i. Przygotowanie i strzelanie (idealnie wykonane wcześniej, ale można je przybliżać podczas edycji):
* oświetlenie:
* światło kluczowe: Użyj pojedynczego, mocnego źródła światła ustawionego nieznacznie z boku i powyżej obiektu. Zastanów się około 45 stopni na bok i uniesione. To tworzy dramatyczne cienie.
* Rembrandt Triangle: Celem jest stworzenie małego, oświetlonego trójkąta na policzku najdalej od źródła światła. To charakterystyczny element portretów Rembrandta. Eksperymentuj z rozmieszczeniem światła, aby to osiągnąć.
* wypełnij światło (opcjonalnie): Bardzo subtelne światło wypełniające lub odbłyśnik po przeciwnej stronie może lekko zmięknąć cienie, ale unikać nadmiernego rozstawu. Możesz także symulować to w przetwarzaniu końcowym (patrz regulacja cieni poniżej).
* tło: Mroczne i uporządkowane tło ma kluczowe znaczenie. Użyj ciemnej szmatki, pomalowanej ściany, a nawet strzelaj do ciemnego, zacienionego obszaru.
* Stylizacja tematu:
* odzież: Mroczne, teksturowane tkaniny działają najlepiej. Pomyśl o aksamicie, wełnie lub skórze.
* pozowanie: Klasyczne, stoickie pozy są typowe. Pomyśl o tematach Rembrandta - kontemplacyjnej i zaangażowanej.
* Ustawienia aparatu (jeśli strzelanie nowości):
* ISO: Zachowaj jak najniższe, aby zminimalizować hałas.
* apertura: Użyj płytkiej głębokości pola (np. F/2.8 lub f/4), aby zacierać tło i skupić uwagę na temat.
* Sprawa migawki: Dostosuj się, aby osiągnąć odpowiednią ekspozycję, biorąc pod uwagę swój ISO i przysłonę.
* strzelaj w surowym: Daje to największą elastyczność w przetwarzaniu końcowym.
ii. Edycja Lightroom:
1. Importuj i podstawowe korekty:
* Zaimportuj surowy obraz do Lightroom.
* Profil: Zacznij od profilu „dopasowania aparatu”, aby pasował do wyglądu w aparacie. Lub eksperyment, aby znaleźć taki, który pasuje.
* Bilans biały: Ustaw nieco cieplejszą równowagę białą (około 2800-3200k), aby naśladować ciepło farby olejnej. Dostosuj odcień do smaku. Użyj kroplowania wzroku na neutralnym obszarze obrazu (jak białe oczu), aby uzyskać dokładniejszy punkt początkowy, a następnie stamtąd drobna melodia.
2. Ekspozycja i kontrast:
* Ekspozycja: Dostosuj się do smaku. Chcesz, aby obraz był mroczny i nastrojowy, ale nie zniknął do tego stopnia, że detale są utracone w cieniu. Błąd z boku lekko niedoświetlonego.
* kontrast: Zwiększ kontrast w celu zwiększenia dramatu. Zacznij od +15 do +30 i dostosuj w razie potrzeby.
* Podprawy: Zmniejsz atrakcje, aby odzyskać szczegóły w najjaśniejszych obszarach. Idź negatywnie, ale nie miażdż ich całkowicie. Wartość od -40 do -70 jest dobrym punktem wyjścia.
* Shadows: Zwiększ cienie * nieznacznie *, aby wydobyć szczegóły w najciemniejszych obszarach. Tutaj możesz symulować subtelne światło wypełniające. Często wystarczy wartość między +10 a +30. Unikaj przesadzania, bo stracisz nastrój.
* białe: Poświęć trochę białych, aby dać poczucie luminancji najjaśniejszym częściom.
* czarne: Opuść Czarnych, aby pogłębić cienie i zwiększyć ciemność. Nie miażdaj Czarnych; Zostaw kilka szczegółów.
3. krzywa tonowa:
* Krzywa tonu jest twoim najlepszym przyjacielem do dostrajania kontrastu i nastroju. Użyj krzywej punktu (lub krzywej regionu, aby uzyskać większą kontrolę):
* s-curve: Utwórz subtelną S-Curve, aby jeszcze bardziej zwiększyć kontrast. Lekko ściągnij cienie i trochę wepchnij najważniejsze informacje.
* Matte Look (opcjonalnie): Aby stworzyć bardziej miękki, bardziej matowy wygląd, lekko podnieś lewy dolny punkt krzywej tonu. To podnosi czarne poziomy i zmiękcza cienie. Zmniejsza to głębinę Czarnych.
* Udostępnij kanałem (czerwony, zielony, niebieski): Eksperymentuj z dostosowaniem krzywej tonu dla każdego kanału kolorów indywidualnie, aby dostosować równowagę kolorów. Na przykład możesz nieznacznie zmniejszyć blues w cieniu, aby je ogrzać.
4. HSL/Color:
* hue: W razie potrzeby subtelnie dostosuj odcienie. Na przykład możesz zmienić pomarańczowe odcienie w kierunku nieco bardziej złotego tonu. Bądź tutaj bardzo konserwatywny.
* Nasycenie: Zmniejsz nasycenie * globalnie *, aby desaturować obraz i nadać mu bardziej vintage. Zacznij od -10 do -20 i dostosuj stamtąd.
* Luminance: Dostosuj luminancję dla każdego zakresu kolorów. Często zmniejszenie luminancji bluesa i fioletowych pomaga przyciemnić tło. Nieco zwiększenie luminancji pomarańczy (dla odcieni skóry) może pomóc w rozjaśnianiu obiektu.
5. Szczegóły (wyostrzenie i redukcja szumów):
* wyostrzenie: Zastosuj umiarkowane wyostrzenie, aby wydać szczegóły. Zwróć uwagę na promień i szczegółowe suwaki, aby uniknąć tworzenia artefaktów. Maskowanie może pomóc ograniczyć ostrzenie do obszarów szczegółowych, takich jak oczy i włosy.
* Redukcja szumu: W razie potrzeby zastosuj redukcję hałasu, aby zmniejszyć ziarnistość, szczególnie jeśli strzelasz na wyższe ISO. Równowaga redukcji szumu z retencją szczegółów.
6. Korekty soczewek :
* Włącz korektę profilu: Zaznacz pole, aby automatycznie poprawić zniekształcenie soczewki i aberracja chromatyczna.
* Usuń aberracja chromatyczna: Zaznacz to pole.
7. Efekty:
* winieta: Zastosuj subtelną * negatywną * winietę (przyciemnij krawędzie), aby przyciągnąć oko widza w kierunku obiektu. Użyj suwaka „Ilość” i dostosuj „punkt środkowy” i „pióro”, aby kontrolować rozmiar i miękkość winiety. Do regulacji kształtu można również użyć suwaka „okrągłości”.
* ziarno (opcjonalnie): Dodanie odrobiny ziarna może poprawić estetykę przypominającą film. Eksperymentuj z niewielkimi ilością ziarna (około 10-20) i dostosuj rozmiar i chropowatość do swoich upodobań.
8. Kalibracja:
* Eksperymentuj z ustawieniami kalibracji kamery, szczególnie odcienia cienia. Może to dodać subtelnego koloru rzuconego do cieni, przyczyniając się do ogólnego nastroju.
9. REGULACJE LOKOWE (Narzędzia szczotkowania/gradientu):
* Dodge and Burn (subtelny): Użyj pędzla regulacyjnego, aby selektywnie rozjaśnić (Dodge) i przyciemnić (spal) obszary twarzy i odzieży. Na przykład lekko rozjaśnij trójkąt Rembrandt na policzku lub ciemne obszary odzieży, aby dodać głębokość i wymiar. Użyj bardzo niskiego przepływu i zakrzeczności (5-10%) do subtelnego mieszania.
* Darkening w tle: Użyj filtra promieniowego lub filtra stopniowego, aby jeszcze bardziej przyciemnić tło, szczególnie jeśli nie jest idealnie ciemny na oryginalnym obrazie.
Ważne rozważania i wskazówki:
* subtelność jest kluczowa: Najczęstszym błędem jest przesadzanie korekt. Dokonaj małych, przyrostowych zmian i stale oceniaj ogólny efekt.
* Odcień skóry: Zwróć szczególną uwagę na odcienie skóry. Chcesz, aby wyglądali naturalnie, nawet w kontekście ciemnego i nastrojowego obrazu. Użyj suwaków HSL (zwłaszcza luminancji i nasycenia pomarańczy i żółci) oraz lokalnych regulacji, aby udoskonalić odcienie skóry.
* odniesienie: Przestudiuj portrety Rembrandta! Zwróć uwagę na oświetlenie, paletę kolorów i nastrój.
* Nieniszcząca edycja: Pamiętaj, że edycja Lightroom jest nieniszcząca. Zawsze możesz powrócić do oryginalnego obrazu lub cofnąć.
* Presets: Możesz utworzyć własny ustawienie Lightroom na podstawie tych korekt, aby szybko zastosować wygląd w stylu Rembrandt do innych portretów. Istnieje również wiele dostępnych na rynku ustawień wstępnych, które mogą służyć jako punkt wyjścia. Uważaj na ustawienia wstępne, które stosują zbyt dramatyczne korekty, które często wymagają dużo naprawy.
* Ćwicz: Im więcej ćwiczysz, tym lepiej będziesz w osiągnięciu pożądanego wyglądu.
Podążając za tymi krokami i eksperymentując z różnymi narzędziami Lightroom, możesz stworzyć oszałamiające ciemne i nastrojowe portrety w stylu Rembrandta, które wychwytują ponadczasowe piękno i dramat jego obrazów. Powodzenia!