Sceny walki dodają emocji praktycznie każdej historii. Jednak uczynienie z nich dynamicznych urządzeń do opowiadania historii nie jest tak proste, jak ustawienie kamery i danie aktorom dubbingu. Właściwa choreografia walki jest kluczowa. Jeśli chcesz tworzyć wiarygodne sceny walki, które angażują publiczność, potrzebujesz pomocy.
W walce od początku
Jeśli chcesz, aby Twoje sceny akcji się rozwijały, musisz zacząć je planować na najwcześniejszych etapach preprodukcji. Jeszcze przed przejściem do etapu choreografii należy podjąć szereg decyzji:
Wybierz swój styl – Rodzaj walki w twoim projekcie będzie zależał od fabuły. Musisz więc wcześnie zdecydować się na podgatunek. Od ulicznych bójek przez MMA po bardziej płynnych mistrzów sztuk walki – musisz upewnić się, że styl walki, którego używasz, pasuje do tonu historii. W końcu opowieść o drobnym awanturniku, który próbuje dostać się do profesjonalnego obwodu, prawdopodobnie nie miałaby sensu w scenach walki w stylu Matrixa.
Znajdowanie osób – Oparcie się na jednym stylu walki pomoże w poszukiwaniach choreografa i castingu. Będziesz chciał wybrać kogoś, kto jest biegły w tym konkretnym stylu, aby nadać swoim walkom autentyczność, której potrzebują.
Podczas gdy filmy o dużym budżecie mają luksus szkolenia aktorów i planowania choreografii walki na kilka miesięcy przed kręceniem, projekt o mniejszym budżecie może nie. Dlatego może lepiej znaleźć aktorów, którzy mają już rozległe szkolenie.
Lokalizacja – Ustawienie sceny walki dramatycznie wpływa na twoje planowanie i choreografię. Nawet coś tak prostego, jak walka w zaułku, wiąże się z kilkoma czynnikami do rozważenia. Czy postacie będą korzystać ze śmietników, słupów na media lub innych elementów, które zwykle znajdują się w alejce? Czy istnieją przedmioty (rury, potłuczone butelki, kosze na śmieci itp.), które można wykorzystać jako broń? Odpowiedzi na te pytania uwzględniają nie tylko choreografię, ale także rekwizyty, których będziesz potrzebować na planie.
Kto jest zaangażowany – Częścią łamania twojego scenariusza jest zauważenie, kto będzie potrzebny na planie przed i za kamerą. Nawet małe sceny walki gwarantują, że mają wokół siebie ekspertów od bezpieczeństwa kaskaderskiego. Każdy mistrz sztuk walki powie ci, że zdarzają się wypadki, bez względu na poziom umiejętności danej osoby. W związku z tym upewnij się, że masz na planie niezbędnych członków zespołu.
Wynik – Poza wiedzą, kto wygrywa (na podstawie scenariusza), należy wziąć pod uwagę wtórne reperkusje. Jeśli postacie odniosą obrażenia podczas walki, może to wpłynąć na nie w dalszej części historii lub w przyszłych bitwach. Podobnie, jeśli kluczowe rekwizyty zostaną zniszczone podczas walki, będziesz chciał zapewnić ciągłość historii poza tym punktem.
Logistyka choreografii walki
Ogólnie rzecz biorąc, będziesz chciał pozostawić szczegóły walki swojemu choreografowi. Należy jednak pamiętać o czterech podstawowych zasadach:blokowanie, przepływ, zmienność i ciągłość. Każdy element działa razem, aby stworzyć walkę, która (miejmy nadzieję) będzie interesująca dla widzów, bez względu na to, ile razy obejrzą.
Kiedy myślisz o choreografii swojej sceny walki, kluczowa jest różnorodność. Nie chcesz powtarzających się scen walki, które znudzą tylko widzów. Flow, nadaje tempo i zapewnia ciągłą walkę. Walki, które kończą się i rozpoczynają po zaledwie kilku ruchach, są pozbawione napięcia i odczuwalne dla widzów. Wyobraź sobie scenę walki jak fale na oceanie. Pojawią się wyrwy (spowolnienie dla dialogu), ale walki powinny stale rosnąć i zwiększać intensywność przed osiągnięciem szczytu.
Ciągłość w choreografii to nie tylko zapewnienie, że ciosy i kopnięcia następują po sobie od strzału do strzału. Musisz także zapobiegać rozłączeniu się między ważnymi czynnościami. Powiedzmy, że jedna postać podnosi broń, ale kilka ataków później w niewytłumaczalny sposób ją upuszcza. To nie ma sensu i bez jakiegoś wyjaśnienia ciągłości tylko zdezorientuje odbiorców.
Przygotowanie do strzelania
Kiedy kończysz swoją choreografię i jesteś o krok bliżej sfilmowania swojej sceny walki, należy wziąć pod uwagę zupełnie nowy zestaw elementów. Jest wiele do przemyślenia i warto mieć praktyczną wiedzę na temat stylu walki, który będziesz filmować. Tak więc wzięcie kilku podstawowych lekcji od choreografa pomoże ci dowiedzieć się, jak to wszystko sfilmować. Musisz jak najlepiej przygotować się do sesji zdjęciowej. Oto kilka sposobów na ułatwienie sobie życia:
Ćwicz, ćwicz i więcej ćwiczeń – Aktorzy będą musieli jak najwięcej ćwiczyć sceny walki. Gdy zbliżasz się do daty sesji, rób próby z kamerą, oświetleniem i członkami ekipy na miejscu. Jeśli to możliwe, przeprowadzaj próby w kostiumach, aby przygotować aktorów do warunków filmowania.
Podziel to na segmenty – Bez względu na to, jak długa lub krótka jest scena walki, dobrym pomysłem jest posiadanie wbudowanych „przerw”. Dzięki temu aktorzy nie wyczerpią się, wykonując wiele ujęć. Wyobraź sobie, że musisz w kółko toczyć nieprzerwaną, pięciominutową walkę. Segmenty dają szansę na zmianę ujęcia i dwukrotne sprawdzenie ciągłości. Pomoże również przy filmowaniu wstawek i wycięć na później.
Przejrzysta lista ujęć – Tworzenie listy ujęć do scen akcji może wydawać się trudnym zadaniem. Zwłaszcza, że niektóre elementy Twojej choreografii mogą ograniczać liczbę możliwych do uzyskania ujęć. Ostatnią rzeczą, jakiej chcesz, jest dostanie się do wnęki edycyjnej i zorientowanie się, że życzysz sobie innego kąta w chwili, w której nie ma możliwości odtworzenia/przechwycenia. Przeprowadzanie prób z aparatem znacznie ułatwi tworzenie listy ujęć.
Sprzedaż walki
Niezależnie od wybranego stylu walki, w twojej scenie musi być jakiś element realizmu. Nawet bardziej kapryśne walki z filmów Kung Fu z drutami (np. Bohater, Przyczajony tygrys, Ukryty smok) realistycznie reagują na uderzenie. Jak możesz sprzedać swoją walkę publiczności?
Wiarygodne reakcje – Pierwszy krok w „sprzedawaniu ciosów” sprowadza się do twoich aktorów i ich reakcji podczas walki. Żadna ilość pracy z kamerą lub magia edycji nie może naprawić reakcji, które nie pasują do rzucanych ruchów (np. aktor rzuca głową/ciałem w przeciwnym kierunku uderzenia). Niezależnie od tego, czy chodzi o cofanie się w czasie z wykonaniem ruchu, czy po prostu zdyszany po dużym strzale w brzuch; realistyczne reakcje są kluczowe. Dzięki tym wszystkim próbom, które robiłeś do choreografii, nie powinno być o co martwić się na samym planie.
W aparacie – Kadrowanie i ruchy kamery mają duży wpływ na sprzedaż ciosów i kopnięć, a także reakcje aktorów. Odpowiedni kąt sprawia, że ruchy wyglądają tak, jakby się stykały, nawet jeśli w rzeczywistości są oddalone od siebie o kilka cali. Dynamiczne poruszanie kamerą (np. potrząsanie, aby podkreślić siłę trafienia, szybkie przybliżanie, aby dać iluzję prędkości, oraz panoramowanie/pochylanie, aby podążać za strumieniem trafień) sprawia, że Twoje walki są ogólnie bardziej wciągające.
Ustalenie najlepszych ruchów kamery może być trudne. Dlatego tak ważne jest, aby na kilku próbach dodać operatora kamery i sprzęt. Będziesz mógł poeksperymentować z ruchami kamery, a może nawet przyciąć zgrubną edycję materiału ćwiczeniowego, aby dokładnie określić ujęcia/ruchy, z którymi chcesz wykonać.
Nic przez przypadek
Nic w scenach walki nie dzieje się przypadkowo. Nie ma improwizacji w sekwencjach akcji. Od samego początku wymagają starannego planowania. Badania i praktyka będą twoimi najlepszymi przyjaciółmi, jeśli chodzi o tworzenie urzekających scen walki. Pamiętaj o tych podstawowych zasadach na każdym etapie procesu, a będziesz robić niesamowite sceny akcji, zanim się zorientujesz.