1. Zrozumienie stylu oświetlenia Rembrandt:
* Trójkąt podpis: Charakterystyką definiującą jest mały, odwrócony trójkąt światła na policzku podłoża naprzeciwko źródła światła. Wymaga to precyzyjnego pozycjonowania światła.
* Chiaroscuro: Silny kontrast między światłem i ciemnością. Większość twarzy będzie w cieniu, a najważniejsze cechy łapią określone funkcje.
* ciepłe tony: Obrazy Rembrandt często zawierają ciepłe tony, szczególnie w skórze i atrakcjach.
* Subtelne szczegóły: Choć dramatyczne cienie nie powinny być całkowicie czarne. Chcesz zachować szczegóły w ciemniejszych obszarach.
2. Obraz początkowy (idealnie z odpowiednim oświetleniem):
* Najlepsze praktyki: Idealnym punktem początkowym jest zdjęcie wykonane z pojedynczym, miękkim źródłem światła umieszczonego pod kątem 45 stopni z boku i nieco powyżej obiektu. Reflektor można użyć do odrzucenia subtelnej ilości światła z powrotem do cieni, ale unikanie ich wypełniania.
* Dopuszczalna alternatywa: Jeśli nie masz doskonałego oświetlenia, wybierz zdjęcie, które ma już oświetlenie kierunkowe i obszary cienia. Lightroom może pomóc, ale nie może tworzyć światła od zera.
* Rozważ temat: Portrety o silnych rysach twarzy i ekspresyjnych oczach działają dobrze w tym stylu.
3. Korekty Lightroom (opracuj moduł):
* Basic Panel:
* Profil: Rozważ zaczynanie od profilu „Adobe Portret” dla dokładności odcienia skóry. Eksperymentuj z innymi, jeśli wolisz.
* Bilans biały: Dostosuj się, aby osiągnąć naturalny odcień skóry. Lekko cieplejsze tony (szturchanie w kierunku żółtego) często działają dobrze, ale unikaj zbyt pomarańczowej. Użyj narzędzia Eyedropper na obszarze neutralnym (jeśli jest dostępne) jako punkt wyjścia.
* Ekspozycja: Zasadniczo będziesz chciał * zmniejszyć * ekspozycję na przyciemnienie ogólnego obrazu. Wyglądasz na niski wygląd. Zacznij od subtelnej redukcji (np. Stopy -0,5 do -1,0) i dostosuj w razie potrzeby.
* kontrast: * Zwiększ* Kontrast w celu zwiększenia różnicy między obszarami światłem i ciemnymi. Ma to kluczowe znaczenie dla efektu Rembrandta. Eksperymentuj, ale nie przesadzaj, ponieważ może powodować trudne przejścia.
* Podprawy: * Znacząco zmniejsz* Najważniejsze informacje. Przyniesie to szczegóły w najjaśniejszych obszarach twarzy i zapobiegnie ich wysadzeniu. Często ciągnięcie ich do całej drogi jest dobrym punktem wyjścia.
* Shadows: * Nieznacznie zwiększ* cienie, aby ujawnić pewne szczegóły w ciemniejszych obszarach, ale nie rozjaśniaj ich zbytnio. Chcesz zachować dramatyczne cienie. Zwykle wystarczy subtelne wzmocnienie.
* białe: * Nieznacznie zmniejszają* białe, aby dalej kontrolować najjaśniejsze punkty na obrazie.
* czarne: * Zmniejsz* Czarni, aby pogłębić cienie i stworzyć bogatszy, bardziej dramatyczny wygląd. Uważaj, aby nie zmiażdżyć Czarnych; Zachowaj informacje o tonalnych.
* tekstura, klarowność, dehaze: *Subtelne korekty tutaj*. Dotknięcie jasności może zwiększyć szczegóły, ale zbyt wiele może wyglądać sztucznie. Niewielka faktura może być również korzystna. Użyj *Dehaze oszczędnie *. Może pomóc zmniejszyć błotnistość, ale może również spłaszczyć obraz.
* vibrance/nasycenie: *Dostosuj się do smaku*. Zasadniczo niewielki * spadek * nasycenia może zwiększyć ponury nastrój. Vibrance jest bardziej inteligentnym narzędziem nasycenia, które jest ukierunkowane na mniej nasycone kolory. Eksperyment, aby zobaczyć, który działa najlepiej.
* Panel krzywej tonowej:
* Krzywa tonowa jest potężnym narzędziem do dopracowania kontrastu. Niezłańca „kustka S” może zwiększyć kontrast, ale być subtelny. Dostosuj górny punkt w dół, aby przyciemnić podświetlenia i dolny punkt w górę, aby nieco rozjaśnić cienie.
* Rozważ eksperymentowanie z * krzywych kanału * (czerwony, zielony, niebieski), aby dalej udoskonalić odcienie kolorów. Na przykład możesz nieznacznie zwiększyć czerwony kanał w atrakcjach, aby dodać ciepło.
* HSL/Color Panel:
* hue: Subtelne regulacje odcienia mogą wpływać na odcienie skóry i ogólną harmonię kolorów. Unikaj drastycznych zmian.
* Nasycenie: Udoskonalenie nasycenia poszczególnych kolorów. Możesz lekko desaturować bluesa i zieleń, aby zwrócić większą uwagę na odcienie skóry.
* Luminance: Dostosuj luminancję (jasność) poszczególnych kolorów. Zmniejszenie luminancji bluesa i zieleni może przyczynić się do ciemniejszej, bardziej nastrojowej atmosfery.
* Panel oceniania kolorów (podzielona tonowanie/ocena kolorów):
* Tutaj możesz dodać subtelny odcień kolorów do podświetleń i cieni.
* Podprawy: Zastanów się nad dodaniem bardzo subtelnego ciepłego tonu (pomarańczowego lub żółtego) do najważniejszych atrakcji, aby wzmocnić odcienie skóry i naśladować klasyczny wygląd.
* Shadows: Możesz dodać subtelny chłodny ton (niebieski lub fioletowy) do cieni, aby uzyskać kontrast i głębokość. Jest to jednak opcjonalne i zależy od obrazu.
* mieszanie i równowaga: Dostosuj suwaki do mieszania i równowagi, aby dopracować wpływ kolorów podświetlenia i cienia. Wyższa wartość mieszania tworzy gładsze przejście. Równowaga przesuwa uprzedzenie w kierunku wyświetleń lub cieni.
* Nowy * Kolor Grading * Panel (podzielony na środkowe, cienie, atrakcje i globalne) oferuje bardziej dopracowaną kontrolę niż stary * podzielony panel *. Eksperyment, aby zobaczyć, co działa najlepiej.
* Panel detali:
* wyostrzenie: Zastosuj umiarkowaną ilość wyostrzenia, aby zwiększyć szczegóły. Użyj suwaka maskującego, aby zapobiec wyostrzeniu w obszarach o gładkich gradientach (takich jak skóra).
* Redukcja szumu: Jeśli obraz ma szum, zastosuj pewną redukcję szumu (zarówno luminancję, jak i kolor). Uważaj, aby nie zgodzić się na skórę, ponieważ może to wyglądać sztucznie.
* Panel poprawek soczewek:
* Włącz „Usuń aberracja chromatyczna” i „Włącz korektę profilu”, aby skorygować zniekształcenia soczewki i aberracja chromatyczna. Jest to standardowy krok w większości przepływów pracy.
* Panel transformacji (opcjonalnie):
* Użyj tego panelu, aby naprawić wszelkie problemy z perspektywy, takie jak linie zbieżne.
* Panel efektów:
* winieta: Dodanie subtelnej winiety (przyciemnianie krawędzi) może przyciągnąć oko widza w kierunku środka obrazu i zwiększyć nastrój. Wybierz * niewielką ujemną * kwotę (np. -10 do -30) i dostosuj punkt środkowy i pióro, aby kontrolować efekt. Priorytetyzuj wartości podkreślenia, ponieważ mogą one pomóc zachować niektóre jasne części obrazu.
* ziarno: Dodanie odrobiny ziarna może naśladować wygląd filmu i dodać teksturę do obrazu. Używaj go oszczędnie i eksperymentuj z wielkością i chropowatością.
* Panel kalibracji (zaawansowany):
* Ten panel umożliwia dostosowanie ogólnej kalibracji kolorów obrazu. Eksperymentuj z czerwonymi, zielonymi i niebieskimi pierwotnymi odcieniami i nasyceniach, aby dopracować kolory. Bądź subtelny z tymi korektami.
4. Lokalne korekty (filtry stopniowe, filtry promieniowe, pędzel regulacyjny):
* Filtr dyplomowy:
* Możesz użyć filtra stopniowego, aby przyciemnić górną lub boki obrazu, podkreślając temat. Jest to szczególnie przydatne do tworzenia efektu podobnego do winiety bez użycia panelu efektów.
* Filtr radialny:
* Użyj filtrów promieniowych, aby selektywnie rozjaśnić lub przyciemnić określone obszary obrazu. Na przykład możesz użyć filtra promieniowego, aby rozjaśnić oczy pacjenta lub obszar wokół charakterystycznego trójkąta światła Rembrandt. Odwróć filtr, jeśli chcesz przyciemnić obszar * na zewnątrz * Koło.
* pędzel regulacyjny:
* Szczotka regulacji jest najbardziej precyzyjnym narzędziem do dokonywania lokalnych regulacji. Użyj go do:
* Rozjaśnij oczy.
* Dodge i Burn (selektywnie rozjaśniają i ciemnie) określone obszary twarzy w celu zwiększenia konturów i dodania wymiaru.
* Zmiękcz skórę (zmniejsz jasność i teksturę, ale uważaj, aby jej nie przesadzić).
5. Kluczowe rozważania i wskazówki:
* start subtelny: Dokonaj małych korekt i stopniowo buduj efekt. Łatwiej jest dodać więcej niż zabrać.
* Zwróć uwagę na odcienie skóry: Utrzymuj naturalne odcienie skóry. Użyj panelu kalibracji kolorów, aby w razie potrzeby dostroić kolory.
* Nie miażdaj czarnych: Zachowaj kilka szczegółów w cieniu. Unikaj, aby Czarni całkowicie czarni.
* Practice czyni idealne: Eksperymentuj z różnymi ustawieniami i obrazami, aby znaleźć to, co działa najlepiej.
* Użyj obrazów referencyjnych: Spójrz na prawdziwe obrazy Rembrandt, aby uzyskać inspirację. Zwróć uwagę na oświetlenie, kolory i ogólny nastrój.
* Nieniszcząca edycja: Edycja Lightroom jest nieniszcząca, więc zawsze możesz powrócić do oryginalnego obrazu, jeśli popełnisz błąd.
* iteruj i udoskonalaj: Zrób przerwy i wróć do obrazu świeżymi oczami. Często zauważysz obszary, które wymagają dalszej korekty.
* Presets: Chociaż możesz znaleźć i używać ustawień w stylu Rembrandt, lepiej zrozumieć proces i dokonać ręcznych regulacji, aby dostosować efekt do konkretnego obrazu. Presety są dobrym punktem wyjścia, ale nie polegaj wyłącznie na nich.
Przykładowe podsumowanie przepływu pracy:
1. Importuj obraz do lightroom.
2. Korekty soczewek (profil i ca)
3. Panel podstawowy: Zmniejsz ekspozycję, zwiększ kontrast, zmniejsz atrakcje, nieznacznie zwiększ cienie, zmniejsz białe, zmniejsz czarno.
4. krzywa tonowa: Subtelny Curve S.
5. Gradowanie kolorów: Ciepłe tony w atrakcjach, prawdopodobnie chłodne tony w cieniu.
6. detal: Wyostrzenie, redukcja szumów (w razie potrzeby).
7. Efekty: Subtelna winieta, być może odrobina ziarna.
8. Lokalne korekty: Rozjaśnij oczy, unikaj i spal twarz za pomocą pędzla regulacyjnego.
9. Eksport.
Podążając za tymi krokami, możesz stworzyć oszałamiające ciemne i nastrojowe portrety w stylu Rembrandt w Lightroom, które wychwytują dramat i ponadczasowe piękno tego klasycznego stylu artystycznego. Pamiętaj, aby być cierpliwym i eksperymentuj, aby znaleźć to, co jest najlepsze dla każdego obrazu.