W ciągu dziesięciu lat w świecie kinematografii i kinematografii wiele się wydarzyło. Rzućmy okiem na niektóre z najważniejszych momentów.
Lata 2010 były prawdopodobnie jedną z najbardziej chaotycznych dekad w historii kinematografii. Pomiędzy YouTube, kamerami 4K wpadającymi do naszych kieszeni i wszystkimi różnymi platformami do publikowania swoich prac, przepaść między amatorami a profesjonalnymi filmowcami zdawała się zmniejszać z każdym mijającym rokiem. Biorąc to pod uwagę, było kilka kluczowych momentów, o których warto porozmawiać. Branża jako całość wiele doświadczyła i nadal produkuje coraz lepsze filmy.
Przyjrzyjmy się więc najważniejszym momentom.
ALEXA 65 rozpoczyna rewolucję
W 2015 roku ARRI ogłosiło, że ich wielkoformatowa kamera — ALEXA 65 — będzie dostępna do wynajęcia. To był przełomowy moment dla wysokobudżetowych produkcji, ponieważ DP-y na całym świecie chciały dostać się w jego ręce. Umowa stoi za nową kamerą 6K? Masywny czujnik 65 mm (trzy razy większy niż ich czujniki 35 mm) przeznaczony do emulacji kamer filmowych 65 mm i 70 mm.
- Pierwszy raz widzowie zobaczyli materiał z ALEXA 65 podwodną sekwencję w Mission Impossible:Rogue Nation .
- Pierwszą produkcją, w której wykorzystano ALEXA 65 jako kamerę A, był Wielki Mur z Mattem Damonem w roli głównej.
- Prawdopodobnie po raz pierwszy zobaczyłeś nagranie w Łotrze pierwszym w grudniu 2016 r.
Popyt rósł w górę, a filmy z nim kręcone wyglądały niesamowicie. Każdy DP ma fantastyczne rzeczy do powiedzenia na temat nowej kamery, więc można śmiało powiedzieć, że zobaczymy więcej filmów nakręconych nią.
Ostatni zwycięzca za najlepsze zdjęcia, Alfonso Cuarón, nakręcił Romę z systemem ALEXA 65, powołując się na potrzebę „wykorzystania niesamowitego zakresu dynamiki”. Możesz posłuchać, jak Cuarón opowiada o decyzji o zastosowaniu aparatu wielkoformatowego tutaj. ARRI stwierdziło, że każdego roku w kolejce do nakręcenia w nowym systemie są dziesiątki filmów. Więc znowu spodziewaj się, że zobaczysz znacznie więcej z 65.
Argument „cyfrowy a filmowy”
Całkowicie zbędny i nudny argument między cyfrowością a filmem był tematem rozmów przez większość dekady, a każdy zakątek Internetu i branży dyskutował o tym. Oczywiście są konsumenci, którzy oglądają filmy, którzy preferują pewne wyobrażenia i kreatywne wybory. I masz profesjonalistów, którzy faktycznie nagrywają filmy i funkcje cyfrowe, którzy wnoszą swój wkład. Zasadniczo za każdym razem, gdy przeprowadzano wywiad z wybitnym operatorem lub w końcu skupiano się na nim, dziennikarze i ankieterzy pytali:„Czy masz jakieś przemyślenia na temat debaty na temat technologii cyfrowej i filmowej?”. Które niektóre DP były na tyle heroiczne, że się zamknęły, odnosząc się do śmieszności tego wszystkiego.
Choć to absurdalne, to, co zaczęło się jako debata między formatem nagrywania filmów, który zmienił się w kina a transmisję strumieniową, a teraz znajdujemy się w odcinku Marvel vs. prawdziwe kino wyścigu. Zawsze będą dyskutowane aspekty procesu; to właśnie to. Jednak nie można zaprzeczyć, że fotografia cyfrowa zmieniła krajobraz na to, co jest możliwe we współczesnej erze filmowania. Mówiąc o innowacjach. . .
Narodziny aparatu bezlusterkowego
Po raz pierwszy zbudowane przez firmy takie jak Epson, Leica, Panasonic i Olympus, systemy kamer bezlusterkowych weszły do stratosfery dzięki Sony wraz z premierą modelu a7 w 2013 roku. Co za nimi stoi? W lustrzankach cyfrowych usuń lusterko, które zajmuje miejsce i zwiększa wagę ciała. Potrzeba mniejszych, bardziej wydajnych korpusów aparatów wprowadziła systemy bezlusterkowe do głównego nurtu. Ale zanim wystartowały systemy bezlusterkowe, lustrzanki cyfrowe były praktycznie wszędzie, gdzie spojrzałeś — nadal są. Jeśli zbliżysz się do atrakcji turystycznej, najprawdopodobniej zobaczysz dziesiątki osób trzymających lustrzanki cyfrowe i aparaty bezlusterkowe.
Rozwój technologii bezlusterkowych przyniósł także system mikro czterech trzecich, który pod pewnymi względami jest hybrydą, wprowadzając czujnik obrazu 4/3 z lustrzanek cyfrowych i poprawiając niektóre aspekty standardowych systemów bezlusterkowych. Pomiędzy tymi a aparatami bezlusterkowymi epoka cyfrowych lustrzanek jednoobiektywowych zdaje się kurczyć. Ważne jest, aby wiedzieć, że ta dekada wprowadziła niektóre flagowe kamery dla kamerzystów i przyszłych filmowców.
Drony
Prawie zapomniałem o dronach. Podobnie jak iPhone'y, drony już czują się tak, jakby istniały od zawsze. Ale tak się nie stało. Podobnie jak większość sprzętu na tej liście, drony są stosunkowo nowe dla konsumentów. Nie potrzebujesz już strzału z helikoptera, aby wykonać to ustalające zdjęcie z lotu ptaka. Stają się coraz mniejsze i bardziej zdolne, więc spodziewaj się coraz bardziej sprytnych zastosowań dronów i efektów dronów. Przyniosło to dużą wartość produkcyjną mniejszym filmom i produkcjom, takim jak teledyski i filmy dokumentalne. Wypożyczenie i zakup drona nie jest już wygórowanym wydatkiem. Bezzałogowe statki powietrzne pojawiły się na rynku od japońskiej firmy DJI w styczniu 2013 roku wraz z Phantomem 1. Od tego czasu dziesiątki firm wypuściło podobne drony. Jednak dla konsumentów wydaje się, że DJI wciąż jest królem.
Aktualne filmy fabularne nakręcone telefonami komórkowymi
Od premiery iPhone'a 4S minęło dziesięć lat. Oznacza to, że minęło dziesięć lat, odkąd słyszałeś YouTuberów i blogerów mówiących „Możesz nagrać funkcję telefonem!” (Zdecydowanie byliśmy niektórymi z tych ludzi.) Rzecz w tym, że naprawdę możesz – zrobili to prawdziwi reżyserzy. Z każdym wydaniem iPhone'a (i innych różnych smartfonów), tym lepsza jakość obrazu. Wraz z najnowszą jesienną rundą wydań telefonów dostępnych jest teraz kilka poważnych możliwości aparatu. Nie tylko aparaty stają się coraz lepsze, ale także sprzęt, za pomocą którego można fotografować, staje się coraz lepszy. Istnieją całe firmy zajmujące się produkcją obiektywów i sprzętu dla filmowców telefonicznych.
Niektóre z przykładów, o których słyszałeś – Soderbergh i Sean Baker – albo kręcili, ponieważ musieli, albo nadal strzelali przez telefon, aby udowodnić, że nie robią tego tylko dla sztuczek.
Dziwna podróż LUT i M31
W tym momencie to martwy mem, ale turkusowo-pomarańczowy wygląd (M31 LUT), który został zdemonizowany w ciągu ostatnich kilku lat, był naprawdę bardzo popularny przez jakiś czas. Słusznie, ponieważ kontrastujące kolory są z natury kinowe i mogą wyglądać naprawdę dobrze, jeśli zostaną odpowiednio ocenione. Częściowo winne jest tworzenie treści w YouTube. Konieczność stała się koniecznością, aby twórcy mogli szybciej publikować treści wideo, przy krótszych okresach postprodukcji i mniejszej ilości dostępnych zasobów. Dlatego twórcy zwrócili się ku szybkim, skutecznym rozwiązaniom do korekcji kolorów i korekcji, które mogli zrobić sami. LUT były rozwiązaniem tego problemu. Możesz nie tylko zastosować gotowe tabele LUT, ale także stworzyć własne, a następnie sprzedać je na swoim kanale lub w innych witrynach. Ten nowatorski pomysł wpłynął na pewien rodzaj społeczności, która skupiła się na tych szybkich rozwiązaniach dla filmowców, oferując sposoby na ominięcie tego, co kiedyś było długim i kosztownym procesem postprodukcji.
Jedną z pierwszych firm, które naprawdę zrobiły duże wrażenie dzięki LUT, była VisionColor, której produkt udowodnił, że materiał LOG i Rec709 może wyglądać kinowo, nawet jeśli nie wiesz nic o korekcji kolorów. To także umysły stojące za M31 — turkusowo-pomarańczowym wyglądem, o którym wspomniałem wcześniej.
Gimbals i stabilizacja w ciele
Jedną z rzeczy związanych z rozwojem technologicznym jest to, że wynalazki i innowacje zawsze następują po sobie, ulepszając i udoskonalając możliwości. W dziedzinie kinematografii masz mniejsze kamery o większych możliwościach i mocy, zdolne do pracy z mniejszymi, tańszymi urządzeniami. Tak więc, gdy lustrzanka cyfrowa stała się ostoją, istniały firmy takie jak DJI i Zhiyun-Tech stabilizatory budynków i gimbale (zdolne do trzymania dowolnej lustrzanki cyfrowej lub aparatów bezlusterkowych), które można obsługiwać jedną ręką. Na początku dekady miałeś produkty takie jak Glidecam 2000 (które osobiście zaakceptowałem jako zapłatę za działanie jako uchwyt podczas sesji zdjęciowej podczas studiów), które umożliwiły Ci rejestrowanie płynnych, płynnych ujęć własnymi aparatami. Teraz twórcy nie muszą już polegać na ustawianiu wózka lub suwaka, aby uzyskać płynne ujęcie. Jak wszystko inne, o czym mówiłem, branża nieustannie rozwija ideę usprawnienia przepływu pracy i ogólnej produkcji.
Nie tylko mamy lepszy i tańszy sprzęt, ale także poprawiają się nasze aparaty dzięki zwykłej „stabilizacji obrazu” — czyli „stabilizacji czujnika”. Mimo że stabilizacja obiektywu była już czymś, wiele aparatów może teraz dostosować czujnik, aby wygładzić ujęcie za Ciebie. Oprócz gimbali i Steadicamów jest to jeszcze jeden sposób, w jaki firmy pomagają filmowcom na całym świecie.
Teraz oczywiście długie ujęcia i szerokie ujęcia są podstawą kręcenia filmów i zdjęć od czasów Rope Alfreda Hitchcocka w 1948. Ale teraz ta technika jest możliwa dla każdego. Filmy podobne do Birdman i nadchodzący 1917 pokazać, że ten styl strzelania nigdzie się nie wybiera.
YouTube to prawdziwa szkoła filmowa
To było długie dziesięć lat. Mówię to w odniesieniu do panowania YouTube, ponieważ trudno wyobrazić sobie czas, kiedy YouTube nie był czynnikiem w naszym codziennym życiu. Jedną z największych historii sukcesu, jakie pojawiły się w 2010 roku, są wszystkie kanały filmowe na YouTube. Kanały te składały się z twórców i montażystów wideo, którzy chcieli po prostu udostępnić w Internecie swoją wiedzę innym osobom szukającym wskazówek. Teraz mamy ponad tysiące kanałów poświęconych tworzeniu filmów — niektóre z milionami subskrybentów, inne tylko z czterema. Liczba kanałów z informacjami dotyczącymi kamer, oświetlenia, reżyserii i montażu jest przytłaczająca. Początkujący filmowiec może oglądać filmy i tutoriale i nauczyć się tyle samo, jeśli nie więcej, niż przeciętna klasa w szkole filmowej. Ten fakt zainspirował wielu filmowców na całym świecie do kręcenia i edytowania własnych prac, rozpoczynając karierę na podstawie tego, czego nauczyli się w YouTube.
Kobiety operatorki są wreszcie rozpoznawane
W 2017 roku Rachel Morrison została nominowana do Oscara za najlepsze zdjęcia za swoją zapierającą dech w piersiach pracę nad filmem Mudbound. Nakręciła też Czarną Panterę , przebój wart miliardy dolarów. Więc najwyraźniej ona go zabija. Ten monumentalny moment był, jak się wydawało, punktem zwrotnym dla operatorów na całym świecie. W branży, która wcześniej była zdominowana przez mężczyzn, kobiety w końcu otrzymują uznanie za oszałamiającą pracę, którą wykonują. Operatorzy tacy jak Mandy Walker, Charlotte Bruus Christensen, Reed Morano i Natasha Braier przodują, opanowując sztukę jednej z najbardziej wymagających technicznie form sztuki. Niektóre z najlepiej wyglądających filmów z 2010 roku były filmowane przez kobiety. Mamy nadzieję, że Hollywood będzie się rozwijał i zatrudni więcej utalentowanych DP.
Czarno-biały nigdy nie wyjdzie z mody
Przez dekadę, która zapewniała dostępność i możliwości dzięki niedrogim aparatom, ulepszonym czujnikom i oprogramowaniu do korekcji kolorów, aby tworzyć wspaniałe obrazy z domu, wciąż istnieje pragnienie fotografii czarno-białej. Spójrz na niektórych nominowanych do „Najlepszych zdjęć” z ostatnich dziesięciu lat — było ich pięciu, a jeden nawet zdobył Oscara. Podobnie jak w przypadku argumentu film kontra cyfra, wizualnie nostalgiczna estetyka filmów rośnie, gdy szukamy ostrzejszych sposobów na opowiedzenie naszych historii. Nie ma żadnych zasad i wydaje się, że filmowcy wreszcie zaczynają to rozumieć. Można również powiedzieć, że firmy takie jak A24 i NEON są pionierami w tej wolności – i piekielnie promują te filmy. To duży krok naprzód w kierunku wolności artystycznej i uczciwości zarówno dla widzów, jak i filmowców.
Z filmami takimi jak Latarnia , Zimna wojna i Romowie , operatorzy filmowi będą nadal pchać medium w nowych kierunkach, a metody, których używają do uchwycenia tego, również będą się poprawiać.
Przyjazne dla konsumenta aparaty używane w kinach
Teraz, podobnie jak telefony komórkowe, wysokobudżetowe produkcje z Hollywood zaczęły używać tych konsumenckich aparatów. Lustrzanki cyfrowe, GoPro i aparaty bezlusterkowe zaczęły wkraczać do obiegu pracy głównych operatorów filmowych. Myślę, że jeden z pierwszych zdjęć GoPro zobaczyłem w 2013 roku, w sekwencji pościgu podczas małego niezależnego dzieła artystycznego zatytułowanego Hobbit:Pustkowie Smauga . To było do dziś niespójne wizualnie, wyglądało okropnie i od razu wyciągnęło mnie z filmu. Ale Peter Jackson go użył. Właściwie używał GoPro (o tak, GoPro stały się rzeczą, potem nie rzeczą, teraz mogą znowu być rzeczą?) w Władcy Pierścieni film. Mniejsze filmy, takie jak Frances Ha i Jak szalone , zostały nakręcone w całości na Canonach 5D i 7D, i oba doczekały się dystrybucji kinowej.
Istnieją inne przypadki, w których reżyserzy używają mniejszych kamer w większych scenach, aby uzyskać zasięg. George Miller przypiął Tomowi Hardy'emu kamerę Blackmagic Pocket Cinema Camera, a Mel Gibson kazał kaskaderom trzymać ze sobą ten sam aparat podczas scen bitewnych. Czy uważasz, że Mel Gibson przeczytał naszą recenzję aparatu przed zrobieniem zdjęcia? Czy uważasz, że Mel Gibson był jak . . . czytasz naszego bloga? Nie wiem, dokąd mam się udać z tego pytania.
Również to się zdarzyło . . .
Ang Lee kręci filmy z szybkością 120 klatek na sekundę, co generalnie nie wyszło dobrze, ponieważ obrazy są niepokojące. Peter Jackson nakręcił Hobbita seria przy 48 klatkach na sekundę. Niektórzy z naszych ulubionych reżyserów sami zaczęli kręcić własne filmy, jak Alfonso Cuarón i Paul Thomas Anderson. Bóg OG YouTube, Matt Workman, stworzył „grę” do projektowania kinematografii o nazwie Cinetracer, pozwalającą na oglądanie zdjęć w niezwykle pomocny i zabawny sposób. Netflix wymaga teraz, aby ich oryginalne treści były nagrywane w HDR. Światła Quasar są obecnie jednym z najpopularniejszych sposobów oświetlania teledysków i filmów science fiction. Aputure zdominowało grę oświetleniową, oferując niedrogie, intuicyjne, mocne światła, które wydają się być lepsze z każdą konferencją techniczną. Co za dekada! Kto wie, gdzie technologia będzie w 2030 roku. Nie mogę się doczekać, aby się dowiedzieć.
Aha, i jeszcze jedno — sam nasz pan i mistrz, Roger Deakins, w końcu zdobył Oscara za najlepsze zdjęcia do filmu Blade Runner 2049 , w 2018 roku.