozważ styl włosów, który można wybrać z motywem.
ii. Strzelanie:ożywianie swojej wizji
* 1. Komunikacja i pozowanie:
* bezpośrednio z życzliwością: Poprowadź swój model przez pozy. W razie potrzeby zademonstruj.
* Skoncentruj się na emocjach: Zachęcaj do prawdziwych wyrażeń. Porozmawiaj ze swoim modelem, aby wywołać pożądane uczucia.
* Eksperyment z pozami: Nie bój się wypróbować niekonwencjonalnych pozów. Zastanów się nad pozowaniem inspiracji z obrazów renesansowych.
* Candid Moments: Uchwyć szczere momenty między pozami dla autentycznych wyrażeń.
* 2. Oświetlenie opanowania:
* Zrozumieć kierunek światła:
* przednie oświetlenie: Płaskie, minimalizuje cienie.
* oświetlenie boczne: Tworzy dramatyczne cienie i atrakcje.
* Podświetlenie: Tworzy sylwetkę lub światło obręczy.
* Top Lighting: Może rzucić niepochlebne cienie.
* Eksperymentuj ze współczynnikami oświetlenia: Stosunek między światłem kluczowym (głównym światłem) a światłem wypełniającym określa kontrast na twoim obrazie.
* Temperatura kolorów: Pamiętaj o temperaturze kolorów źródła światła (światło dzienne, wolfram itp.). Użyj ustawień bilansu białego, aby skorygować odlewy kolorów lub tworzyć określone nastroje.
* 3. Techniki kreatywne (tutaj „kreatywne” naprawdę zaczyna się!)
* Centencyjny ruch aparatu (ICM): Celowo przesuń aparat podczas długiej ekspozycji, aby stworzyć rozmycie ruchu. Może to dodać poczucie dynamizmu lub surrealizmu.
* Podwójna ekspozycja: Połącz dwa lub więcej obrazów w jedno. Może to tworzyć efekty snów lub surrealistyczne. Niektóre kamery mają to wbudowane lub możesz to zrobić w przetwarzaniu po przetwarzaniu.
* Flare soczewki: Używaj kreatywnie obiektywu, aby uzyskać marzycielski lub eteryczny wygląd. Strzelaj bezpośrednio w słońce (uważaj, aby nie uszkodzić oczu).
* Lekkie malarstwo: Użyj latarki lub innego źródła światła, aby „pomalować” światło na temat podczas długiej ekspozycji.
* Refleksje: Użyj luster, kałuż lub innych odblaskowych powierzchni, aby dodać głębokość i zainteresowanie swoim obrazom.
* sylwetki: Umieść temat na jasnym tle, aby stworzyć sylwetkę.
* bokeh: Utwórz rozmyte tło przy użyciu szerokiej apertury (niski numer F) i długiej ogniskowej.
* Kreatywne użycie czasu otwarcia migawki: Szybka migawka do ruchu zamarzania. Powolna migawka do rozmycia ruchu.
* Zastosowanie żeli kolorów na światłach: Eksperyment z żelem, aby wprowadzić kolory.
* 4. Kompozycja:
* Zasada trzeciego: Podziel swój obraz na dziewięć równych części z dwoma poziomymi i dwoma pionowymi liniami. Umieść temat na skrzyżowaniu tych linii lub wzdłuż jednej z linii.
* wiodące linie: Użyj linii, aby poprowadzić oko widza do tematu.
* kadrowanie: Użyj elementów w scenie, aby oprawić temat (np. Drzwi, łuki, drzewa).
* Symetria i wzory: Użyj symetrii lub powtarzających się wzorów, aby uzyskać atrakcyjną wizualnie kompozycję.
* przestrzeń ujemna: Użyj pustej przestrzeni, aby stworzyć poczucie równowagi i zwrócić uwagę na swój temat.
* 5. Eksperymentuj i przełam reguły:
* Gdy zrozumiesz zasady fotografii, nie bój się ich złamać! Eksperymentuj z różnymi technikami i kompozycjami, aby znaleźć własny unikalny styl. To jest kluczowe.
* Podejmij ryzyko. Nie każdy strzał zadziała, ale tak się uczysz i rozwijasz.
* Przejrzyj swoje zdjęcia podczas fotografowania i wprowadzania korekt w razie potrzeby.
iii. Processing:Polerowanie arcydzieła
* 1. Oprogramowanie: Adobe Lightroom, Capture One, Photoshop to standardy branżowe. Bezpłatne alternatywy obejmują GIMP i Darktable.
* 2. Podstawowe korekty:
* Ekspozycja: Popraw ogólną jasność obrazu.
* kontrast: Dostosuj różnicę między najlżejszymi i najciemniejszymi obszarami obrazu.
* Bilans biały: Prawidłowe odlewy kolorów i zapewnij dokładne kolory.
* Podprawy i cienie: Odzyskaj szczegóły na wyświetleniach i cieniach.
* Clarity &Dehaze: Dodaj ostrość i zmniejsz mgłę.
* 3. Kreatywna edycja:
* Gradowanie kolorów: Dostosuj kolory, aby stworzyć określony nastrój lub styl.
* unikanie i spalanie: Rozjaśnij lub ciemnienie określone obszary obrazu, aby podkreślić niektóre cechy lub stworzyć poczucie głębokości.
* retuszowanie: Usuń wady, zmięknij skórę i ulepsz funkcje. Pamiętaj o nadmiernym urechowaniu.
* Dodawanie tekstur: Nakładaj tekstury, aby dodać zainteresowanie wizualne.
* Dodawanie efektów: Eksperymentuj z efektami takimi jak ziarno filmu, winieta lub rozmycie.
* Czarno -biała konwersja: Twórz dramatyczne i ponadczasowe obrazy, przekształcając się w czarno -biały.
* 4. Retuszowa skóra (używaj oszczędnie): Unikaj nadmiernego urechowania. Celem jest ulepszenie, a nie utworzenie nierealistycznej wersji modelu. Użyj rozdziału częstotliwości lub innych technik, aby wygładzić skórę, zachowując teksturę.
* 5. Ostateczne dotknięcia:
* wyostrzenie: Dodaj końcową warstwę wyostrzenia, aby obraz pop.
* Redukcja szumu: Zmniejsz szum (ziarnistość) na obrazie.
* Crop: Przygotuj obraz, aby poprawić skład.
iv. Ćwicz i eksperymentowanie
* Ćwicz regularnie: Im więcej strzelasz, tym lepiej się staniesz.
* Przeanalizuj swoją pracę: Krytyj własne obrazy i zidentyfikuj obszary poprawy.
* Szukaj informacji zwrotnej: Podziel się swoją pracą z innymi fotografami i poproś o konstruktywną krytykę.
* pozostań inspirowany: Nadal patrz na pracę innych fotografów, artystów i filmowców, aby pozostać zainspirowani.
* Ciągle eksperyment: Nigdy nie przestawaj próbować nowych technik i podejść. Najlepsze kreatywne portrety pochodzą z przekraczania granic tego, co jest możliwe.
Kluczowe wyniki:
* widzenie jest najważniejsze: Zacznij od jasnego pomysłu.
* Współpraca jest kluczowa: Pracuj ze swoim modelem, stylistą i innymi kreatywami.
* oświetlenie to wszystko: Opanuj sztukę światła.
* Eksperymentuj i przełóż reguły: Nie bój się próbować nowych rzeczy.
* Processing jest rozszerzeniem Twojej wizji: Użyj go, aby ulepszyć swoje obrazy.
* Ćwicz, ćwicz, ćwicz: Im więcej strzelasz, tym lepiej.
Postępując zgodnie z tymi krokami, możesz stworzyć kreatywną fotografię portretową, która jest zarówno technicznie solidna, jak i artystycznie przekonująca. Powodzenia i baw się dobrze tworząc!