Prawie nikt nie musi znać przejść wideo, takich jak przycięcia i zanikanie. Nawet najbardziej wilgotny nowicjusz instynktownie rozpoznaje je po latach oglądania telewizji.
Jednak użycie takich elementów wymaga bliższego przyjrzenia się. Przejścia to kluczowe elementy języka komunikacji wideo – języka wizualnego, który jest na swój sposób tak wyrafinowany, jak mowa werbalna. Podczas gdy początkujący mówi wideo na poziomie „Ja Tarzan; ty Jane”, doświadczony praktyk komunikuje się bardziej elokwentnie i precyzyjnie.
Zaczniemy od szybkiego przeglądu podstaw, a następnie przejdziemy do prawidłowego używania przejść i wdrażania ich ze stylem, a przede wszystkim powściągliwością.
Podstawy przejścia
Klasyczne przejścia to oczywiście zanikanie, cięcie i rozpuszczanie.
Zanikanie to stopniowe przejście między obrazem a czernią (lub czasem bielą lub innym kolorem). „Zanikanie” rozjaśnia się od czerni do obrazu; „zanikanie” zmienia się z obrazu na czerń.
Cięcie to natychmiastowa zmiana od ostatniej klatki ujęcia wychodzącego do pierwszej klatki ujęcia przychodzącego.
Rozpuszczanie to stopniowe przejście, w którym ujęcie wychodzące zanika w dokładnie takim samym tempie, klatka po klatce, jak zanika ujęcie nadchodzące. To idealne nakładanie się jest niezbędne, ponieważ utrzymuje jasność na pełnym ekranie przez cały czas przejście.
Aby matematyka była prosta, wyobraź sobie krótkie, 10-klatkowe rozpuszczanie. W pierwszej klatce ujęcie A wyblakło do 90% jasności, a ujęcie B wyblakło do 10%. W punkcie środkowym podział wynosi 50/50, a do klatki dziewiątej 10/90; ale w każdej klatce łączna jasność ujęć A i B wynosi 100%. Ponieważ obraz nigdy nie przyciemnia się, ujęcie A wydaje się dosłownie rozpuszczać w ujęcie B. (Rozpuszczanie jest również nazywane przenikaniem i miksowaniem).
Aby uzupełnić klasyczny katalog, powinniśmy dodać włochatych, ciągnących się po kostkach przodków dzisiejszych cyfrowych efektów wideo (DVE):tęczówki, chusteczki, falowanie i przewracanie tablicy. Hollywood używało tych prostych, oldschoolowych efektów optycznych do krótkich tematów, filmów szkoleniowych, numerów muzycznych i innych celów specjalnych. W tamtych czasach efekty były tworzone drogo na drukarkach optycznych w laboratoriach filmowych. Jeszcze wcześniej, w erze kina niemego, efekty były mozolnie wbudowane w kamerę i rejestrowane jako część oryginalnego materiału filmowego.
Przejścia i gramatyka klasyczna
W miarę jak gramatyka filmu rozwijała się w Hollywood i na całym świecie, klasyczne przejścia zaczęły reprezentować określone znaczenia.
Ludzie często próbowali definiować cięcia, zanikanie i rozpuszczanie przez analogię do znaków interpunkcyjnych w innych mediach. Na przykład w porównaniu teatralnym rozpuszczenie jest jak przerwanie sceny, a zanikanie jest jak podział na akty. Niestety teatr nie ma prawdziwego odpowiednika dla prostego cięcia.
Porównanie z wydrukowaną stroną działa lepiej – na początku. Cięcie jest jak kropka na końcu zdania, rozmycie rozpoczyna nowy akapit, a zanikanie rozpoczyna nowy rozdział lub sekcję. To całkiem blisko.
Fakt jest taki, że lepiej zapomnieć o sztukach teatralnych i książkach i zdefiniować przejścia filmowe w kategoriach ich własnego medium. W tym systemie cięcie to przejście, które jest niewidoczne. W rękach doświadczonego redaktora możesz nazwać to różnicą bez różnicy.
Rozpuszczenie zwykle sygnalizuje zmianę czasu, miejsca lub obu, w ramach jednej większej akcji. Załóżmy, że John i Marsha są w swoich mieszkaniach, przygotowując się na ciężką randkę. W klasycznym filmie rozpuszczenia mogą być użyte w następujący sposób:
John pod prysznicem.
ROZPUŚĆ DO:
Marsha pod prysznicem.
ROZPUŚĆ DO:
Jan wychodzi spod prysznica.
Rozpuszczają one zmiany sygnałów w miejscu, sugerując, że te dwie akcje rozwijają się w tym samym czasie. Ale teraz załóżmy, że przez jakiś czas trzymamy się Johna:
John wychodzi spod prysznica.
ROZPUŚĆ DO:
John chlapie wodę po goleniu przy zlewie.
ROZPUŚĆ DO:
John ubrany, zawiązuje krawat.
Rozpuszczają one zmiany sygnału w czasie, ale nie w miejscu.
Wtedy kontynuując Johna, my
ROZPUŚĆ DO:
Jan łapie taksówkę na ulicy.
ROZPUŚĆ DO:
Jan wychodzi z kwiaciarni z bukietem.
A teraz rozpuszcza się zmiany sygnału zarówno w czasie, jak i miejscu jednocześnie.
Jeśli chodzi o zanikanie, zwykle klasyczny film zaczynał się zanikaniem, a kończył zanikaniem. W międzyczasie możesz zobaczyć, jak są używane w następujący sposób:
Przy frontowych drzwiach Marshy:
MARSHA:„Przykro mi, John, ale nigdy nie odniesiesz sukcesu”. Zatrzaskuje mu drzwi przed nosem.
JOHN (pięść uniesiona ku niebu) Ponieważ Scrooge jest moim świadkiem, już nigdy nie będę biedny!
ZANIKANIE.
PRZENIKANIE:
Rolls Royce podjeżdża do krawężnika, a szofer wyskakuje, by otworzyć drzwi pasażera. John pojawia się, ubrany jak milioner, którym się stał.
Jest to najczęstsza funkcja zanikania/zanikania w połączeniu:sygnalizuje poważną zmianę w czasie i miejscu, wraz z ważną nową sekcją historii.
Lore AVE
Nazwijmy je „Analog Video Effects”, czyli staromodnymi przejściami wykonanymi na drukarce optycznej. Najczęstszymi efektami były wycieranie, ripple rozpuszczanie i odwracanie, a każdy z nich miał specjalne znaczenie.
Wymaż wykonał prawie to samo zadanie, co rozpuszczanie, z wyjątkiem tego, że zwrócił na siebie uwagę, aby przejście było bardziej oczywiste. W ten sposób połączył nacisk na zanikanie/zanikanie z szybkością rozpuszczania.
W falowaniu rozpuszczają się łączące się sceny, które również chwieją się i chwieją jak odbicia w poruszającej się wodzie. Rozpuszczenie ripple zawsze wskazywało na retrospekcję:przejście do czegoś, co wydarzyło się wcześniej.
JOHN (do swojego szofera, wciąż trzymającego otwarte drzwi Rollsa) Niewiele wiedziałem, kiedy po raz pierwszy spotkałem Marshę…
RIPPLE ROZPUSZCZANIE DO:
Jan, wychodzący z kwiaciarni z bukietem. JOHN (ciąg dalszy, lektor:) …jak jej pogarda rozbudziłaby moją ambicję odniesienia sukcesu.
Obrót to specjalna ścierka, która symuluje efekt obracania wolnostojącej tablicy w celu wyświetlenia jej tylnej strony. To często przekazywało poczucie „z drugiej strony” lub „w międzyczasie z powrotem na miejscu Marshy”. Ponieważ zwracali na siebie uwagę, przewrotki były często używane w komediach i krótkich tematach non-fiction.
Zanikania były najwcześniejszymi przejściami filmowymi, ponieważ operatorzy kamer mogli je wykonać bezpośrednio w aparacie, stopniowo zamykając lub otwierając przesłonę obiektywu lub migawkę.
Ale potem wynaleźli zanikanie tęczówki, w którym ramka obrazu zamienia się w okrąg, który stopniowo kurczy się do małej średnicy, a następnie kurczy się do zera, pozostawiając czarny ekran. (Zastosowano również technikę odwrotną lub „wsuwanie tęczówki”). Sztuczka polegała na tym, że okrąg nie kurczył się w kierunku środka kadru, ale w kierunku znaczącego szczegółu w dowolnym miejscu na zdjęciu, szczegółu takiego jak dłoń i pistolet zły facet.
Duża przesłona wielolistkowa stworzyła efekt, podobnie jak przysłona w obiektywie, zamontowana tylko pośrodku dużej czarnej tablicy umieszczonej między aparatem a złoczyńcą. Otwór został wstępnie wyrównany, aby obramować rękę i pistolet, a następnie rozszerzony, aż zniknął z obrazu. Podczas strzału asystent skurczył tęczówkę do zadanej średnicy, aby oprawić dłoń i pistolet, a następnie całkowicie je zamknął.
Klątwa DVE
Jak widać, klasyczne przejścia wymagały umiejętności, a przede wszystkim pracy (nie wspominając o czasie i pieniądzach). Potem pojawiły się cyfrowe efekty wideo, na które prawie każdy mógł sobie pozwolić i które można wstawiać za naciśnięciem jednego przycisku. Zanim się zorientowałeś, nowe sceny przewracały się, latały, wirowały, podskakiwały i wklejały się na kostki i kule.
To była katastrofa.
Dlaczego? Pewien mądry człowiek zauważył kiedyś, że kiedy twoim najnowszym narzędziem jest młotek, każda praca zaczyna wyglądać jak gwóźdź – niezależnie od tego, czy jest, czy nie. Ludzie, którzy nie znali efektu rozpuszczania od progu, zaczęli rzucać starymi efektami tylko po to, by programy wyglądały na skoczne. W rezultacie przejścia zaczęły tracić przypisane im znaczenie, a gramatyka wideo odpowiednio ucierpiała.
Na szczęście mody są z definicji tymczasowe, a teraz, gdy nowość się kończy, chłodniejsze głowy zaczynają dominować. Gdy DVE ewoluują od „och, wow!” do „tak, racja”, wracamy do prostych cięć, zanikania i rozpuszczania, ponieważ są skuteczne i dyskretne oraz nie kolidują z głównym celem opowiadania historii.
To nie znaczy, że nie możesz użyć najnowszego rooten-tooten, rip-snorting, Sock-Dolar DVE w swoim zestawie. Ale zachowaj to dla tych wyjątkowych miejsc, w których nada scenie nieoczekiwanego znaczenia i zrzuci skarpetki widza.
W przeciwnym razie faworyzuj klasyczne przejścia. Naprawdę lepiej wykonują swoją pracę i pomagają sprawić, by Twój film stał się aktem klasowym.
Oczywiście tak jest.