Jeśli chodzi o aktorów, wielu z nich ma skromne początki i nadają się do robienia więcej za mniej. Jeśli masz szczęście mieć zarówno dobrych pisarzy, jak i dobrych aktorów, uzyskasz świetny dialog i akcję. Zakładając, że możesz uchwycić występy w sposób, który uwydatnia te cechy, montaż powinien być prawdziwą przyjemnością. Ale od czego zacząć?
Dźwiękowe początki
Jedną ze strategii edycji większości rodzajów produkcji jest edycja „radiowa”. Skupienie cięć i montażu osi czasu na dialogu stawia treść historii jako najwyższy priorytet. Widać to raz po raz w komercyjnej produkcji telewizyjnej. Od scenariusza do ostatecznego montażu, to, co zostanie powiedziane w 30-sekundowym spocie, będzie miało ogromny wpływ na widza. Liczy się każda sekunda i każda sylaba jest ćwiczona.
Nawet w filmach fabularnych – gdzie czas jest mniej krępujący – rytm i płynność dialogu pomagają uwydatnić charakter i fabułę. Wszystko to jest sztuką montażu. Poświęćmy więc mniej czasu na ujęcia, a więcej na dialogi, aby prowadzić naszą historię. Ale pamiętaj, to ta sama zasada tworzenia rytmu i budowania oczekiwania publiczności.
Rytm lub tempo
Dialogi można traktować jak muzykę. Możesz edytować linie w zsynchronizowane rytmy i tworzyć pauzy, aby stworzyć rytm. Częstotliwość edycji określi tempo sekwencji. Sceny z szybką akcją będą zawierały dialog pomiędzy postaciami blisko siebie przyciętymi. Pomyśl o szybkiej edycji okna dialogowego jak o meczu tenisowym. Wymiana wierszy między postaciami odbywa się tam iz powrotem. Kiedy nie ma wiele do powiedzenia, na przykład scena pościgu, możesz użyć dźwięków jako bitów, aby wypełnić „martwe powietrze” między wierszami. Na przykład dwóch rowerzystów rywalizuje w wyścigu o dotarcie do ostatniego odcinka. Antagonista przejmuje inicjatywę i szydzi z protagonisty linią dialogową. Nasz spokojny bohater nic nie mówi. Aby utrzymać szybkie tempo, edytor doda kilka efektów dźwiękowych, aby podtrzymać rytm dialogu, na przykład kilka głośnych wiwatów tłumu lub dźwięk klaksonu wraz z oczywistymi efektami dźwiękowymi obracających się kół zębatych, ścierania opon o beton i wietrzny warkot biegaczy. Następnie słyszymy chrząknięcie naszego protagonisty, gdy rzuca się do przodu. Antagonista mówi:„Za późno, już cię pokonałem!” Potem rozlega się dźwięk eksplodującej opony i krzyk antagonisty. Następnie dodaj kilka wiwatów z tłumu. To szybka, szybka edycja radiowa z zaledwie dwoma wierszami dialogów od postaci i całą masą bitów dostarczanych przez efekty dźwiękowe. Najlepsze jest to, że efekty dźwiękowe naprawdę pomagają budować środowisko sceny. Po prostu dodaj swoje wizualizacje i gotowe.
Kiedy używasz wielościeżkowej osi czasu, czasami najłatwiej jest umieścić każdą postać na osobnej ścieżce. W ten sposób możesz łatwiej łączyć ze sobą sekcje. Kiedy manipulujesz czasem w ten sposób, znalezienie pasujących elementów wizualnych może być trudne. Jeśli masz szczęście, będziesz mieć kilka wyciętych elementów do pracy. Bardzo ważne jest również, abyś miał ton pokoju. Dźwięk pokoju to zwykle 30-sekundowy klip dźwiękowy (czasem dłuższy) przedstawiający „atmosferę” pomieszczenia lub innego miejsca, w którym kręcisz. Instruujesz talent i ekipę, aby nie hałasowali podczas rejestrowania dźwięku pomieszczenia. Użyj klipu tonu pomieszczenia, aby wypełnić puste przestrzenie między edycjami klipów audio, aby te obszary nie stały się całkowicie „martwym powietrzem”.
Cięcie w kształcie litery L
Cięcie L ma miejsce, gdy ścieżka dźwiękowa pierwszego klipu jest kontynuowana po edycji do wizualizacji drugiego klipu, zastępując dźwięk drugiego klipu na znaczną część czasu. Cutaway to klasyczny przykład kroju w kształcie litery L. Możesz użyć cięcia w kształcie litery L, aby dopasować efekty wizualne, gdy jesteś w potrzebie. Na przykład klip pierwszy pokazuje zbliżenie postaci, która wygłasza linię dialogu, po której następuje pauza, a następnie kolejna linia dialogu. Decydujesz się wyciąć drugą linię dialogu po pauzie i wstawić inną linię. Aby sprzedać tę edycję wizualnie, przycinasz fragment (tj. klip z ujęciem reakcji innej postaci) na kilka sekund przed końcem pierwszego wiersza okna dialogowego. Przerywany klip trwa kilka sekund, symulując pauzę, a my przechodzimy do następnego klipu z nową linią dialogową. Krój w kształcie litery L pomaga utrzymać tempo bez żadnych wizualnych problemów. Używanie sztuczek związanych z tempem, takich jak wprowadzanie efektów dźwiękowych (lub bardziej gadatliwych postaci, jeśli o to chodzi) oraz używanie szybkich i wydajnych cięć, takich jak cięcie w kształcie litery L, pomoże stworzyć tempo, które jest odpowiednie dla Twojej sceny.
Trzypeczne cięcie w kształcie litery J
Dobrym sposobem na natychmiastowe zwrócenie uwagi na dialog i napięcie jest użycie cięcia w kształcie litery J między dwoma klipami. Wycięcie w kształcie litery J pozwala ścieżce dźwiękowej (tj. dialogowi) poprzedzać łączący obraz wizualny. W ten sposób widzowie usłyszą dialog następnego klipu, zanim zobaczą źródło dialogu. Na przykład sitcomy często zmieniają lokalizacje i sceny za pomocą tej techniki. Sekwencja otwierająca to szerokie ujęcie wprowadzające do biurowca. Słyszymy, jak menedżer mówi o masowych zwolnieniach, gdy wizualizacja zbliża się do biurowca. Po kilku sekundach dialogu edytor przechodzi do klipu źródłowego, odsłaniając grafikę towarzyszącą dźwiękowi. Przez te krótkie sekundy w dialogu poprzedzającym klip źródłowy Twoi widzowie czekają na następne ujęcie. Słuchają uważnie.
Ta technika J-cut nie musi być zarezerwowana dla scen otwierających. Kiedy dialog dochodzi do krytycznego punktu w historii, dobrze umieszczony J-cut pomoże zbudować napięcie. Na przykład detektyw przesłuchuje podejrzanego o popełnienie przestępstwa. Zrobiłeś bardzo ciasną i szybką edycję A/B między dwoma postaciami. Gdy dochodzisz do ważnego momentu w historii, detektyw w końcu trzyma podejrzanego na linach i rusza do zabójstwa, pokazując szkodliwe dowody przeciwko podejrzanemu. Redaktor zatrzymuje nagranie wideo z pierwszego klipu przedstawiającego detektywa, a następnie wstawia pod tym obrazem dialog podejrzanego. Po krótkiej przerwie widz słyszy, że głos podejrzanego zaczyna drżeć. Rozpoczyna się zeznanie podejrzanego, ale redaktor jeszcze przez sekundę dłużej trzyma obraz detektywa, budując oczekiwanie na następne ujęcie. To J-cut używany w krytycznym momencie fabuły. Skupia widza na dialogu, a tymczasem zmienia również wizualne tempo. Wszystkie te rzeczy mają ogromny wpływ na emocjonalny wpływ sekwencji.
Zawiń
Możesz użyć tych technik dla prawie każdego rodzaju formatu. Technika edycji radiowej to świetna metoda tworzenia fascynujących historii. Po zakończeniu edycji radia możesz cofnąć się i nieco bardziej przesuwać rzeczy, aby lepiej pasowały do twoich efektów wizualnych. Zachowaj ostrożność, gdy to robisz, aby upewnić się, że nie cofniesz całej tej ciężkiej pracy.
Wreszcie, powinno być oczywiste, że musisz upewnić się, że uchwyciłeś swój dialog tak dobrze, jak to możliwe. I nie zapomnij zdjąć osłony obiektywu przed rozpoczęciem fotografowania. Radio jest świetne, ale to jest robienie filmów.
Redaktor współpracujący Mark Montgomery jest niezależnym producentem wideo.