i. Zrozumienie oświetlenia Rembrandt
* Kluczowa funkcja: Mała, trójkątna plamka światła na policzku naprzeciwko źródła światła. To jest element podpisu.
* nastrój: Dramatyczny, intensywny i często przekazujący poczucie tajemnicy.
* źródło światła: Zwykle pojedyncze, twarde źródło światła ustawione w przybliżeniu pod kątem 45 stopni do obiektu i nieco powyżej poziomu oczu.
* Shadows: Głębokie i bogate, odgrywając istotną rolę w kształtowaniu twarzy i definiowaniu nastroju.
ii. Obraz surowy (punkt początkowy)
* Idealnie, twój surowy obraz powinien być już zastrzelony z myślą o oświetleniu Rembrandt. Posiadanie prawidłowej konfiguracji światła od samego początku znacznie ułatwi proces edycji.
* Jeśli nie, wybierz obraz, w którym możesz realistycznie naśladować wzór światła lub gdzie podmiot ma naturalnie silne cienie.
* Unikaj zbyt jasnych, równomiernie oświetlonych obrazów.
iii. Regulacja Lightroom (panel podstawowy)
1. Profil: Wybierz odpowiedni profil aparatu dla czujnika. Może to wpłynąć na twoje kolory i kontrast. Przeglądaj różne profile, aby znaleźć taki, który stanowi dobry punkt wyjścia. Często „Adobe Standard” jest bezpiecznym zakładem.
2. Biała równowaga: Dostosuj równowagę białą, aby dokładnie renderować odcienie skóry. Użyj narzędzia Eyedropper, aby spróbować neutralnej szarej strefy lub ręcznie dostosować temperaturę i odcień, aż odcień skóry będzie wyglądać naturalnie. Ogólnie rzecz biorąc, nieco cieplejsze pochylenie może zwiększyć nastrój.
3. Ekspozycja: Zwykle dążycie do nieco niedoświetlonego obrazu. Zmniejsz ekspozycję, aż jaśniejsze obszary będą ładnie stonowane i zapobiec przycinaniu najważniejszych atrakcji.
4. Contrast: Zwiększ kontrast z pogłębianiem cieni i rozjaśnij atrakcje. Spowoduje to bardziej dramatyczny efekt.
5. Podprawy: Zmniejsz dodatkowe informacje, aby odzyskać szczegóły w najjaśniejszych obszarach. Ma to kluczowe znaczenie dla zapobiegania wysadzeniu w powietrze, szczególnie na twarzy.
6. Shadows: Dostosuj cienie *ostrożnie *. Nie podnoś ich zbytnio, bo stracisz nastrój. Podnieś je tylko na tyle, aby zobaczyć szczegóły w ciemniejszych obszarach, zachowując jednocześnie ogólną ciemność.
7. białe: Nieznacznie zwiększ białe, aby stworzyć jaśniejsze atrakcje i separację. Zachowaj ostrożność, aby nie wydmuchać najważniejszych atrakcji.
8. Czarni: Zmniejsz Czarne, aby pogłębić cienie i dodać do ogólnej nastrojowej atmosfery. Ponownie uważaj, aby nie zmiażdżyć czarnych i całkowicie stracić szczegóły.
9. Clarity: Dostosuj jasność, aby dodać więcej definicji i tekstury. Niewielki wzrost może zwiększyć szczegóły, ale zbyt wiele może sprawić, że obraz wyglądał sztucznie.
10. Dehaze: Dotknięcie Dehaze może dodać dramatyczny efekt i zwiększyć kontrast, ale użyj go oszczędnie, ponieważ może również tworzyć artefakty.
11. Vibrance/Nasycenie: Subtelność jest kluczowa. Niewielki guz w wibracji może być przyjemny, aby wzbogacić kolory, ale unikaj zbyt daleko pchania nasycenia, ponieważ może to sprawić, że odcienie skóry wyglądają nienaturalnie.
iv. Regulacja krzywej tonu
* Krzywa tonu jest głównym narzędziem do kształtowania kontrastu i nastroju.
1. Krzywa punktowa (zalecana):
* s-curve (zmodyfikowany): Utwórz niewielką kąt S, aby zwiększyć ogólny kontrast. Zachowaj jednak subtelną krzywą.
* Shadows: Zakotwicz dolny punkt lewicowania krzywej, aby zapobiec całkowicie czarnym cieniom.
* Podprawy: Lekko spłaszcz górną prawą sekcję krzywej, aby ściskać atrakcje i zapobiec przycinaniu.
* Dobre dostosowanie: Dodaj punkty wzdłuż krzywej, aby dopracować określone zakresy tonalne. Możesz delikatnie zanurzyć środkowe zanurzenie, aby poprawić ciemność.
2. krzywa parametryczna (alternatywa): Dostosuj najważniejsze suwaki, światła, ciemności i cienie, aby uzyskać więcej globalnych regulacji krzywej.
v. HSL/Color Panel
* Ten panel umożliwia dostosowanie odcienia, nasycenia i luminancji poszczególnych kolorów.
1. Luminance:
* odcienie skóry (pomarańczowy/żółty): Nieco zmniejsz luminancję pomarańczowej i żółtych, aby stworzyć głębsze, bogatsze odcienie skóry.
* określone kolory: Dostosuj luminancję innych kolorów na scenie, aby stworzyć równowagę i nacisk.
2. Nasycenie:
* Zmniejsz nasycenie: Ogólnie niewielkie zmniejszenie nasycenia może przyczynić się do nastrojowej atmosfery.
* selektywna redukcja: Zmniejsz nasycenie rozpraszających kolorów w tle lub odzieży, aby zwrócić uwagę na twarz pacjenta.
3. hue:
* tony skóry: Drobne regulacje odcienia pomarańczy mogą lekko przesunąć tony skóry cieplejsze lub chłodniejsze.
* Inne kolory: W razie potrzeby dostosuj odcień innych kolorów, aby osiągnąć pożądaną estetykę.
vi. Panel detali
1. Wyostrzenie: Zastosuj umiarkowaną ilość wyostrzenia, aby zwiększyć szczegóły. Użyj suwaka maskującego, aby chronić gładkie obszary (takie jak skóra) przed nadmiernym wyborem.
2. Redukcja szumu: W razie potrzeby zastosuj redukcję szumów, aby zmniejszyć szum, szczególnie w cieniu. Wyższe obrazy ISO będą wymagały większej redukcji szumów.
vii. Panel efektów
1. Vignetting: Zastosuj * subtelną * ujemną winietę, aby przyciemnić krawędzie ramy i przyciągnij oko widza do środka.
2. ziarno: Rozważ dodanie odrobiny ziarna, aby poprawić estetykę przypominającą film. Eksperymentuj, aby znaleźć wielkość ziarna i chropowatość, która pasuje do twojego smaku.
viii. Panel kalibracji (subtelne zmiany)
* Ten panel umożliwia dostosowanie kalibracji kolorów aparatu.
* Eksperymentuj z czerwonymi, zielonymi i niebieskimi pierwotnymi odcieniami i suwakami nasycenia, aby subtelnie przesunąć ogólną równowagę kolorów.
ix. Lokalne korekty (kluczowe dla efektu Rembrandta)
* Są to twoje narzędzia do precyzyjnego kształtowania światła i cienia. Użyj pędzla regulacyjnego, filtra promieniowego lub filtra stopniowego.
1. Utwórz trójkąt Rembrandt:
* pędzel regulacyjny: Użyj pędzla regulacyjnego, aby pomalować mały trójkąt światła na policzku naprzeciwko źródła światła.
* Nieco zwiększ ekspozycję w obszarze trójkąta.
* Nieznacznie zwiększyć atrakcje i białe.
* Nieco zmniejsz cienie, aby zdefiniować krawędzie trójkąta.
* Zwiększ jasność w trójkącie.
2. Dodge and Burn:
* pędzel regulacyjny: Użyj dwóch oddzielnych szczotek:jednego do unikania (błyskawicy) i jednego do spalania (ciemnie).
* Dodge: Rozjaśniają się obszary, takie jak połów w oczach, grzbiet nosa i inne atrakcje.
* Burn: Zakrączą obszary, takie jak boki twarzy, włosy i tło, aby wzmocnić cienie. Spal się również wokół trójkąta, aby nadać mu definicję.
3. Ulepszenie oka:
* pędzel regulacyjny: Lekko rozjaśnij tęczówkę i dodaj odrobinę kontrastu i przejrzystości, aby oczy popłynęły. Bądź subtelny!
x. Ostateczne akcenty i iteracja
* Cofnij się i oceń ogólny obraz.
* Dokonaj niewielkich regulacji, aby udoskonalić światło i cień.
* Porównaj edytowany obraz z oryginałem i upewnij się, że osiągasz pożądany efekt.
* Eksperymentuj z różnymi ustawieniami i technikami, aby rozwijać własny styl.
Wskazówki dotyczące sukcesu:
* Zacznij od dobrego obrazu: Im lepszy oryginalny obraz, tym łatwiejszy proces edycji.
* subtelność jest kluczowa: Unikaj nadmiernej edycji. Oświetlenie Rembrandt jest dramatyczne, ale nadal powinno wyglądać naturalnie.
* Zwróć uwagę na szczegóły: Małe szczegóły mogą mieć duży wpływ na końcowy wynik.
* Ćwicz: Im więcej ćwiczysz, tym lepiej będziesz w tworzeniu portretów w stylu Rembrandta.
* Przykłady badań: Spójrz na obrazy Rembrandta, aby zrozumieć jego użycie światła i cienia.
* Użyj referencji: Zachowaj pod ręką obraz referencyjny (np. Malowanie Rembrandt lub dobry portret Rembrandt), aby poprowadzić edycję.
* Nie bój się eksperymentować: Wypróbuj różne ustawienia i techniki, aż znajdziesz to, co jest dla Ciebie najlepsze.
Podążając za tymi krokami i ćwicząc, możesz tworzyć oszałamiające, ciemne i nastrojowe portrety w stylu Rembrandt w Lightroom. Powodzenia!