Każdy pisarz jest inny, ale jeśli szukasz sprawdzonych hitów, jeśli chodzi o pisanie dialogów, ta lista jest dla Ciebie.
Zrobiłeś wszystko, co powinieneś. Obejrzałeś wszystkie filmy kształtujące, robiłeś notatki o otaczającym Cię świecie, czytałeś inne scenariusze — być może nawet chodziłeś na zajęcia. Od jakiegoś czasu żyłeś z pomysłem na scenariusz i przemieniłeś go z desperackiej iskry w ognisko, które po prostu musisz napisać . Może nawet kręciłeś się tutaj po blogu i przebrnąłeś przez krąg historii Dana Harmona. Jesteś gotowy do pisania.
Istnieje kilka krytycznych aspektów dobra scenariusz, o którym moglibyśmy porozmawiać, ale nie warto upychać ich wszystkich w jednym miejscu. Pomyślmy raczej o jednym na raz. W tym przypadku dialog.
Jak piszesz dialog, który nie jest do niczego?
Nikt nie chce wkładać ogromnego wysiłku w napisanie scenariusza tylko po to, by skończyć z amatorskim dialogiem. Jeśli masz nadzieję oddać swój scenariusz w czyjeś ręce, najgorszym scenariuszem jest to, że nikt nie zwraca na to uwagi. Jeśli planujesz sam wprowadzić tę rzecz do produkcji, możesz zmarnować wiele czasu na ładny, dobrze zmontowany film, którego nikt nie może znieść.
Można napisać okropny pierwszy szkic. Zapewnienie sobie wolności jest jednym z pierwszych sprytnych ruchów, jakie możesz wykonać. Jako facet, który pracował jako scenarzysta i powieściopisarz, mogę ci powiedzieć, że próba napisania doskonałego pierwszy szkic jest mniej więcej tak pomocny, jak polowanie na Zaginione Miasto Złota. Zebranie materiału w taki sposób, abyś mógł go ukształtować i utkać w całość (trudne zadanie do efektywnego wykonania na bieżąco) skłania Cię do powrotu, śledzenia kolejek i napisania właściwie dobry projekt. (Trzecia, czwarta i piąta wersja robocza też są dobrym pomysłem, ale to nie jest ani tutaj, ani tam).
Rzućmy więc okiem na kilka rzeczy, o których należy pamiętać, gdy jesteś gotowy, aby zmienić swój cenny (straszny) projekt w coś, co wszyscy chcielibyśmy zobaczyć.
1. Przyjdź późno, wyjdź wcześniej
Ten brzmi łatwo, ale jest trochę trudniej go zastosować w praktyce, niż się wydaje. Kiedy zaczynamy pisać scenariusze, mamy tendencję do umieszczania większej ilości informacji, niż powinniśmy. Czujemy, że potrzebujemy zaaranżowanie, wyjaśnienie lub kontekstualizowanie tej lub innej sytuacji, lub scena, którą chcemy Ci pokazać, nie będzie miała sensu. Pierwszym sposobem, w jaki możesz pomóc sobie spóźnić się i wyjść wcześniej, jest przestanie pytać, czy coś ma sens (przynajmniej na początku). Może to nie mieć sensu dla Ciebie (twórcy historii), jeśli pominiesz informacje, ale ważniejsze pytanie (przynajmniej na początku) brzmi:Czy to interesujące?
Zwięzłość najczęściej jest nazwą gry w potężnym scenariuszu (więcej o tym za minutę). Jasne, pewnego dnia Ty też możesz pisać meandrujące, trzygodzinne eksploracje postaci i zarobić za to mnóstwo kasy (pamiętaj o małych ludzikach, kiedy to robisz), ale żeby zrobić nawet to skutecznie, potrzebujesz dużo praktyki w dotarciu do sedna i upakowaniu jak największej ilości historii w jak najmniejsze minuty. Gdy już to opanujesz, możemy zacząć rozmawiać o rozciąganiu nóg i dołączaniu nieco więcej —bez nudzenia nas wszystkich do łez.
Tak więc zwięzłość oznacza, że musimy zrobić jak najwięcej z naszą historią i naszymi postaciami przy każdej okazji. Oznacza to, że ilekroć myślisz, że scena powinna zacząć, to prawdopodobnie za wcześnie. I kiedy myślisz, że scena powinna koniec, to chyba za późno. Rozpocznij swoją scenę jak najbliżej ważnej akcji — w tym przypadku wymiany dialogu. Jeśli umieścisz swój dialog jako elementy zawarte w szerszym kontekście sceny, możesz upewnić się, że nie tracisz czasu na kwestie, które choć reprezentują sposób, w jaki ludzie naprawdę mówią, nie odbijają się w filmie. Większość bohaterów filmu nie mówi jak prawdziwi ludzie – z jakiegoś powodu. Nie płacimy dużych pieniędzy za to, żeby się pokazywać i patrzeć, jak ludzie rozmawiają.
Pomyśl o swoim dialogu jako części malowania sceny. Będą kontekstowe elementy diegetycznego świata, na których możesz polegać, aby przekazywać informacje, zamiast wyrzucać je w nudnych wykładach swoich postaci. Rozmowy, podobnie jak postacie, nie istnieją w próżni, więc pomyśl o swoim otoczeniu jako o dodatkowej roli mówiącej — aczkolwiek takiej, która lubi grać w szarady lub używać rekwizytów zamiast mówić.
2. Napisz dwa razy
Podtekst sprawia, że dialog jest naprawdę interesujący, a najlepszym podejściem do pracy z podtekstem jest dwukrotne napisanie scenariusza — przynajmniej na początku. Gdy zdobędziesz doświadczenie w wplataniu podtekstów do swojego dialogu, zacznie on przychodzić bardziej naturalnie i możesz go wprowadzać na bieżąco. Kiedy jednak nadal opanowujesz tę umiejętność, może być trudno organicznie wprowadzić podtekst do linii dialogowych, gdy nie napisałeś nawet pełnego scenariusza, a zatem nie znasz wszystkich emocjonalnych i narracyjnych ujawnień, które nastąpią Twoje sceny dialogowe.
Spuść swoje sceny, używając mniej więcej bitów, które chcesz uderzyć w rozmowach. Następnie dodaj kilka linii zastępczych, przepracowując resztę scenariusza. Zanim skończysz swój pierwszy projekt i będziesz gotowy do rozpoczęcia drugiego, będziesz mieć w pełni rozwinięte doświadczenie z postaciami, co oznacza, że możesz ponownie odwiedzić swój dialog i w razie potrzeby przyciąć i przepisać – oraz wprowadzić podtekst.
Rozmowy, podobnie jak filmy, nie zawsze dotyczą o o czym myślimy, że są. Dobrym przykładem jest gatunek filmu katastroficznego. Pozornie te filmy opowiadają o tym, co pogorszy się , a pewna liczba bohaterów musi przetrwać. Ale jeśli obejrzysz ich wystarczająco dużo, zwykle nie są o dreszcze i dreszcze w ogóle. Większość z nich dotyczy ponownego łączenia rozbitych rodzin, przekształcania całej katastrofy w jedną gigantyczną metaforę. Rodziny walczą, katastrofa je rozdziera, zdają sobie sprawę z tego, co prawie stracili, i łączą się, silniejsi niż kiedykolwiek. Sprawdź kilka. Poczekamy . . .
Rozmowy działają w ten sam sposób, zarówno w świecie rzeczywistym, jak i na ekranie. Ile razy pytałeś przyjaciela:„Czy wszystko w porządku?” Tylko po to, by usłyszeć „wszystko w porządku”, gdy wyraźnie nie jest w porządku ? Czy zdarzyło Ci się kiedyś kłócić z kimś o coś, na czym tak naprawdę ci nie zależy – ale nosiłeś wokół siebie wołowinę, która właśnie się przebiła? A może kiedykolwiek ukrywałeś informacje, aby kogoś chronić, fizycznie lub emocjonalnie? W takich przypadkach rozmowy, które kończysz, nie odnoszą się w rzeczywistości do tego, co próbujesz rozwiązać. Ludzie to robią. Rozmawiamy o tym, co mamy na myśli, zwłaszcza jeśli unikamy konfliktu.
Ale prędzej czy później prawda się kończy i zaczyna się prawdziwa rozmowa. To samo dotyczy twojego dialogu. Twoje postacie zmagają się z czymś (zazwyczaj sobą) większym niż fabuła, w której je umieściłeś. Ta walka wpłynie na wszystko, co mówią, więc użyj tego, aby wydobyć podwójne znaczenia i tajemnice ze swoich linii. Niech twoi bohaterowie frustrują się nawzajem podtekstem. Niech się o to powalczą. Ludzki dramat jest dynamiką większości filmów, więc nie płyń pod prąd.
3. Unikaj Boba
„Jak wiesz, Bob” to jeden z klasycznych błędów. Od czasu do czasu ma swoje zastosowania, ale są one bardzo specyficzne. Więc najpierw ustalmy, dlaczego Bob nie jest naszym przyjacielem.
Urządzenie „Jak wiesz, Bob” ma kilka nazw, ale wszystkie sprowadzają się do tego, że jedna postać mówi innej postaci coś, o czym oboje wiedzą, czego nie wiedzą widzowie. To skrót, aby wprowadzić jakąś ekspozycję na scenę - coś w rodzaju pobierania programu pilotażowego dla helikoptera B-212. Teoretycznie te linie są bardzo skuteczne (jak powiedzieliśmy, tak mają swoje zastosowania) i były bardziej popularne w przeszłości. Jednak w większości tego typu linie wskazują, że świat filmu nie wykonał wystarczająco dobrej pracy, aby przekazać kontekstowe informacje, których według ciebie potrzebuje twoja publiczność, więc zadanie należy do dialogu. To powinna być twoja pierwsza czerwona flaga — kiedy tylko dialog wymaga opowiedzenia historii, możesz zrobić to w inny sposób, zadaj sobie pytanie, czy dialog jest konieczny. Odpowiedź może brzmieć tak , ale najważniejsze jest pytanie .
(Pierwszy odcinek Gry o tron obdarowuje nas „Jako twój brat”. . .)
Jeśli musisz poinformować nas o tym, co musimy wiedzieć, aby nawet dołączyć do rozmowy na ekranie, to prowadzisz nas przez tę historię, a nie prowadzisz nas. To nie skończy się dobrze, chyba że celowo próbujesz zrobić coś zabawnie złego.
Procedury i dramaty medyczne często muszą znaleźć kreatywne sposoby obejścia tego, takie jak wyjaśnianie informacji technicznych laikom lub stażystom. A w thrillerach wojskowych relacje między żołnierzami a ich przełożonymi często wypełniają tę rolę szybko i skutecznie. Od czasu do czasu możesz ujść mu na sucho w krytycznych sytuacjach, ale musisz zdobyć te zastosowania, napędzając większość swojego dialogu za pomocą początkowych i wczesnych wymian, z którymi widzowie mogą się odnieść, jednocześnie wypełniając swój narracyjny świat poprzez produkcję projekt, intuicja i wnioskowanie. Pamiętaj:Twoi odbiorcy są mądrzejsi niż myślisz. Jeśli nie jesteś pewien, czy Twój fragment ekspozycji powinien być odpowiedni, prawdopodobnie nie powinien.
4. Dotrzyj do punktu
Wróćmy do zwięzłości. Wcześniej rozmawialiśmy o tym, jak trzeba spóźnić się i wyjść wcześnie, ale tak naprawdę chodzi o to, kiedy zacząć i kiedy zakończyć wymianę dialogu (lub całą scenę). Zwięzłość dotyczy istoty twojego scenariusza — każdego słowa, które zdecydujesz się zawrzeć w swoim dialogu.
Zwięzłość oznacza przejście do sedna. Jeśli chodzi o treść i komunikację, zwięzłość jest narzędziem, które pomaga wznieść się ponad konkurencyjny hałas. Na przykład, jeśli masz dwa różne zestawy instrukcji, oba opisujące, jak zrobić kanapkę bolońską, ale jeden ma 1000 słów, a drugi 500 i przekazujesz każdy z nich innemu czytelnikowi, odbiorcy 500- przepis słowny nauczy się szybciej i zrobi kanapki wcześniej niż czytelnik z przepisem na 1000 słów. Kiedy przekazujemy informacje, im mniej słów możemy użyć, aby to zrobić (co oznacza mniej okazji do nieporozumień lub pomyłek), tym lepiej.
Czekaj , mówisz. To jest pismo . A co z literaturą ? Nie tylko skracamy każdy proces kreatywnego pisania do technicznej instrukcji naprawy Twojej kosiarki. A co z stylem i ton i teksturę ? Tak, do tego wszystkiego. Styl, ton i faktura mają kluczowe znaczenie. To one sprawiają, że twoje zwięzłe pisanie śpiewa na stronie. Jednak treść twojego dialogu sama w sobie nie jest całością pisania . To tylko jedna część nadrzędnej historii — scenariusz. Scenariusz to Twoja twórcza odyseja. To dzieło sztuki, które połączy Twoich widzów z ludzką kondycją tak, jak tylko Ty możesz ją zobaczyć. Oznacza to, że dialog, jako część całości, musi działać jak dobrze naoliwiona maszyna ze wszystkimi innymi elementami skutecznego scenariusza.
Już wiesz, żeby nie marnować czasu swoich widzów. Wiesz też, że dialog nie jest jedynym sposobem na przekazanie informacji lub opowiedzenie swojej historii. Teraz, kiedy wrócisz do pierwszej wersji roboczej (pamiętaj, że pierwsza wersja robocza powinna być niezwięzła tak jak potrzebujesz — cokolwiek potrzeba, aby wykonać projekt), możesz przyciąć tłuszcz. Chcesz, aby twój dialog był grą w tenisa między twoimi postaciami. Lub, w innych okolicznościach, dialogiczny pat w OK. Dziedziniec. W obu przypadkach nie chcesz, aby nadmiar słownictwa, opisów lub monologów hamował tempo Twojej wymiany. Kuszące jest zabranie widzów na dialogową przejażdżkę magicznym dywanem, ale powinien to być wyjątek, a nie norma.
Przejdź do sedna i dojdź do celu szybko — istnieją inne aspekty tego skryptu, które również potrzebują czasu na wykonanie swojej pracy.
5. Konflikt to potęga
Władza to kontrola zasobów, a większość historii ludzkich konfliktów dotyczy ustanowienia kontroli nad tymi zasobami. Ktokolwiek kontroluje wodę, gromadzi złoto, ma najwięcej robotników/żołnierzy/obywateli (wszyscy z kolei opłacani zasobami lub żetonami zasobów) ma najwięcej władzy. Jasne, sztangista może być potężniejszy od ciebie, ale jeśli masz dziesięciu własnych ciężarowców, którzy są lojalni wobec każdego twojego zachcianki, ponieważ, powiedzmy, mieszkasz na jałowym pustkowiu i masz całe pożywienie i schronienie, aby zaoferuj im. . . to kto jest silniejszy, ty czy samotny sztangista?
To jest pierwotna walka:zbieranie rzeczy, których potrzebujemy do przetrwania, a następnie zbieranie się w grupy, by łączyć się i walczyć z tymi innymi którzy również chcą naszych zasobów, więc ich nienawidzimy. W końcu zaczyna śledzić rzeczy takie jak towary luksusowe i przedmioty, które zastępują tę kontrolę zasobów (większość ludzi tak naprawdę nie wie, co robić ze sztabką złota, ale wiedzą, że mogą dostać od ludzi inne rzeczy, których chcą, jeśli mają taką sztabkę).
Co to wszystko ma wspólnego z dialogiem? Wszystko. Ludzie i postacie z naszych opowieści żyją w ciągłym stanie konfliktu. Jesteśmy w konflikcie ze sobą, z tymi, których kochamy, a nawet ze sobą. Nasze cywilizacje i relacje, które w nich budujemy, są nawarstwiane na tę pierwotną walkę. Wszystko, czym się staliśmy jako gatunek, cała sztuka, którą stworzyliśmy, wszystkie wzniesione przez nas budynki, to w jakiś sposób nowy rozdział w historii pozyskiwania zasobów i oswajania świata. Pamiętaj o tym w swoim dialogu.
Najciekawsze rozmowy to te, w których postacie (kalamburowe) stawiają przeciwko sobie, nawet jeśli są partnerami, zakochanymi lub podobnymi. Prawdziwy świat jest pełen rozmów o naszych podstawowych konfliktach, aby żyć szczęśliwie (lub przynajmniej wspólnie). Nie potrzebujesz, aby twoje postacie aktywnie antagonizowały się nawzajem w każdym wierszu, ale jeśli pomyślisz o nich jako o żyjących w nieustannej pogoni za władzą, będą mieli więcej do powiedzenia o sobie i sytuacjach, w które ich wpakowałeś, niż o nich zrobiłby, gdybyś używał ich tylko jako ustników.
Pamiętaj:w miłości i na wojnie wszystko jest sprawiedliwe.
6. Postacie istnieją w kontekstach
Lubimy myśleć, że dobre postacie napędzają nasze doświadczenie świata narracji w filmie. Ale w rzeczywistości świat narracji pisze postać – postać nie pisze świata narracji. Postacie mogą istnieć w próżni, gdy po raz pierwszy rozwijasz swoje pomysły; jednak kiedy zaczynają żyć na stronie, istnieją w kontekstach, a nie w teorii. Ich dialog powinien to odzwierciedlać, w przeciwnym razie nigdy nie poczują, że naprawdę pasują do filmu.
Można o tym myśleć w następujący sposób:wszystko, co robimy, jako ludzie, jest reakcją na coś innego — zwykle na niektórerzeczy w przeciwnym razie. W otaczającym nas świecie dzieją się rzeczy, które wpływają na nasz stan bycia, od samochodu pędzącego do ciebie na skrzyżowaniu po mikroskopijne organizmy w twoim krwioobiegu, które wpływają na twoje zdrowie i sposób, w jaki się zachowujesz. W każdej chwili istnieje niezliczona ilość zmiennych, bodźców i możliwych działań, a konkretne przecięcie ich wszystkich prowadzi nas do podejmowania decyzji z minuty na minutę, które składają się na nasz dzień — w tym, kiedy coś mówimy i dlaczego to mówimy.
Kiedy piszesz dialog, pamiętaj o tym. Jasne, postacie reagują przede wszystkim na to, co mówią inne postacie, ale wszystko, od temperatury w pomieszczeniu po to, czy ktoś strzela z pistoletu, będzie miało wpływ na to, jak mówi twoja postać. Połącz to z podstawową naturą ludzkiego konfliktu, a otrzymasz coś w rodzaju nieprzyjaznego świata, nawet jeśli z pozoru ładnie wygląda. Każde słowo, które wypowiada twoja postać, jest decyzją o stanie świata i rozwoju tej historii.
Podejmuj dobre decyzje.
7. Nie przejmuj się drobiazgami
Wreszcie, nie ugrzęźnij w szczegółach. Wysoce techniczne wyjaśnienia, skomplikowane historie lub zawiłe ramy czasowe mogą być częścią fundamentu Twojego filmu, ale to nie znaczy, że musisz nad nimi spędzać czas. Często myślimy, że jeśli widzowie nie znają każdego szczegółu świata, który tworzymy, to nie zrozumieją historii tak, jak chcieliśmy. Jeśli piszesz opowiadanie science fiction o statku pokoleniowym i problemach z napędem, nie przejmuj się. Istnieją ustalone idee, na których można się oprzeć, zamiast prowadzić nas przez wykład z astrofizyki. Jeśli twój wampir żyje od 2000 lat, nie musimy wiedzieć wszystkiego .
Twoje postacie żyją w świecie, który dzielisz na kawałki i łączysz w spójną całość. Oznacza to cięcia, przejścia i brakujące fragmenty ich życia, które nie są konieczne do skondensowanej całości. (W świecie teorii nazywamy to fabula i syużet —sprawdź to, jeśli chcesz zabrzmieć fajnie na następnej kolacji).
Nie próbuj przesadzać z wrażeniami z oglądania filmu — nie ma mowy, aby ktokolwiek odebrał go dokładnie tak, jak zamierzasz. Zamiast tego skoncentruj się na dostarczaniu wszystkich składników narracyjnych, aby zapewnić solidne wrażenia, i pozwól widzom upiec ciasto tak, jak im się podoba.
Zauważasz tutaj motyw? Tak — mniej znaczy więcej.
Masz to. Siedem wskazówek dotyczących pisania dialogów, które nie są do niczego. Należy pamiętać, że to nie są zasady. Nie ma zasad. Możesz pisać, co chcesz, jakkolwiek chcesz to napisać. Te wskazówki bardziej przypominają Twój pierwszy zestaw narzędzi. Chcemy, abyś opanował kilka zasad scenopisarstwa, które okazały się skuteczne w opowiadaniu historii. Kiedy zobaczysz, co potrafią, możesz wybrać, które ci się podobają, a które nie. Nie jesteśmy tutaj, aby ci powiedzieć:Musisz to zrobić w ten sposób . Raczej, jeśli zastanawiasz się:Jak do cholery mam zacząć z dialogiem . Cóż, uważamy, że masz całkiem spore szanse, jeśli będziesz pamiętać o tych praktykach.
Ale świat jest twoją ostrygą. Udowodnij nam, że się mylimy — uwielbiamy to.