Masz swoją historię, obsadę, załogę, sprzęt i oświetlenie; masz zestaw lub lokalizację. Jesteś już prawie gotowy do drogi. Teraz musisz pomyśleć o kompozycji sceny. Dobra kompozycja może zrobić lub zepsuć film, ponieważ nie możesz po prostu umieścić wszystkich i wszystkiego w pokoju i tak to zostawić. Miejsce, w którym ludzie i rzeczy są umiejscowione w scenie i sposób, w jaki podchodzisz do ich filmowania, bardzo wiele przekazuje widzom. Nie ma znaczenia, czy kręcisz wywiad, czy kręcisz film taneczny, zrozumienie technik komponowania i skuteczne ich wykorzystanie ożywi Twój film.
Reguła trójpodziału
Są szanse, że jeśli słyszałeś tylko o jednej zasadzie kompozycyjnej, to jest to zasada trójpodziału. Ta zasada dzieli Twoją scenę na 9 prostokątów, używając 2 pionowych linii rozmieszczonych równomiernie w całej scenie i 2 poziomych linii w równych odstępach wzdłuż ramki. Cztery punkty, w których te linie się przecinają, nazywane są punktami zainteresowania lub punktami mocy.
Teoria stojąca za zasadą trójpodziału polega na tym, że umieszczasz obiekt, na którym się skupiasz, w jednym z interesujących punktów i używasz linii podziału, aby uzyskać wyraźne poziome lub pionowe linie w swojej scenie . Tworzy to silną dynamikę w kadrze i wprowadza napięcie między elementami sceny. O ile nie szukasz szczególnie symetrycznej kompozycji, kadrowanie obiektu w centrum sceny może wydawać się płaskie i pozbawione życia. Nie ma znaczenia, jakiej ogniskowej używasz, nadal możesz zastosować zasadę trójpodziału.
Na tym filmie możesz zobaczyć, jak obiekt jest ustawiony na drugim pionie, z głową w prawym górnym rogu.
W tym klipie wideo uwrocie w tle znajduje się wzdłuż górnej poziomej linii. Nie przebiega przez środek kadru, co przecięłoby go na pół i pozostawiłoby scenę płaską.
Balans i symetria
Równowaga i symetria to różne techniki kompozycji. Równowaga przybiera wiele form, ale zapewnia, że kompozycja filmowa wydaje się kompletna. Postać z głową w lewym górnym punkcie zainteresowania może zostać zrównoważona przez obiekt w prawym dolnym rogu. Nie musi być tego samego rozmiaru, kształtu ani koloru, ale stanowi dopełnienie. Ciemnoróżowy kwiat w prawym górnym rogu ujęcia można zrównoważyć jasnozieloną negatywową przestrzenią wypełniającą resztę sceny. Albo ktoś w prawym dolnym rogu może się zrównoważyć, patrząc w lewy górny róg. Poczujesz niezrównoważoną scenę, gdy ją zobaczysz, niezależnie od tego, czy używasz teleobiektywu, czy obiektywu szerokokątnego. Bądź otwarty na to, jak to zrównoważyć – niekoniecznie jest to oczywisty wybór, który zadziała najlepiej.
Podobno im bardziej symetryczni są ludzie, tym bardziej ich atrakcyjni. Nie jestem pewien, jak dokładnie jest to dokładne, ale pomaga to wyjaśnić, dlaczego uważamy, że symetryczne ujęcia są przyjemne dla oka, nawet jeśli łamią zasadę trójpodziału. Jest w nich spokój, równość, która wciąga.
W przypadku niektórych ujęć wystarczy tylko symetria – na przykład w przypadku tego materiału z poczwórną czaszką. A wyśrodkowane ujęcia twarzy ludzi są kuszące:czujesz, że możesz się z nimi połączyć. Są bardzo mocne i można je uwydatnić, zbliżając się lub oddalając w kierunku obiektu za pomocą ujęcia dolly.
2 wskazówki, jeśli chodzi o symetryczne kompozycje:Po pierwsze, muszą być dokładne. Jeśli nie do końca mają rację, zirytują twoich widzów. Po drugie, nie nadużywaj symetrycznej kompozycji. Może to być wyczerpujące dla odbiorców lub stracić swój wpływ.
Przestrzeń główna i zapas
Headroom oznacza pozostawienie luki między czubkiem głowy fotografowanej osoby a krawędzią kadru. Dzięki temu scena nie będzie ciasna, pospieszna lub agresywna. Może się zdarzyć, że wywołanie tych uczuć jest dokładnie tym, czego potrzebujesz, ale przede wszystkim daj badanym przestrzeń do oddychania w scenie.
Pokój wiodący odnosi się do pozycji obiektu w twojej scenie i kierunku, w którym patrzy. Konwencja sugeruje, że jeśli masz obiekt po lewej stronie sceny, powinien on patrzeć na prawo, a nie na lewo od kadru lub może to dezorientować publiczność. Jeśli zrobisz to ostrożnie i rozważnie, myślę, że jest to dobra zasada do złamania.
Wiodące linie
Zaczynasz od drzewa, a następnie podążasz ścieżką przez scenę.
Linie wiodące kierują publiczność do twojego punktu skupienia lub do czegoś innego w twojej scenie, co jest w jakiś sposób znaczące. Linie wiodące mogą być prawdziwe lub urojone, proste lub zakrzywione. Drogi, tory kolejowe i rzeki to oczywiste linie wiodące, ale linie wzroku ludzi też działają. Gdzie szuka twój przedmiot? Tam, gdzie spoglądają, Twoi odbiorcy też będą patrzeć.
Możesz początkowo spojrzeć na filmowca na klifie, ale potem pójdziesz jego wzrokiem w dół, aż do morza.
Możliwe jest skomponowanie ujęcia za pomocą wielu wiodących linii, które poprowadzą Cię przez scenę i pomogą w opowiedzeniu Twojej historii. Ścieżka może prowadzić do obiektu, a jego linia wzroku może prowadzić do drzewa do ptaka.
Głębia ostrości
To, jaka część sceny jest wyostrzona, a jaka jest rozmyta, pomaga opowiedzieć Twoją historię, pokazując widzom, na czym należy się skoncentrować i co jest ważne.
Płytka głębia ostrości świetnie nadaje się do skoncentrowania uwagi odbiorców, ale nie sprawdzi się w przypadku ujęcia ustalającego, w którym próbujesz ustawić kontekst. Nawet z szerokokątnym obiektywem i głęboką głębią ostrości, nadal możesz mieć pewność, że publiczność rozpozna Twój obiekt. Zmniejszając lub powiększając obiekt w scenie, możesz zasugerować, czy ktoś jest przytłoczony lub też kontroluje sytuację.
Nauczenie się, jak przeciągnąć fokus lub rack focus, to świetna umiejętność, która pomaga zmienić to, co jest w centrum uwagi w scenie. Niezależnie od tego, czy używasz obiektywu stałoogniskowego, czy zmiennoogniskowego, będzie on musiał mieć ręczne ustawianie ostrości do ustawiania ostrości w stojaku.
Reguła 180º
Gdy masz co najmniej 2 postacie komunikujące się w obrębie sceny lub postać wchodzącą w interakcję z kluczowym obiektem, powinny one zawsze pozostawać po tej samej stronie ekranu, z której patrzy na nich publiczność. Nazywa się to regułą 180º i pomaga zachować spójność dla odbiorców. Możesz przekroczyć linię 180º, ale należy to zrobić bardzo ostrożnie i celowo, w przeciwnym razie zdezorientuje to publiczność i może stracić fabułę.
Uzyskaj nieograniczoną muzykę
dla Twoich filmów
Rozpocznij bezpłatnie teraz Kierunek i poziomy
Kąty kamery zmieniają odczucia widzów na temat obiektów na ekranie. Jeśli zbliżysz się do kogoś na poziomie oczu, Twoi odbiorcy poczują się z nim równi i związani. Filmuj od dołu, a publiczność poczuje się uległa postaci. Odwróć pozycję filmowania, a postać stanie się uległa. Pamiętaj, że wraz ze zmianą kąta ujęcia zmieni się również to, co pojawia się na pierwszym planie i w tle. Musisz zastanowić się, co chcesz widzieć i jak ważne powinno być.
W porównaniu z
Poznaj zasady, aby móc je złamać
Równie dobrze możesz powiedzieć, że różnica między dobrą kompozycją a złą kompozycją polega na przestrzeganiu zasad kompozycji. To nieprawda. Kiedy zrozumiesz zasady komponowania, uzyskasz głębsze zrozumienie tego, w jaki sposób Twoi odbiorcy będą wchodzić w interakcję z Twoim materiałem filmowym. A to daje ci swobodę łamania zasad, aby osiągnąć swoje cele filmowe. Różnica między dobrą kompozycją sceny a słabą kompozycją kadru polega na tym, czy jesteś w stanie opowiedzieć swoją historię w przekonujący sposób, który przykuwa uwagę widzów i nie rozprasza ich ani nie irytuje. Bądź odważny. Poznaj zasady komponowania, a potem możesz je odpowiednio złamać.